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·Ⅰ·
第一单元中国绘画艺术赏析
第一节中国古代绘画
第二节中国近现代绘画

第二单元中国雕塑艺术赏析
第一节中国古代雕塑
第二节中国近现代雕塑

第三单元中国建筑、园林艺术赏析
第一节中国建筑艺术
第二节中国园林艺术
第四单元中国工艺艺术赏析
第一节中国工艺艺术概况
第二节中国工艺艺术名作
第五单元外国绘画艺术赏析
第一节外国古代绘画
第二节外国近现代绘画

第六单元外国雕塑艺术赏析
第一节外国古代雕塑
第二节外国近现代雕塑
·Ⅱ·
第七单元外国建筑艺术赏析
第一节外国古代建筑艺术
第二节外国现代建筑艺术

第八单元外国艺术设计赏析
第一节外国现代艺术设计
第二节外国后现代艺术设计
参考文献
1
第
单元
中国绘画艺术赏析
艺
术
欣
赏
中国绘画有着悠久的传统和历史，是世界文化史中的一朵奇葩。中国绘画的历史可以追溯到新石器时代，在中国五千年的文明长河中留下了许多传世杰作，展子虔的《游春图》、阎立本的《步辇图》都是我们所熟知的古代绘画中的珍品杰作。近代之后，中国绘画同样取得了光辉的成就，徐悲鸿、齐白石等都是我们耳熟能详的大画家。通过对中国绘画的学习和欣赏，我们一方面可以了解和感知我国博大精深的传统文化，增强民族自豪感；另一方面也可以提高自身的素质，提升自身修养。
单元导读
目标透视
　　1.了解中国绘画艺术的基本发展脉络。
　　2.熟悉中国绘画史中的著名作家及代表作品。
情感寄语
老舍先生曾请齐白石老人作画，并要求以査初白诗句“蛙声十里出山泉”为题。白石老人思考了好多天，终于画成了我们现在见到的作品。看过这幅作品的人，无不拍手称绝。
观察齐白石的画，体会画面是如何反映“蛙声十里出山泉”的意境的。
第一节
中国古代绘画
一、中国古代绘画艺术概况
（一）秦汉时期绘画
秦汉时代，对画工和画家做了不少记述。汉元帝时的御用画工毛延寿，就是一个很好的肖像画家，把人物的相貌和年龄特质都能画得很逼真。同时，汉代石刻画像石、画像砖等存世很多，因而汉代又可以石刻艺术为其特征。另外，在辽宁的辽阳、营城子，河北望都等地发现许多汉墓壁画，说明汉朝时的壁画也开始盛行。从汉墓壁画的表现手法和特点来看，大都以朴实的墨线勾出形象的轮廓，然后用朱、青、黄等明快的原色加以点染，具有技法古拙而风格鲜明的特点。
（二）魏晋南北朝时期绘画
东晋时期顾恺之的《女史箴图》，是为西晋诗人张华《女史箴》一文作的几段插图，为我国最早的卷轴绘画，在中国和世界画史上都有着重要的意义。
魏晋南北朝时期是中国文化艺术的勃兴期。曹不兴、卫协、顾恺之、陆探微、张僧繇等大画家蔚起，他们继承秦汉艺术的传统，并大大发扬创造。同时随着佛教的传入，他们又受外来艺术的影响，宫廷、殿堂、寺院中的壁画大大超过了汉代。
此外，随着绘画艺术的繁荣和发展，这一时期绘画的收藏、欣赏、评论之风也日益兴盛，产生了第一批系统的绘画理论著述。其中，南齐画家谢赫的《古画品录》是我国现存的最早的绘画理论著作。书中对魏晋至南齐的27个画家分为6个品级，加以评论，书前序中提出的“六法论”，即气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、转移模写，成为后代画家衡量绘画成败高下的标准。
（三）隋唐时期绘画
魏晋南北朝绘画的高度成就，为我国唐宋时代艺术高潮的到来打下了深厚的基础。隋唐时期，在我国古代绘画发展史上是一个光彩夺目的阶段。
特别是唐代为我国文化艺术史揭开了光辉的一页，在世界文化史上闪烁着金光。隋唐时期的著名画家，据记载有200多人，真是大家辈出，繁星满天，形成了我国古代文化的光辉灿烂时期。主要表现有以下4个方面。
1.绘画的题材广泛
唐代的绘画艺术，从题材范围上来说，大大地突破了过去宗教题材的束缚。描写贵族妇女生活的仕女画，特别是适应统治阶级和士大夫审美趣味的山水画和花鸟画发展起来了。尤其值得注意的是，山水画已经从过去主要作为人物背景的陪衬而发展成为一个独立的画科，出现了像李思训、王维那样杰出的山水画家。同时花鸟画也开始兴起，当时能画花鸟一类著名的画家，已有20多人。其中以唐代晚期的边鸾和刁光胤最为著名。此外，还出现了许多善于画某一类题材的画家，如曹霸和韩干善于画马，戴嵩善于画牛，薛稷善于画鹤，李渐善于画虎，卢弁善于画猫，冯绍正善于画龙，姜皎善于画鹰，李逖善于画昆虫，萧悦善于画竹等。
绘画艺术中这种专题分科的现象，充分说明了唐代绘画题材范围的进一步扩大和画家描绘现实生活的能力有了迅速的提高。
2.绘画艺术的风格丰富多彩
写意——写意相对于工笔而言，指笔墨放纵、洒落简略地来描绘物象形神的画法。在唐代，即使是画同一种题材，也呈现出各种不同风格。例如，吴道子的山水画显然有别于李思训的山水画，李思训的“青绿山水”工细严整，细如毫发，属于“工笔”画；吴道子的山水超脱酣放，饶有清新的意境，属于“写意”画。阎立本、张萱、周昉的人物画也有明显的区别，它们尽管风格不同，但都具有共同的时代特点。这种特点主要表现在形象丰腴而瑰丽，结构豪华而紧凑，色彩绚烂而调和，曲眉丰颊，艳丽多姿，脸庞都是胖胖的，永泰公主墓、章怀太子墓、懿德太子墓中的壁画人物更是如此，表现了一种健康奋发的时代精神，使人一看便知道这是唐代的作品。
唐：簪花仕女图
3.唐代绘画在创作方法和表现技巧方面有显著进步。盛唐以前勾的线条无论在人物或山树中，用笔大都没有或极少顿挫。山石树干亦无皴法，又大都填以青绿重色，涂染匀净，较少变化。
在晚唐孙位《高逸图》的布景中，已能见到皴染周密的树石了。同时许多画家都注意写生，一方面以大自然为师，另一方面依靠自己对大自然的切身感受。尤其是盛唐时期著名的山水画家张瘧所说的“外师造化，中得心源”的创作思想，成了后代画家进行艺术创造的箴言。在绘画表现技巧方面，人物画中所表现的人体解剖知识，山水画和楼阁画中处理空间远近的方法，以及吴道子等名画家运用线条刻画形象的特点等，都是唐代绘画艺术的一种重要发展。
孙位：《高逸图》
4.绘画理论的著述
根据文献记载唐代流传下来的理论著作，计有20多种，重要的著作如张彦远的《历代名画记》、李嗣真的《后画品》、彦棕的《后画录》、裴孝源的《贞观公私画史》、朱景玄的《唐代名画录》等。其中以《历代名画记》价值最大，是我国绘画理论的一本重要著作。
人物画——以人物为描绘对象的画科。因描绘题材不一，又可分人物肖像画、人物故事画以及风俗画。其主要特点是强调以线造型。
小贴士
（四）五代两宋时期绘画
1.五代绘画成就
五代的绘画艺术上承唐朝余脉，下开宋代新风。主要表现为以下3个方面。
（1）中原地区由于战乱频繁，许多画家为了逃避战乱，隐居深山不出，用毕生的精力去画山水，以此来表达他们对生活的理解和希望，因此这个地区的山水画的发展特别迅速。荆浩和关同（皆为后梁人）就是这一地区的代表。
（2）西蜀地区的经济条件比较优越，战乱少，中原地区的一些画家在唐末、五代初去西蜀地区避难的很多，再加上西蜀政权首先在宫廷里设立“图画院”，对聚集画家和推动绘画艺术的发展起着显著的作用。由于这些原因，西蜀地区就成为当时绘画艺术活动的中心。山水画，尤其是花鸟画在这里有了很大的发展。黄筌、黄居记父子和南唐徐熙在这方面的成就最大、最突出，成为我国古代花鸟画中两个主要的流派。
（3）江南地区的南唐和西蜀一样有优越的自然条件，受战乱破坏也少，早就是文学艺术家聚集之地。宫廷里也设有“图画院”，因此，无论是人物画、山水画还是花鸟画，都有显著的成就。人物画方面，以周文矩和顾闳中为代表。
2.宋代绘画成就
宋代是继唐之后的又一个文化艺术的黄金时代。具体说来，宋代的绘画有以下三大成就。
（1）绘画的题材范围更为广阔。宋代绘画的题材，从都市生活和农家生活的描写、人物的肖像到描写古代事迹的历史画，如李公麟的《兔胄图》、陈居中的《文姬归汉图》等；从大自然的瑰丽景色到细小的花草甲虫，无不被纳入画幅。宗教题材的人物画在宋代初年，虽然还有很大的发展，但以后不再像过去那样主要用来描写神仙鬼怪或贵族生活，而让位于描写现实的民间生活和社会风俗的风俗画，如张择端的《清明上河图》等。
（2）山水画和花鸟画得到了蓬勃的发展，出现了各种风格的画派，成为历代绘画中最突出的部分。北宋初期最有代表性的山水画首推李成和范宽，他们继承了荆浩的以水墨为主的山水画传统，主要是表现北方雄浑壮阔的自然山水，与另一山水画家关仝一起，被认为是“三家鼎峙，百代标程”的大师。
（3）绘画的形式和风格更加多样化。卷轴画的形式迅速发展起来，成为我国绘画的一种主要形式。同时既有用做屏风和团扇装饰的小幅，也有像《清明上河图》那样规模宏大的长卷；既有富丽堂皇而工整细腻的花鸟画，也出现了充分运用水墨、有很高概括性和抒情性的水墨写意画，如法常和尚的《写生蔬果》。
清明上河图
北宋绘画还出现了新的倾向：北宋末南宋初的画梅名家扬补之的《四梅图》卷将绘画艺术与诗词、书法相结合；北宋后期，有米芾的“浓墨”云山；同时，我们又看到了比较工整的文同墨竹画和苏轼的“不求形似”干笔勾皴的“枯木怪石图”等。
小贴士
（五）元代绘画
元代在绘画方面，废除了宋代盛极一时的画院。许多画家不愿意为元代统治者服务，隐居山林，以艺术来发泄自己对现实的不满，这就使元代的绘画艺术发生了重大的变化，表现在以下3个方面。
（1）从绘画艺术和现实生活的关系来看，风俗画日益衰弱，文人画笼罩着艺坛，绘画题材范围大大缩小，山水画成为元代绘画艺术的主要部门，与这有关的是“四君子”（梅、兰、竹、菊）之类的题材，也就渐渐流行起来。
（2）从绘画艺术的创作倾向来看，写意之风特盛。不论是花鸟画，还是山水画，都是如此，这是元代主要流派的共同特色。同时，讲究诗、书、画结合的风气也日益流行，倪瓒的每幅画上常常有很长的题跋来增强绘画的效果。这种风格在以后的文人画家中有无数的追随者。
3）元代的壁画艺术也十分兴盛。这些壁画都是劳动人民和民间艺人创作的。例如，山西洪洞县广胜寺明应王殿内的元代壁画，内容不仅涉及宗教的题材，而且极其生动地描绘了元代戏剧演出的情况。山西永济县永乐宫的壁画，更是元代壁画的杰作。
（六）明代绘画
明代继承宋制，重立画院。从洪武、永乐到宣德、成化、弘治时期，基本上形成了三大体系，即继承元代水墨画法的文人画、宫廷院体画、活跃于江浙一带民间画坛的浙派绘画。在这三部分绘画中，后两部分起着主导作用，影响较大。但这一时期的统治阶级极端专制，画家稍不留心，就会受到打击。例如，戴进的《秋江独钓图》里画一个垂钓人穿件红袍，被认为是对做官人的污蔑而遭到了迫害。加以统治阶级有意识地提倡复古，一般的画家大多以模仿宋人为满足，于是反映现实生活的人物画和风俗画进一步衰落，文人的绘画则继续向着写意、水墨方面发展。但是民间的绘画艺术还在健康地发展着。除了历史悠久的壁画艺术以外，版面插图和民间年画，由于元明两代戏曲、小说的成就，为它的发展与繁荣创造了有利条件，因此它们得到了蓬勃的发展，给明代的绘画艺术输送了新的血液。
院体画——专指封建时代为皇室宫廷供养的专职画家的作品，一般讲求工细、整饬、富丽堂皇，有较强的装饰性。一些效法宫廷画家的作品，亦称“院体画”。
文人画——亦称“士大夫画”，泛指中国封建社会文人、士大夫的绘画。文人画作者一般回避社会现实，寄情山水花鸟，以标榜浩然正气。文人画作品讲求“书卷气”，注重笔墨情绪，脱略形似，强调神韵。
小贴士
（七）清代绘画
清代初期，即顺治、康熙时期的绘画，由于师承和区域关系，派别很多。王时敏和王鉴同受明末画家董其昌的影响，绘画风格相近，以气韵苍润为其特点，称为“娄东派”；王翚是王时敏和王鉴的学生，善于临摹宋元名家绘画，以简淡清秀自成一家，称为“虞山派”；王原祁是王时敏的孙子，继承家学笔墨技法，功力很深。吴历和恽寿平都和王翚相近，互有影响。恽寿平后来专门画花鸟画，以细秀严整的风格自成一家，称为“常州派”。
清代初期的画坛，除了“四王吴恽”外，有独特成就的名画家还有四僧——朱耷、石涛、石溪、弘仁。他们都是明代的皇室或遗民，都一一出家当和尚。他们四人在艺术创作上都敢于革新、创造，专和“四王吴恽”一派的画风作斗争，并影响到以后的“扬州八怪”，以至近代的齐白石等著名画家。
清朝中期即雍正、乾隆时期，是清王朝的所谓“盛世”，一方面统治更加严密，文字狱层出不穷；另一方面由于城市工商业在明代的基础上继续发展和活跃，绘画艺术在一些新的城市中得到了发展，因而产生了一个著名的具有革新精神的画派——“扬州八怪”。主要是指清代乾隆年间，活跃在扬州画坛上风格相近的八个画家，即汪士慎、黄慎、金农、高翔、李鲜、郑燮、李方膺、罗聘等八人。
同时各地区还有一些著名的山水画家，如金陵的龚贤，以用墨见长，浓淡层次特多，与众不同，他与同时代的樊圻、邹喆、吴宏、高岑、叶欣、胡慥、谢荪七人合称“金陵八家”。
二、中国古代绘画名作欣赏
（一）原始社会至秦汉绘画
1.阴山岩画《围猎图》
见图（1-1-1）
阴山岩画的题材从总体上看，取材于游牧民族的狩猎活动。其中数量最多、凿刻最精的是动物岩画。画中动物有山羊、绵羊、盘羊、羚羊、岩羊、大角鹿、白唇鹿、赤鹿、麋鹿、驼鹿(罕达犴)、狍子、马、骡、驴、驼、牛、野牛、羚牛、狗、龟、野猪、兔、狐狸、蛇、狼、虎、豹等。
图1-1-1《围猎图》
其次，狩猎的画面也占有特殊的地位,数量可观,表现了史前民族的社会生活,这是整个岩画中最绚丽的部分。狩猎画中表现了各种各样的猎手、武器、狩猎方式等场面，阴山动物岩画无论是独猎或众猎，还是引弓射猎或围捕野兽的画面，通常都表现出最紧张的一瞬间，突出猎手对野兽致命处的打击过程，表现猎人获得野兽的强烈愿望，反映出原始人类的文化艺术来源于人类同大自然的斗争这一根本途径。
2.人物御龙帛画（见图1-1-2）
人物御龙帛画于1973年在湖南省长沙市子弹库一号战国楚墓中出土。出土时置于棺椁之间的顶板上，画面向上。绘画的材料是一块长方形褐色细绢，长37.5厘米，宽28厘米，上端裹有一根长30厘米的小竹棍，中系丝绳，可以悬挂。画面主题是绘一佩剑壮年男子，手执缰绳，驾龙升天。男子在龙的正中，侧身而立，头戴切云之冠，身着长袍曳地，举止潇洒自若。
此画用墨笔单线勾勒后，平涂与渲染并用，有的地方还加了金白粉彩，也属初见。此画主题思想明确，人物神情刻画生动，线条匀细遒劲，流畅飞舞，表现出很高的绘画技巧。
图1-1-2《人物御龙帛画》
3.河北望都汉墓壁画（见图1-1-3）
河北望都汉墓墓室南向，构造复杂，主室（后有小龛）、中室和前室（各附二侧室），前后共长20多米，都是以砖券构成。所用的砖都是细致坚实并经过打磨的，砖券上并灌白灰浆。这一切都说明了这一墓室建筑的不平常。
图1-1-3河北望都汉墓壁画
前室四壁和通向中室的过道的砖壁上敷白灰，然后施以毛笔勾线着色的壁画。作为墓主人办公衙司的前室，在南壁门内的两侧，画着正在躬身迎接的“寺门卒”和“门亭长”。“寺门卒”持篲，“门亭长”执“版”。在前室北壁的门洞外两侧是据榻而坐的主记史（东侧）和主簿，他们手中执笔或执简，作书写之状。
前室东西两壁画都是分为上下两列。上列和墓室门内外两侧一样，都是死者的僚属，这些僚属都在躬身致敬。下列是各种动物。画在东壁的僚属，按照顺序是：“门下小史”称为“辟车伍佰”的卫卒八人、“贼曹”和“仁恕椽”。西壁的僚属是：“门下功曹”“门下游徼”“门下贼曹”“门下史”和“槌鼓椽”。绘在下列的动物，在东壁的是鸳鸯、白兔、鸾鸟、芝草、酒和羊。在西壁的是麞子、鹜和鸡。
前室通中室的过道两侧，东边画的是“小史”和“勉冠谢史”（正匍匐在地行礼）；西边画的是正在跪拜启事的“白事史”和正在听事的“侍閤”。过道门券上画着云气鸟兽，如汉代漆器和金银错器物上所表现的一样。
前室的壁画说明墓的主人是高级官吏（汉代只有最高级的官吏才能有八名“辟车伍佰”作为侍卫），前室是他的厅堂。壁画中的人物都画成在自己的职位上工作的情景，这就除了题字以外更形象地表现了人物的社会特点，并且直接地描写了人与人之间的社会等级差别。人物姿态动作自然，衣褶简单而合乎运动规律，面部（特别是眼睛）都描绘得很精神。“寺门卒”和“辟车伍佰”更是须眉怒张，极有勇猛的神气。画中色彩不多，却能以笔墨渲染衣褶及动物身体，企图表现明暗及体积。从望都壁画多少可以看出汉代绘画艺术的水平。
（二）魏晋南北朝至隋唐绘画
1.《洛神赋图》（东晋）顾恺之（见图1-1-4）
《洛神赋图》是中国十大传世名画之一。原《洛神赋图》卷，东晋著名画家顾恺之绘制(宋摹)，绢本，设色，纵27.1厘米，横572.8厘米。这幅画根据曹植著名的《洛神赋》而作，为顾恺之之传世精品。
图1-1-4《洛神赋图（摹）》
（晋） 顾恺之
这卷宋摹本在一定程度上保留了顾恺之艺术的若干特点，千载之下，亦可遥窥其笔墨神情。全卷分为三个部分，曲折细致而又层次分明地描绘着曹植与洛神真挚纯洁的爱情故事。人物安排疏密得宜，在不同的时空中自然地交替、重叠、交换，而在山川景物描绘上，无不展现一种空间美。
2.《游春图》（隋）展子虔（见图1-1-5）
展子虔的《游春图》现藏于北京故宫博物院。图绘江南早春二月，树叶吐绿，桃杏争芳。一水自左上流下中间，水面宽阔，微波皱起，有游艇轻泛。两岸游人三两成群，沿途观赏春景，或步行伫立，或主骑马而仆随后。小桥连岸，坡后有农舍，而山谷中则寺庙隐现。人、马、舟、桥与山石、树木、江水的比例已经十分合适，树、石近大而远小，江水斜下，两岸错落，树林密布，白云缭绕，显得疏密有致，透视的空间感和纵深感也十分恰当。江水满勾起伏荡漾的波纹，渐远渐淡，天际水天一色。山石树木以细劲流利的墨线勾勒，但无皴笔，树身染深赭色，树叶染浓绿。
图1-1-5《游春图》 （隋）展子虔
山石则通体染淡赭色，石脚染重赭而石身敷青绿重彩。小桥栏杆及寺庙廊柱填朱砂，而人、马、白云则填以白粉。整幅画山石树木的色彩浓郁，但由于中间大片水色的清澈相映，显得艳而不俗。
3.《步辇图》（唐）阎立本（见图1-1-6）
《步辇图》绢本设色，纵38.5厘米，横129.6厘米，为唐代著名画家阎立本所绘，作品设色典雅绚丽，线条流畅圆劲，构图错落富有变化，为唐代绘画的代表性作品。此画具有珍贵的历史和艺术价值。
图1-1-6《步辇图》 （唐）阎立本
图卷右半是在宫女簇拥下坐在步辇中的唐太宗，左侧三人前为典礼官，中为禄东赞，后为通译者，唐太宗的形象是全图焦点。作者煞费苦心地加以生动细致的刻画，画中的唐太宗面目俊朗， 目光深邃，神情庄重，充分展露出盛唐一代明君的风范与威仪。作者为了更好地突现出太宗的至尊风度，巧妙地运用对比手法进行衬托表现。一是以宫女们的娇小、稚嫩，以她们或执扇或抬辇、或侧或正、或趋或行的体态来映衬唐太宗的壮硕、深沉与凝定，是为反衬；二是以禄东赞的诚挚谦恭、持重有礼来衬托唐太宗的端肃平和、蔼然可亲之态，是为正衬。该图不设背景，结构上自右向左，由紧密而渐趋疏朗、重点突出，节奏鲜明。
4.《明皇幸蜀图》（唐）李昭道（见图1-1-7）
《明皇幸蜀图》是反映唐代山水画面貌的重要作品。其为绢本，设色，纵55.9厘米，横81厘米。画为青绿设色，崇山峻岭间一队骑旅自右侧山间穿出，向远山栈道行进，前方一骑者着红衣乘三花黑马正待过桥，应为唐明皇（玄宗）。嫔妃则着胡装戴帷帽，展示着当时的习俗。中部侍，驭者数人解马放驼略作歇息。山势突兀，白云萦绕，山石有勾勒无皴法，设色全用青绿。
图1-1-7《明皇幸蜀图》 （唐）李昭道
（三）五代两宋时期作品
　　1.《韩熙载夜宴图》（南唐）顾闳中（见图1-1-8）
《韩熙载夜宴图》是中国画史上的名作，中国十大传世名画之一。它以连环长卷的方式描摹了南唐巨宦韩熙载家开宴行乐的场景，韩熙载为避免南唐后主李煜的猜疑，
以声色为韬晦之所，每每夜宴宏开，与宾客纵情嬉游，此图绘写的就是一次韩府夜宴的全过程。
图1-1-8《韩熙载夜宴图》（局部）
（南唐）顾闳中
这幅长卷线条准确流畅，工细灵动，充满表现力，设色工丽雅致，且富于层次感，神韵独出。为了适于案头观赏，作者将事件的发展过程分为五个既联系又分割的画面。构图和人物有聚有散，场面有动有静。对韩熙载的刻画尤为突出，在画面中反复出现，或正或侧，或动或静，描绘得精微有神，在众多人物中超然自适、气度非凡，但脸上无一丝笑意，在欢乐的反衬下，更深刻地揭示了他内心的抑郁和苦闷，使人物在情节绘画中具备了肖像画的性质。全图工整、细腻，线描精确典雅。人物多用朱红、淡蓝、浅绿、橙黄等明丽的色彩，室内陈设、桌机床帐多用黑灰、深棕等凝重的色彩，两者相互衬托，突出了人物，又赋予画面一种沉着雅正的意味。
2. 《写生珍禽图》（五代）黄筌（见图1-1-9）
《写生珍禽图》为手卷，是黄筌传世的重要作品。画家用细密的线条和浓丽的色彩描绘了大自然中的众多生灵，在尺幅不大的绢素上画了昆虫、鸟雀及龟类共24只，均以细劲的线条画出轮廓，然后赋以色彩。这些动物造型准确、严谨，特征鲜明。
鸟雀或静立，或展翅，或滑翔，动作各异，生动活泼；昆虫有大有小，小的虽仅似豆粒，却刻画得十分精细，须爪毕现，双翅呈透明状，鲜活如生；两只乌龟是以侧上方俯视的角度进行描绘，前后的透视关系准确精到，显示了作者娴熟的造型能力和精湛的笔墨技巧，令人赞叹不已。
图1-1-9 《写生珍禽图》 （五代）黄筌
此画标志着中国画中的花鸟画从早期的粗拙至此已经臻于精美，中国的花鸟画家已经具备完善的写实能力。勾廓填彩，本是中国画的一种独具特色的绘画方法，但与早于此图的唐代人物画与山水画相比较，此图勾轮廓的墨线大都非常轻细，似无痕迹，所赋色彩，也明显区别于唐画的浓烈艳丽，而是以淡墨轻色，层层敷染，更重质感。这种绘画风格，注重表达物象的精微、逼真，似乎有些接近于现代的照相再现。
3.《溪山行旅图》（宋）范宽（见图1-1-10）
《溪山行旅图》是范宽的代表作，也是中国绘画史中的杰作。这件作品给人的第一感觉就是气势雄强，巨峰壁立，几乎占满了画面，山头杂树茂密，飞瀑从山腰间直流而下，山脚下巨石纵横，使全幅作品体势错综，在山路上出现一支商旅队伍，路边一弯溪水流淌，正是山上流下的飞瀑，使观者如闻水声、人声、骡马声，也点出了溪山行旅的主题。
图1-1-10 《溪山行旅图》
（宋）范宽
范宽以雄健、冷峻的笔力勾勒出山的轮廓和石纹的脉络，浓厚的墨色描绘出秦陇山川峻拔雄阔、壮丽浩莽的气概。这幅竖长的大幅作品，不但层次丰富，墨色凝重、浑厚，而且极富美感，整个画面气势逼人，使人犹如身临其境一般。扑面而来的悬崖峭壁占了整个画面的三分之二。这就是高山仰望，人在其中抬头仰看，山就在头上。在如此雄伟壮阔的大自然面前，人显得如此渺小。山底下，是一条小路，一队商旅缓缓走进了人们的视野——给人一种动态的音乐感觉。马队铃声渐渐进入了画面，山涧还有潺潺溪水应和。动中有静，静中有动。诗意在一动一静中慢慢显示出来，仿佛听得见马队的声音从山麓那边慢慢传来，然后从眼前走过。巍峨的山峰，葱茏的林木，突兀的巨石，描绘出雄伟的自然景色；山路间行商的小小驮队又显示了人世间生活的脉搏，自然与人世的生命活动处于和谐之中。
4. 《清明上河图》（宋）张择端（见图1-1-11）
《清明上河图》生动地记录了中国12世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画卷中，画中主要分为两部分，一部分是农村，另一部分是市集。画中有550余人，牲畜五六十匹，船只20余艘，房屋楼宇30多栋，车13辆，轿14顶，桥17座，树木约180棵，往来衣着不同，神情各异，栩栩如生，其间还穿插各种活动，注重情节，构图疏密有致，富有节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙，颇见功底。
图1-1-11 《清明上河图》局部 （宋）张择端
《清明上河图》的中心是由一座虹形大桥和桥头大街的街面组成的。粗粗一看，人头攒动，杂乱无章；细细一瞧，这些人是不同行业的人，从事着各种活动。大桥西侧有一些摊贩和许多游客。货摊上摆有刀、剪、杂货。有卖茶水的，有看相算命的。许多游客凭着桥侧的栏杆，或指指点点，或在观看河中往来的船只。大桥中间的人行道上，是一条熙熙攘攘的人流：有坐轿的，有骑马的，有挑担的，有赶毛驴运货的。汴河上来往船只很多，可谓千帆竞发，百舸争流。《清明上河图》将汴河上繁忙、紧张的运输场面，描绘得栩栩如生，更增添了画作的生活气息。
此画以白描为主，集人物、建筑界面、山水、动物画于一体，开创了长卷画许多新的表现手法：多点透视打破了时空的束缚，把握大场面的同时特别刻画了一些有代表性的情节。这幅画以热情真挚的笔墨歌颂了下层平民百姓，表现出画家对劳动人民的关注。
（四）元明清作品
1.《富春山居图》（元）黄公望（见图1-1-12）
《富春山居图》是黄公望79岁高龄时开始创作的。这幅纵33厘米，横636．9厘米的长卷，是他生活在富阳，又以富春江为题材推出的力作。为了画好这幅画，他终日不辞辛劳奔波于富春江两岸，观察烟云变幻之奇，领略江山钓滩之胜，并身带纸笔，遇到好景，随时写生，富春江边的许多山村都留下他的足迹。深入的观察，真切的体验，丰富的素材，使《富春山居图》的创作有了扎实的生活基础，加上他晚年那炉火纯青的笔墨技法，因此落笔从容。千丘万壑，越出越奇，重峦叠嶂，越深越妙，既形象地再现了富春山水的秀丽外貌，又把其本质美的特征挥洒得淋漓尽致。这件宏幅巨制直到他谢世前不久才告完成，前后倾注了大约七年的心血，这是画家与富春山水情景交融的结晶。展开画呈现在我们面前的是富春江一带的秋初景色：丘陵起伏，峰回路转，江流沃土，沙町平畴。云烟掩映村舍，水波出没渔舟。近树苍苍，疏密有致，溪山深远，飞泉倒挂。亭台小桥，各得其所，人物飞禽，生动适度。正是“景随人迁，人随景移”，达到步步可观的艺术效果。
图1-1-12 《富春山居图》 （元） 黄公望
这幅山水画长卷的布局由平面向纵深展宽，空间显得极其自然，使人感到真实和亲切，笔墨技法包容前贤各家之长，又自有创造，并以淡淡的赭色作赋彩，这就是黄公望首创的“浅绛法”。整幅画简洁明快，虚实相生，具有“清水出芙蓉，天然去雕饰”之妙，集中显示出黄公望的艺术特色和心灵境界，被后世誉为“画中之兰亭”。
2. 《秋风纨扇图》（明）唐寅（见图1-1-13）
唐寅（1470—1523），字伯虎，更字子畏，号六如居士，桃花庵主，江南第一风流才子，江苏吴县人。他博学多能，吟诗作曲，能书善画，是我国绘画史上杰出的画家。《秋风纨扇图》为唐寅水墨人物画代表作，画一立有湖石的庭院，一仕女手执纨扇，侧身凝望，眉宇间微露幽怨怅惘神色。她的衣裙在萧瑟秋风中飘动，身旁衬双勾丛竹。此图用白描画法，笔墨流动爽利，转折方劲，线条起伏顿挫，用笔富韵律感。全画虽纯用水墨，却能在粗细、浓淡变化中显示丰富的色调。画左上部题诗：“秋来纨扇合收藏，何事佳人重感伤，请把世情详细看，大都谁不逐炎凉。”借汉成帝妃子班婕妤色衰恩弛好比纨扇在秋风起后被搁弃的命运，抨击了世态的炎凉。显然，这是与唐寅个人生活的不幸遭遇有关的。
图1-1-13 《秋风纨扇图》
（明）唐寅
3. 《墨葡萄图》（明）徐渭（见图1-1-14）
徐渭（1521—1593），明代杰出书画家、文学家，字文长，号天地道人，又号青藤居士，浙江山阴（今绍兴）人。天才卓异且胸有大志。但一生坎坷，常“忍饥月下独徘徊”，在“几间东倒西歪屋，一个南腔北调人”的境遇中结束了一生。《墨葡萄图》水墨大写意，笔墨酣畅，布局奇特，老藤错落低垂，串串葡萄倒挂枝头，晶莹欲滴，茂叶以大块水墨点成，信笔挥洒，任乎性情，意趣横生，风格疏放，不求形似而得其神似。画面上方以行次敧斜的草书题诗：“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风，笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中。”表达了画家的狂放洒脱和愤世嫉俗，传达出一位落魄怅然的文人形象，葡萄在徐渭笔下，成了主体价值的象征。徐渭以狂草入画，纵横恣意，将纸本水墨画的笔墨效果发挥到空前高度，他擒纵自如的运笔技巧，给中国写意画的发展立下了一座里程碑，给后世以无法估量的影响。
图1-1-14 《墨葡萄图》
（明）徐渭
4. 《丛竹图》（清）郑燮（见图1-1-15）
郑燮(1693—1765)，字克柔，号板桥，江苏兴化人。曾在山东范县、潍县任知县，因赈济灾民，得罪上司，被免职，后在扬州定居，以卖画为生。他善诗、书，并以画兰竹闻名，是“扬州八怪”中的突出代表。其画构图注重剪裁，崇尚简洁，以侧锋画兰、竹，笔墨潇洒纵逸，苍劲豪迈。通过题跋诗文，表现出对民间疾苦的同情和愤世嫉俗的高洁情怀，具有新意。在创作手法上，主张意在笔先。
图1-1-15 《丛竹图》 （清）郑燮
《丛竹图》中，板桥画墨竹一丛，老干新篁，疏密有致，浓淡得宜，画出重叠错落、老节新枝之态。布局恰到好处，作长题于竹叶之间，别有情趣。
第二节
中国近现代绘画
一、中国近现代绘画概况
中国近现代绘画可分为几个不同的阶段，每个阶段都存在不同的绘画特点，这几个阶段基本构成了中国近现代绘画的主要脉络，绘画艺术在不同时期扮演着不同的角色，承担着不同的任务，反映着各个时期的审美特点和时代特色。
（一）清末民国的绘画
几乎可以用“萧条”两个字来概括清末民初中国画坛的景象，大部分的著名画家在辛亥革命前已经去世了，只有以吴昌硕为代表的海派画家和后起者以及岭南派的“二高一陈”的出现，才使得中国画坛有了生气。身居北京的画家大多恪守着“四王”的衣钵，没有大的突破。接受了新思想和革命洗礼的艺术家，开始仿照西方的模式开办新学校，倡导“美术革命”，对古代绘画重新加以评定，贯穿20世纪的关于创新与保守的争论就此开始。
1927年，由孙中山所创立的“中华民国”与封建军阀的争战基本结束，国民党和共产党的第一次合作宣告破裂，国民政府在南京成立。同一年，吴昌硕在上海去世，齐白石则在北京完成了他的“衰年变法”，中国画进入了一个新的阶段。
（二）新中国前期绘画
1949年，中华人民共和国的成立标志着中国又进入了一个新的历史时期。由于处于半封闭的状态，因此这一时期的中国画创作是在一种相对狭小的空间中进行的。处于美术正统地位的是由延安革命美术传统、苏联的社会主义现实主义和徐悲鸿所倡导的写实主义相结合而成的一种新中国模式的现实主义形式。但是由于20世纪上半世纪的美术发展的余波仍在，许多已有成就的老画家的艺术更加臻于成熟，一批新人也开始登上画坛。但是，“文化大革命”的到来，使得中国画的发展几乎陷于停顿。
“文革”的结束，意味着一个新的历史时期开始，改革开放的政策使得西方文化大量涌入，人们的思想得到了进一步的解放。一批卓有成就的老画家的作品大放异彩，显得格外的突出，中年和青年的画家则开始改变旧的思维方式，重新思考传统和现代、东方和西方的问题。水墨画的现代转向问题再次成为人们关注的焦点。
丹青——早期中国画“勾线填色”为格，常用丹砂、石青等矿物质石色，故称“丹青”。中国绘画先有丹青，后有水墨。
小贴士
二、近现代绘画名作欣赏
（一）清末民国的绘画
1. 《寒林牧马图》 任颐（见图1-2-1）
任颐（1840—1896），清画家，初名润，字小楼，后改字伯年，浙江绍兴人。初师任熊，后从任熏学，中年起寓居上海卖画。擅画人物、花鸟、山水，师法陈洪绶、华喦而能变化，自成面目。其画功力深厚，笔墨娴熟，形象生动，兼长肖像，轻描淡染，着墨不多而神态情韵如真。与任熊、任熏合称“三任”。对江南一带的绘画甚有影响，为“海上画派”的代表人物。有《寒林牧马图》《五瑞图》等作品传世。
图1-2-1《寒林牧马图》 任颐
《寒林牧马图》画一牧马人及花马两匹。后衬古木，随风势偏于左上方。牧马人逆风而立，似在观察天气变化。构图上虽倾于左部，但右下角加以题款，形成布局平衡。右边从上至下的大面积空白给牧马人面向右边提供了空间，取得了视觉力量的平衡。作品增加了较多世俗气息，舍弃明清文人画的文气与书卷气，雅俗共赏。
《三千年结实之桃》 吴昌硕（见图1-2-2）
吴昌硕（1844—1927），名俊，又名俊卿，字昌硕，浙江孝丰县人。吴昌硕是晚清著名画家、书法家、篆刻家，“海派”晚期代表人物。与虚谷、蒲华、任伯年合称“清末海派四杰”。
图1-2-2《三千年结实之桃》 吴昌硕
《三千年结实之桃》创作于民国7年（1918），这一年吴昌硕75岁。画面呈反“S”形构图 ，极具灵动回环之致。右侧一粗干自下向上，打破了规整的局面。两簇茂密的枝叶丛中，斗大的桃实或显或隐，一上一下，遥相呼应。湿笔淡墨点而出的立石出现在枝叶右侧，使画面益显浑厚苍劲。整件作品风格热烈昂扬，粗枝大叶，笔墨纵横，淋漓奇古。从真率放纵的用笔可以看出，完全出自于吴昌硕先生深厚的篆籀书法功底。硕大的桃实用鲜艳的西洋红和藤黄结合写出，可以说处处能见用笔的轨迹，完全是“写”出来的。这一优点为后来的齐白石所继承，同样出现于白石老人为数众多的仙桃画题之中。
3. 《群虾图》齐白石（见图1-2-3）
齐白石（1864—1957），湖南湘潭人。原名纯芝，字渭清，后改名璜，字萍生，号白石，别号借山馆主者、白石山人、寄萍老人等。
齐白石画虾灵动活泼，栩栩如生，神韵充盈，用淡墨掷笔，绘成躯体，浸润之色，更显虾体晶莹剔透之感。以浓墨竖点为睛，横写为脑，落墨成金，笔笔传神。细笔写须、爪、大螯，刚柔并济、凝练传神，显示了画家高妙的书法功力。画家写虾，来自生活，却超越生活，大胆概括简化，更得传神妙笔。
图1-2-3 《群虾图》 齐白石
《群虾图》为白石先生晚年精品，画面几只长臂青虾分出了浓淡虚实、疏密层次、参差聚散，因而错落有致。大群中有小群，既有整个群体的动势，又有各自体态的区别，注意了虾体部的关联与虾钳、虾须的疏密组合布局，做到了雅淡清新、生动可人。在齐白石笔下，“虾”这个极平凡的小动物就变成了极不平凡的珍贵艺术品了。
4. 《仕女图》 林风眠（见图1-2-4）
林风眠（1900—1991），现代画家、美术教育家。原名林凤鸣，生于广东梅县，自幼喜爱绘画，19岁赴法勤工俭学。他先在蒂戒美术学校进修西洋画，后又转入巴黎国立高等美术学校深造。
图1-2-4 《仕女图》 林风眠
1925年回国后出任北平艺术专科学校校长兼教授。1927年林风眠受蔡元培之邀赴杭州创办国立艺术院（后来的浙江美术学院）任校长。新中国成立后，任上海中国画院画师。林风眠于70年代定居香港，1979年在巴黎举办个人画展，取得极大成功。作品有《春晴》《江畔》《仕女》《山水》《静物》等。著有《中国绘画新论》，出版有《林风眠画集》等。
林风眠擅长描写仕女人物、京剧人物、渔村风情和女性人体以及各类静物画和有房子的风景画。从作品内容上看有一种悲凉、孤寂、空旷、抒情的风格；从形式上看一是正方构图，二是无标题，他的画特点鲜明，观者一望即知；从表现手法上看有倾向于色彩表现和水墨表现两种形式。
其水墨画常以简练的线条和阔笔墨块、富有韵律的构成，表现恬静的鹤或荒寂的自然景物，表露出内心的孤寂和对民族的忧虑。他试图努力打破中西艺术界限，造就一种共通的艺术语言。他无愧于是一位富于创新意义的艺术大师，对许多后辈画家产生过极深远的影响。林风眠是整个20世纪中国美术界的精神领袖。
5. 《群马图》《泰戈尔像》徐悲鸿（见图1-2-5和图1-2-6）
图1-2-6 《泰戈尔像》 徐悲鸿
图1?2?5 《群马图》 徐悲鸿
徐悲鸿（1895—1953），江苏宜兴屺亭桥人。中国现代美术事业的奠基者，杰出的画家和美术教育家。
《群马图》打破了传统画马的造型程式，以中国传统水墨为主要表现手段，又参用西方的透视法、解剖法等，逼真生动地描绘了群马的飒爽英姿。用笔刚健有力，用墨酣畅淋漓。晕染全部按照马的形体结构而施加，墨色浓淡有致，既表现了马的形体，又不影响墨色的韵味。徐悲鸿的马是中西融合的产物，这种融合是极为成功的。
《泰戈尔像》是徐悲鸿应印度诗哲泰戈尔之邀，赴印度国际大学讲学，并在加尔各答举行画展期间在十多幅素描速写的基础上完成的中国画。伟大的诗人正在凝神构思一首美丽的诗歌，宁静而神秘的花园有着无穷的诗意。绚丽多彩的背景反衬出诗人深邃奥妙的思维空间，东方人文精神的博大精深在此毕现无遗。这幅画也正是徐悲鸿之汇通中西、方正圆融艺术风格的完美体现。
徐悲鸿是中国绘画大家，他的作品熔古今中外技法于一炉，显示了极高的艺术技巧和广博的艺术修养，是古为今用、洋为中用的典范，在我国美术史上起到了承前启后、继往开来的巨大作用。
小贴士
6.《流民图》 蒋兆和（见图1-2-7）
蒋兆和（1904—1986），四川泸州人，中国现代水墨人物画和一代宗师，中国现实主义美术家、教育家。
图1-2-7 《流民图》 蒋兆和
《流民图》是蒋兆和先生的代表作品，是1942—1943年在北京创作的巨幅长卷，纵200厘米，横2 700厘米。当时日本侵略者已践踏我国的半壁河山，中国人民水深火热的遭遇是激发画家构思《流民图》创作的动机。1942年，蒋兆和曾去上海、南京等地搜集素材，画了许多素描、速写人物，但创作全图时，还是请了许多模特儿，其中包括画家的朋友如国画家邱石冥、木刻家王青芳等。画卷由右至左，起始是一位拄棍老人，他身边还有一位卧地的老者，已经气息奄奄，两位妇女和一个牵驴人围着他毫无办法。再往下，是抱锄的青年农民和他的饥饿的家眷，抱着死去小女儿的母亲，在空袭中捂着耳朵的老人，以及抱在一起、望着天空的妇女、儿童。断壁颓垣、尸身横卧、路皆乞丐。再往下，是乞儿、逃难的人、受伤的工人、等待亲人归来的城市妇女、弃婴、疯了的女人、要上吊的父亲和哀求他的女儿、在痛苦中沉思的知识分子……
《流民图》全以毛笔、水墨画出，其形象描绘之具体、深刻，在现代绘画史上是鲜见的。传统人物画由于一味追求写意性，加上公式化，近几百年来很少有深刻描绘现实的作品。
蒋兆和把西画素描手法引入中国画，每画一个人物都必求有生活依据，有相应的模特儿作参考。他适当吸取光影法刻画人物面部，但又以线描为主要造型手段——这是自近现代倡导写实主义绘画以来，在人物画领域所获得的巨大成果。蒋兆和是一位着眼于现实的艺术家，他说自己“混迹于茫茫的沙漠之中，看着慢慢奔走的骆驼，听听人生交响的音乐……”，说他的艺术不是“一杯人生的美酒”，而是“一碗苦茶”，以献给“灾黎遍野，亡命流离，老弱无依，贫病交集”的大众。 《流民图》正体现了这一主张。
（二）新中国成立初期绘画作品欣赏
你怎样看新中国初期的绘画作品的风格？
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1. 《开国大典》 董希文（见图1-2-8）
董希文(1914—1973)，浙江绍兴人，曾在苏州美专、杭州美专西画系就读，1939年去法国留学，后回国。1943年赴西北敦煌艺术研究院并投入对敦煌壁画的研究。后任中央美术学院教授。他还创作过《春到西藏》《哈萨克牧羊女》《苗女赶场》《百万雄师过大江》等主题性绘画。
在他的写实油画中，吸收了中国传统艺术的营养，如明快响亮的色彩、某种装饰意味等都体现了中国艺术的精神和审美理想。
《开国大典》所描绘的是1949年10月1日中华人民共和国中央人民政府成立时天安门国庆典礼的盛况。场面恢弘，喜庆热烈，毛泽东和其他中央领导神采奕奕，气度不凡。蓝天白云，风和日丽，广场开阔，红旗如海，天安门城楼金碧辉煌。
画家在进行严谨的写实描绘中，借鉴了民间美术和传统工笔重彩的表现手法。作者使蓝天与地毯、红柱子、红灯笼及红旗等形成强烈的对比，并增加了节日的喜庆气氛。在写实手法的描绘中，画家又进行了大胆的艺术加工，如透视和光影的处理都没有严格地按西方写实绘画中的素描要求，在画面的右侧部位减去一根柱子，这些都是为了适应并强化画面主题和总体的需要，同时也适于中国广大读者的审美情趣。
图1-2-8 《开国大典》 董希文
2. 《江山如此多娇》 傅抱石、关山月（见图1-2-9）傅抱石、关山月
傅抱石（1904—1965），江西新余人，早年留学日本，攻东方美术史学。由于长期对真山真水的体察，画意深邃，章法新颖，善用浓墨、渲染等法，把水、墨、彩融合一体，达到蓊郁淋漓、气势磅礴的效果。在传统技法基础上，推陈出新，独树一帜，对新中国成立后的山水画，起了继往开来的作用。其人物画，线条劲健，深得传神之妙。新中国成立前任国立中央大学艺术教授，新中国成立后，任南京师范学院美术系教授、中国美协副主席、江苏省国画院院长。
关山月（1912—2000），原名关泽霈，广东省阳江市人，1933年毕业于广州市立师范，岭南派第二代杰出画家，著名美术教育家。擅长山水、人物、花鸟，尤以写梅著称。20世纪三四十年代，以抗战为题材，致力国画革新。
新中国成立后从事美术教育工作，曾任华南文艺学院美术部副部长兼教授，广州美术学院副院长、教授。
《江山如此多娇》是一幅宽9米，高5.5米，面积达50平方米的巨幅大画。定稿后的画面是：辽阔的祖国大地上，近景江南沃土在和煦的阳光下，林木茂盛，生机勃勃，远景北方还是白雪皑皑，银装素裹，中间为连接南北的中原大地和奔腾的长江黄河，在画面上同时出现太阳和白雪，同时出现春夏秋冬的不同季节，同时出现东西南北的地域，构成了“看红装素裹，分外妖娆”的奇观。巧妙地将我国传统绘画中四季山水集于一图，来表现祖国广阔河山。9月下旬，中国绘画史上空前的巨幅国画完成了。9月27日，毛主席亲自为此画题写了“江山如此多娇”六个大字。
（三）“文革”后新时期绘画作品欣赏
《父亲》 罗中立（见图1-2-10）
图1-2-10 《父亲》 罗中立罗中立创作的《父亲》中的“父亲”不仅是罗中立的父亲，而且是全中国劳动人民的父亲，《父亲》是农民形象中有代表性的一个，是罗中立这代年轻人思考的结晶。
《父亲》 罗中立（见图1-2-10）
《父亲》一画是在美国画家克洛斯巨型肖像画的启发下，采用写实主义手法画中国的一位普通的、贫困的、苦涩的老百姓，人物的形象是人们再熟悉不过的老年农民形象，老人枯黑、干瘦的脸上布满了像沟壑又如车辙似的皱纹，深陷的眼睛露出了凄楚、迷茫又带着恳切的目光，像是在缅怀过去，又像是在期待未来，让我们感受到那牛羊般的善良目光的。面对《父亲》，我们可以感到这是一个饱经沧桑，却又永远对生活充满希望、期待，有着乐观精神和坚韧的奋斗力的普通老农民。
在他身上汇集着中华民族的优良传统的百折不屈的创造力，这种强烈的视觉效果在观众的心中产生的是一股平凡而又伟大的情感，是撼人心魄的。正是罗中立毫不遮掩地把农民的“丑”真实地表现出来，才使得“父亲”的形象更加真实可信、有血有肉。
《父亲》不论是在题材内容上，还是在形式语言上，都有革新的意义。《父亲》开辟了刻画普通农民的复杂性格和表现内心思想的新领域，给20世纪80年代的艺术界以巨大的震动，使人们开始思考过去、现在、未来，有人说《父亲》的形象不是某一个农民的父亲，而是中国经历10年浩劫的8亿农民的父亲，也是当代中国农民的形象，这个形象所体现的力量，是支撑我们整个民族、整个国家从过去走向未来的伟大力量，这个形象有很大的概括性，又有巨大的包容性，它具有划时代的意义。
活动体验
1.以班级为单位分为几个小组，每一组的同学选择一幅中国绘画作品展开讨论，最后每组选择一名代表在班级内发言，陈述自己小组选择的作品的艺术价值所在。
2.同学们在了解中国绘画的同时自己去书店或图书馆找一些有关中国绘画的书籍，去总结其创作意图。
《步辇图》是唐代画家阎立本的作品，内容反映的是吐蕃(西藏)王松赞干布迎娶文成公主入藏的事。它是汉藏兄弟民族友好情谊的历史见证。公元640年，即唐贞观十四年，吐蕃王派大相(相当于宰相)禄东赞向大唐求亲，第二年到达长安。由于当时大唐帝国国泰民安，各民族友好相处，因此，当时竟有五个兄弟民族的首领向大唐求亲，太宗很是为难。最后，想出一个平等竞争的办法：请五位大使参加考试，谁考胜了，就把公主嫁给谁家的首领。 当时出了五道难题，吐蕃使臣禄东赞过关斩将，一路领先，最终取得了胜利。太宗非常高兴，心想：松赞干布的使臣这样机智、聪明，松赞干布自己更不用说了。于是，决定将文成公主嫁予吐蕃王松赞干布。 文成公主出嫁的消息传到吐蕃以后，吐蕃人在很多地方都准备了马匹、牦牛、食物和饮水，决定隆重迎接；松赞干布亲率欢迎队伍由拉萨出发直奔青海迎接。松赞干布高兴地说：“我今天能娶上国大唐公主，实在荣幸。我要为公主建造一座城，作为纪念，让子孙万代都要与上国大唐永远亲和。”他按照唐朝的建筑风格，在拉萨修建了城郭和宫室，这就是现在的大昭寺。(共35张PPT)
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第
单元
中国雕塑艺术赏析
艺
术
欣
赏
单元导读
中国古代的雕塑极为发达和繁荣，留下了许多的雕塑艺术精品。无论是被称为“世界第八大奇迹”的秦始皇陵兵马俑还是龙门石窟的大佛，都是世界雕塑史上的精品。进入现代之后，中国的雕塑艺术在继承传统的基础上获得了进一步发展，涌现出一大批雕塑佳作，装点着我们的城市和生活。通过本章的学习，我们可以了解我国雕塑艺术的发展历史，增加对雕塑的了解。同时可以对我国优秀的雕塑作品有一个大概的了解，领略我国雕塑艺术的神韵和风采。
目标透视
1.艺术基本发展脉络和主要样式。
2.熟悉具有代表性的中国雕塑艺术品。
3.理解中国雕塑艺术的特点。.
情感寄语
1974年3月，陕西临潼秦始皇陵东侧的西杨村村民在挖井时偶然发现了一个令世界震惊的奇迹，经考古人员的精心发掘，一个重大的历史遗迹横空出世，随即也引起了世界的关注，它被誉为“世界第八大奇迹”，这便是闻名遐迩的秦始皇兵马俑。对于秦始皇兵马俑你了解多少呢？知道它为什么会成为“世界第八大奇迹”吗？
第一节
中国古代雕塑
雕塑是三维空间的造型艺术。它是利用一定的物质材料，通过雕、刻、塑、铸、焊等手段制作的反映社会生活、表达审美理想的具有三维实体的造型艺术。中国古代雕塑曾经极其繁荣，留下了数量众多的雕塑作品实物，是中华民族文化的瑰宝。在秦汉以前中国雕塑处于萌芽时期，最早大概可以追溯到新石器时代。原始居民制造石器的经验为雕塑的诞生奠定了重要的基础，早期的雕塑还不具有独立的艺术形式，还只是依附于陶器、玉器等实用工艺。在夏商周三代，中国雕塑进入了青铜器时期，青铜雕塑成为这个时期雕塑的主要形态，青铜作品之多，工艺之精美是空前绝后的。
（一）秦汉雕塑
秦汉时代是中国封建社会上升期，就雕塑文化传承来说，秦朝仍旧体现出战国时期秦陇一带平朴写实的特色，而汉代则多承楚风，更具有浪漫、夸张的成分。在雕塑作品上的体现，秦追求写实逼真，汉讲究写实生动。其建筑雕塑装饰表现在宫室、苑囿、亭阁楼榭和陵墓神道建筑上。
一、中国古代雕塑概况
最为壮观的是被称为世界“第八奇观”的秦始皇陵出土的兵马俑。陵坑中整齐排列兵将俑、马俑、兵器等约8 000件，气势恢弘，造型壮观，集中体现了那个时代的高大、雄健的风尚。从总体看，秦代雕塑的风格特点是浑厚雄健，朴实厚重，庞大强壮，气魄宏大，体现出封建社会的上升期的积极向上、朝气蓬勃的精神风貌。汉代雕塑作品则是品种和数量相当丰富，呈现出的主体面貌浑厚简练、生动完整
（二）魏晋南北朝雕塑
魏晋是一个佛教思想与儒学思想碰撞、交融时期。因此，统治者利用宗教大建寺庙，凿窟造像，利用直观的造型艺术宣传统治者思想和教义。代表性的石窟有敦煌石窟、云冈石窟、龙门石窟、麦积山石窟等。石窟内雕塑大量的佛像，有石雕、木雕、泥塑、铸铜等，佛像雕塑遂成为当时中国雕塑的主体。这些石窟在发展中不断增加新的雕塑作品，历代都对石窟进行重修、扩建、新增和补充。石窟艺术在中国雕塑中很有代表性，如东晋时期的戴逵，擅长雕刻和铸造佛像，他在建康瓦棺寺所作的玉躯佛像与顾恺之的壁画《维摩诘图》和狮子园的玉像被称为“瓦棺寺三绝”。
这个时期的雕塑特点是较注重细部的刻画，技术更圆转达纯熟，雕塑形象和题材大都为宗教题材，因而雕塑形象具有神化倾向和夸张的特征。宗教使雕塑艺术的题材单一化，但宗教精神的内在动力却也促进了大量精品雕塑的诞生。
中国雕塑艺术，是中国文化的重要组成部分。中国古代雕塑艺术的主要内容为陵墓雕塑(包括地上的纪念性石刻与墓室随葬俑)、宗教雕塑、民俗性及其他内容的雕塑。
（三）隋唐雕塑
隋唐是中国封建社会的鼎盛期，也是文学艺术发展的鼎盛期。宗教造像艺术、陵墓的装饰雕刻艺术、陪葬的陶瓷雕塑艺术、肖像造型艺术等都进入一个空前繁荣时期。
宗教造像艺术在唐代有长足发展，敦煌石窟成为我国建造最早、规模最大、开凿时间最长的石窟。历代的开凿使雕塑造像数量已达到2 000余尊，其造型或丰腴华丽，或稳重慈祥，具有和谐美的特征。除敦煌石窟之外，还有龙门石窟、天龙山石窟等，其造像表现出妍丽优雅的风格，体现出盛唐的雄壮恢弘、热烈奔放、自强奋发、昂扬向上的时代精神。
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（四）宋元时期的雕塑
宋代以城市为中心的商品经济空前繁荣，市民阶层壮大起来，代表市民趣味的审美观念随之兴起。与此同时，理学的兴盛使人们更关心现实生活，关注来世的佛教日趋衰落。因此，宋代的佛教雕塑无论内容还是风格都明显世俗化，那些神圣不可及的面貌渐渐模糊了，代之而起的是更接近现实生活的形象。造像艺术集中转入南方，如广元、大足、安岳、杭州、赣州都是摩崖造像较集中之地。在世俗题材方面，宋的陵墓石刻多沿袭唐之传统，但气势渐弱。辽、西夏、金等少数民族的雕塑作品主流风格仍多受宋的影响，但在不同程度上呈现出了其民族的特色。进入元代，统治者重视手工业，雕塑是其中重要的组成部分，因而也得到了一定的发展。
（五）明清雕塑
明清两代，宗教观念进一步淡薄，此时的宗教雕塑在缺少内在信仰的状态下，显现出缺乏创造性和生命力的程式化倾向。而明清的世俗雕塑艺术多趋于装饰化和工艺化。这些雕塑大多更强调实用性与玩赏性功能，体现出工艺品的特色，而早期雕塑那种强烈的精神性功能则大大削弱了。
但是，这些装饰性、玩赏性的作品往往不受陈规限制，面貌各异，这也可以算是明清时期雕塑艺术的一个亮点。其作品造型一般小巧玲珑、精致剔透、精雕细凿，缺乏大气之作和大型之作，艺术上逐渐转向个人化、内聚性的风格。
二、中国古代著名雕塑作品欣赏
（一）秦汉雕塑作品
1.秦兵马俑（见图2-1-1）
秦始皇兵马俑坑共发现3个，加上1个未建成的，依次编为1~4号坑，共发掘出战车百余乘、陶马600余匹、陶俑近8 000件，还有其他的青铜兵器。秦始皇兵马俑的出土为世人展示了秦始皇的一支阵容庞大、组织严整的禁卫军，象征着秦朝威武的军队。尽管在咸阳、徐州、武威也先后有汉代兵马俑群的出土，但是无论是规模还是制作工艺上，是无法与秦始皇兵马俑相提并论的。《孙子兵法》开宗明义：“兵者，国之大事，死生之地，存亡之道，不可不察也。”从中可见，古代的军队在国家中占有的重要地位，也可窥见秦始皇一统天下的奥秘。
图2-1-1秦兵马俑
谈谈秦始皇陵兵马俑
的艺术特点？
？
暂且不论它规模的宏大、编排的精细，就从艺术角度看，它体现出了较高的艺术水准，堪称艺术精品。秦始皇兵马俑的艺术特点首先是它的高度写实性。
秦始皇兵马俑坑所展现的军队阵容是完全按照当时秦军的实况设计的，因而其中的秦俑、陶马、车也是按实物大小制成的。秦以前的雕塑以装饰性为主，而秦俑采用了写实的刻画方式，带有明显的肖像性和写生性的特征。陶俑一般身高1.8米左右，最高者可达2米，均为彪形大汉。陶马一般身长2米，通高1.7米，与真马大小相等，形体比例准确，形象栩栩如生，如此大规模的陶马群在中国雕塑史上也是一个突破。其次是它的传神。
秦兵马俑的写实并不只是简单地按照现实摹刻下来，而是经过了艺术的处理。不同的人物外形、不同的官阶、不同的性格特征、不同的精神面貌，如此这些都体现在了秦俑的身上，可见它的造型刻画不但实现了“形似”而且还达到了“神似”。秦俑以头部的刻画最为精致，有的眉宇凝聚，端庄肃穆；有的面庞清秀，微微含笑；有的带有皱纹，一脸老成……通过对面部的精心刻画，将秦军的各种人物表现得生动万分。
2.霍去病墓石雕之“马踏匈奴”（见图2-1-2）
霍去病墓是现存古墓中最早有石雕的墓葬。墓上广植林木，其间布设多种人兽石雕，再现了野兽出没、刀光剑影的祁连山真实意境，开创了以墓像山的墓丘封土新形式。墓前石刻原有总数已不可考，现共存16件，可辨认的石像有14件，其中3件各雕两形，总共有生物17件，不同物像12件，即怪人、怪兽吃羊、卧牛、人抱兽、卧猪、跃马、马踏匈奴、卧马、卧虎、短口鱼、长口鱼、獭蝠等。霍去病墓前石雕的种类和布置方式，有别于后世帝陵前的石像。
秦俑艺术是中国古代雕塑艺术史上的一个典范，它的艺术风格和艺术技巧为后世所继承和发展，使其艺术传统源远流长。今天，来自全世界的人民怀着无比惊奇和称赞之情来观赏这一世界奇迹。秦始皇兵马俑是我们民族的骄傲，也是世界文化的宝贵遗产。
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图2-1-2霍去病墓石雕之
“马踏匈奴” （西汉）
石雕充分利用山石的自然形态，依石拟形，稍加雕琢求之神似，种类繁多，形象古拙，手法简练，风格浑厚。“马踏匈奴”是霍去病墓石刻群中最引人注目的汉代大型雕刻艺术杰作。它凝重、庄严，蕴涵着高昂饱满的刚毅气概，以卓然屹立的神情意态，释放出强劲的艺术感染力。这匹战马形象被赋予百折不挠、坚定不移、威武有力的人格象征，透过造型的表达，它向人们传递着2 000多年前汉军严阵以待，维护安定和无坚不摧的军容信息，使观者感到振奋、壮美，仿佛是对年轻将领的气魄之写照。
“马踏匈奴”被视为具有纪念意义的一件代表作，雄健超凡形神兼备。马下仰卧的匈奴，也雕刻得生动逼真，刻画了被制降者一副无可奈何的样子，其面部表情细致入微，毛发森森，走刀犀利流畅，仍是汉石刻浑宏奔放的风格，线条疏朗而概括力强。　　
3.说唱俑（见图2-1-3）
击鼓说唱俑出土于四川成都天回山东汉崖墓，俑通高55厘米，以泥质灰陶制成，俑身上原有彩绘，现已脱落。陶俑蹲坐在地面上，右腿扬起，左臂下挟有一圆形扁鼓，右手执鼓槌作敲击状。俑人嘴部张开，开怀大笑，仿佛正进行到说唱表演中的精彩之处。人物面部的幽默表情被刻画得极为生动传神，使观者产生极大的共鸣。此俑现藏于中国历史博物馆。
图2-1-3说唱俑（东汉）
秦汉陶俑的造型不仅有威武的军阵，也有这样极具生活气息的人物。这件陶俑袒
胸露腹,着裤赤足,左臂挟鼓,右手举槌作击鼓说唱表演，神态诙谐，动作夸张，将一位汉代“说唱艺术家”的现场感觉展现得淋漓尽致，也反映出东汉时期陶塑艺术的高超。
4.马踏飞燕（见图2-1-4）
“马踏飞燕”又名“马超龙雀”“铜奔马”，为东汉青铜器，1969年于甘肃省武威雷台墓出土。奔马身高34.5厘米，身长45厘米，宽13厘米。形象矫健俊美，别具风姿。马昂首嘶鸣，躯干壮实而四肢修长，腿蹄轻捷，三足腾空、飞驰向前，一足踏飞燕着地。
一匹躯体庞大的马踏在一只正疾驰的小燕子背上，小燕子吃惊地回过头来观望，表现了骏马凌空飞腾、奔跑疾速的雄姿。其大胆的构思、浪漫的手法，给人以惊心动魄之感，令人叫绝。艺术家巧妙地用闪电般的刹那将一只凌云飞驰、骁勇矫健的天马表现得淋漓尽致，体现出汉代奋发向上、豪迈进取的精神。该作品不但构思巧妙，而且工艺十分精湛;不但重在传神，而且造型写实。
“马踏飞燕”是汉代艺术家高度智慧、丰富想象、浪漫主义精神和高超艺术技巧的结晶，是我国古代雕塑艺术的稀世之宝。 中国古代匠师运用现实主义与浪漫主义相结合的艺术手法，以丰富的想象力、精巧的构思、娴熟的匠艺，把奔马和飞鸟绝妙地结合在一起，以飞鸟的迅疾衬托奔马的神速，造型生动，构思巧妙，将奔马的奔腾不羁之势与平实稳定的力学结构凝为一体，它所具有的蓬勃的生命力和一往无前的气势，更是中华民族的象征。
（二）魏晋南北朝雕塑作品
1.景安陵天禄（见图2-1-5）
南朝的陵墓石刻是南朝遗留下的文化珍品，其中最有代表性的作品之一便是景安陵天禄。齐武帝景安陵，位于今江苏省丹阳市建山乡前艾庙。景安陵始建于永明十一年。《南齐书·武帝纪》载：“永明十一年七月，上不豫，戊寅大渐，诏曰：陵墓万世所宅，意尝恨休安陵（武帝后陵）未称，今可用东三处地最东边以葬我，名为景安陵。
图2-1-5景安陵天禄（南朝·齐）
今景安陵已平，陵前仅存石兽一对，东为天禄，西为麒麟。天禄身长3.15米，高2.1，颈高1.55米，体围3米。麒麟身长2.7米，残高2.2米，颈高1.4米，体围2.51米。它们形体高大，兽身窈窕修长，长颈细腰，胸部突出，全身略作S形，给人以苗条清秀之感。整体夸张与局部刻画相得益彰，如头部作朵颐隆起，口部略作圆形，额上及四角突出如小翅状的茸毛。此外，头部、颈部、背部、翼部的装饰繁富，又增添了华贵之气。雕刻技法方面，多用圆刀法，并注意到圆雕、浮雕和线雕的综合运用，确为南朝陵墓石刻的代表作。
2.云冈石窟露天大佛（见图2-1-6）
云冈石窟开凿于北魏和平年间(460—465年)，距今已有1 500多年的历史。前后用了约30年的时间才基本上完成了这个浩大的艺术工程。整个石窟依山开凿，东西绵延1 000米，现存主要洞窟53个，大小造像51 000多个。石窟雕刻的题材内容，基本上是佛像和佛教故事。　
云冈石窟最著名的露天大佛：第20窟释迦坐像，高13.7米，胸部以上石质坚硬，保存完好，两肩宽厚，面形丰圆，薄唇高鼻，神情肃穆。背光的火焰纹和坐佛、飞天等浮雕十分华美，把主佛衬托得雄浑大气，是云冈石窟中的代表作品。
图2-1-6云冈石窟露天大佛（北魏）
大佛全身比例适称，造型手法简练概括，他宽阔的身躯给人以稳健之感，他所据有的佛的“三十二相、八十种随形好”的精神风貌，为这一时期佛像雕刻的杰出代表。他微微前倾的身躯和棱角分明的嘴角，仿佛在向众生宣讲着佛教的真话，他那细细的弯眉和微启的双目，使人感到慈祥为怀的气度，他不仅是云冈石刻中的杰作，也是佛像艺术中的精品。
（三）隋唐雕塑作品
1.昭陵六骏（见图2-1-7）
昭陵是唐太宗李世民和文德皇后的合葬墓，位于陕西省礼泉县。墓旁祭殿两侧有庑廊，“昭陵六骏”石刻就列置其中。昭陵六骏是指陕西礼泉县唐太宗昭陵北阙前的六块骏马浮雕石刻，这组石刻立于贞观十年（636年），分别表现了唐太宗在开创唐帝国重大战役中的鏖战雄姿。
石刻中的“六骏”是李世民经常乘骑的六匹战马，它们既象征了唐太宗所经历的最主要的六大战役，同时也是表彰了他在唐王朝创建过程中立下的赫赫战功。昭陵六骏石刻以统一战争为题材，手法简洁浑厚，造型栩栩如生，是驰名中外的石雕艺术珍品。六骏采用高浮雕手法，以简洁的线条、准确的造型，生动传神地表现出战马的体态、性格和战阵中身冒箭矢、驰骋疆场的情景。每幅画面都告诉人们一段惊心动魄的历史故事。 六匹骏马的名称：一是飒露紫，二是拳毛騧，三是青骓，四是什伐赤，五是特勒骠，六是白蹄乌。
图2-1-7昭陵六骏（唐）
石刻所表现的六匹骏马三匹做奔驰状，三匹为站立状。六骏均为三花马鬃，束尾。这是唐代战马的特征，其鞍、鞯、镫、缰绳等，都逼真地再现了唐代战马的装饰。据传说，昭陵六骏石刻是依据当时绘画大师阎立本的手稿雕刻而成。六骏中的“飒露紫”和“拳毛騧”两石，于1914年被国人盗卖到国外，现藏于美国费城宾夕法尼亚大学博物馆，其余四石现藏于陕西西安碑林博物馆。　
2.卢舍那大佛（见图2-1-8）
大卢舍那像龛坐西朝东，开凿于唐高宗时期，这个时期是中国第二个波澜壮阔的造像高峰。据卢舍那佛座北侧、唐玄宗开元十年（722年）补刻的《河洛上都龙门山之阳大卢舍那像龛记碑》记载，奉先寺始造于咸亨三年（672年）4月，是唐高宗发愿为他的父亲太宗李世民建造的，皇后武则天施以两万贯脂粉钱赞助建造工程，至上元二年（675年）12月完工，历时3年9个月。据学者考证，这一时间应该是大卢舍那像的开凿时间，而并非是整座大龛的开凿年代，据推测，整座大龛的营建至少要用15年以上的时间。
图2-1-8卢舍那大佛（唐）
整个像龛东西进深38.7米，南北宽33.5米，由西京实际寺善导禅师等人主持修建。主像卢舍那大佛通高17.14 米，头部高4 米，发髻呈波纹状，面部丰满圆润，眉如弯月，目光慈祥，眼睛半睁半合，俯视着脚下的芸芸众生，嘴边微露笑意，显出内心的平和与安宁。卢舍那大佛至今上半身保存完好，下半身虽然手足有些残破，但其整体所显示的当时佛雕的高超技艺仍令人叹服。
（四）宋元明清雕塑
晋祠圣母殿侍女像（见图2-1-9）
晋祠圣母殿侍女像，彩塑，造于北宋元祐年间，约1082年，位于山西省太原市西南25千米处的晋祠圣母殿。晋祠又名王祠，始建于北魏，是为纪念周武王次子叔虞而兴建的，后来又多次重修翻建。现存建筑主要建造于宋金时期，以圣母殿最为著名。圣母指周武王王后姜邑，她是姜太公的女儿、叔虞的母亲，被当地人奉为晋水水神，并修建了圣母殿，供人们在天旱时前来祭祀。圣母殿中有彩绘塑像40余尊，均为北宋时期作品。圣母坐像居正中位置，高2.28米，凤冠蟒袍，端庄气派，周围有众多女官、侍女环绕。她们的动作姿态各不相同，神态性格都刻画得十分生动自然，是晋祠彩塑中最出色的一组人物塑像。
从整个气氛来说，不但注意了避免人物形态和服饰的雷同，而且在执司、动作和年龄等方面，也是参差配合，相互和谐，显出多样的变化，发挥了丰富多彩的艺术感染力。这批彩塑虽在总的形态上显得纤巧柔弱，缺乏饱满充沛的精神气质，但仍不失为我国古代雕塑遗产中富于现实主义的优秀作品。
图2-1-9晋祠圣母殿侍女像（宋）
第二节
中国近现代雕塑
一、中国近现代雕塑艺术概况
进入20世纪后，中国传统的宗教雕塑已处于衰落时期，民间小型雕塑虽很繁荣，但未能成为主流。辛亥革命时期，即有青年赴英国、美国、日本等国学习雕塑。五四运动前后到20世纪30年代，又有更多的美术青年先后赴加拿大、法国、日本、比利时等国学习雕塑。他们归国以后，举行的雕塑作品展览，促进了中国架上雕塑的发展。他们大多从事艺术教育，成为中国近现代雕塑艺术的开拓者。新中国成立后，雕塑创作又有巨大发展，各美术院校普遍建立雕塑系。中央美术学院先后于20世纪50年代和60年代初举办两届雕塑研究班，1956年还成立了中国雕塑工厂。1958年4月北京天安门广场人民英雄纪念碑落成，为建设城市大型纪念碑雕塑创作提供了重要经验。1982年2月，中国美术家协会提出《关于在全国重点城市进行雕塑建设的建议》，经国务院批准，同年8月，由城市建设环境保护部、文化部和中国美术家协会共同召开了全国城市雕塑规划、学术会议，并成立全国城市雕塑规划组和全国城市雕塑艺术委员会，领导全国城市雕塑创作活动，雕塑创作活动由此进入了一个新的阶段。
你能否给中国近现代雕塑艺术的发展做一个简要的总结？
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雕塑工作者制定规划，进行试点，陆续建造了一批城市雕塑，包括纪念碑雕塑、
园林装饰雕塑等。从1949年中华人民共和国成立到1984年，已建立室外大型雕塑326座，其中大部分是1976年以后所创作的，对美化环境、改变城市景观起了重要的作用。
近代各类民间雕塑艺术相当繁荣，出现了一些杰出的民间艺术家。比较著名的民间艺术家和作品有天津泥人张艺术的代表人物张明山作的《蒋门神》、张玉亭作的《钟馗嫁妹》、张景祜作的《惜春作画》，江西南昌范振华的木雕人像，广东石湾刘传的人物陶塑、区乾的动物陶塑，
福建泉州江加走的木偶头像，以及北京汤子博、郎绍安等人的面塑等。在20世纪六七十年代，部分专业雕塑家学习、汲取民间泥塑经验，和民间艺人一起创作了一些以阶级教育为题材的泥塑群像。其中最有代表性的作品为四川大邑的《收租院》，共有与真人等大的泥塑人像114个，真实地表现了土改前农民向地主缴租时受到的敲骨吸髓的剥削情景。此外，在一些工厂、矿山也有过一些类似性质的作品。
二、中国近现代雕塑作品欣赏
1.人民英雄纪念碑（见图2-2-1）
人民英雄纪念碑位于北京天安门广场中心，在天安门南约463米，正阳门北约440米的南北中轴线上。它庄严宏伟的雄姿，具有我国独特的民族风格，在广场中与天安门、正阳门形成一个和谐的、一致的、完整的建筑群。纪念碑总高37.94米，碑座分两层，四周环绕汉白玉栏杆，四面均有台阶，下层座为海棠形，东西宽50.44米，南北长61.54米，上层座呈方形，台座上是大小两层须弥座，下层须弥座束腰部四面镶嵌着八块巨大的汉白玉浮雕，分别以“虎门销烟”“金田起义”“武昌起义”“五四运动”“五卅运动”“南昌起义”“抗日游击战争”“胜利渡长江”为主题，在“胜利渡长江”的浮雕两侧，另有两幅以“支援前线”“欢迎中国人民解放军”为题的装饰浮雕。浮雕高２米，总长40.68米，共有约170个人物形象，概括而生动地表现出我国近百年来惊天动地的革命史实。
图2-2-1人民英雄纪念碑
上层小须弥座四周镌刻有以牡丹、荷花、菊花、垂幔等组成的八个花环。碑身两侧装饰着用五星、松柏和旗帜组成的浮雕花环，象征人民英雄的伟大精神万古长存。整座纪念碑用17 000多块花岗石和汉白玉砌成，肃穆庄严，雄伟壮观。人民英雄纪念碑的浮雕与建筑浑然一体，雕刻画精细，具有独立的欣赏价值，是新中国美术史中雕塑的开篇大作。
人民英雄纪念碑兴建委员会由原北京市长彭真任主任委员，郑振铎、梁思成任副主任委员。委员会下设工程处，分设计、施工、采石、美术工作等7个组，进行工作。此外，专设一个委员会，在中国科学院现代史研究所所长范文澜领导下，研究浮雕画片所需的史料题材。纪念碑于1952年8月1日正式动工修建，1958年4月22日落成，同年5月1日隆重揭幕。
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2. 《艰苦岁月》 潘鹤（见图2-2-2）
在新中国美术史上，在新中国雕塑史上，在表现革命历史题材的范围内，《艰苦岁月》都是一件十分重要的作品。它以动人的形象，体现了最能在观者心灵中激起共鸣的主题。
图2-2-2艰苦岁月 潘鹤
如今，《艰苦岁月》已成为各种中小学美术欣赏教材及百年美术必收录的作品之一。作品原件现存于中国革命军事博物馆。这一作品是潘鹤受中央军委总政治部委托，为建军30周年美术展而做的，当时的主旨是要表现第四野战军解放海南的情景。
3.《收租院》（见图2-2-3）
《收租院》创作于1965年6~10月,陈列于四川省大邑县刘文彩庄园。作者是当时四川美术学院雕塑系教师赵树桐、王官乙，学生李绍瑞、龙绪理、廖德虎、张绍熙、范德高及校外雕塑工作者李奇生、张富纶、任义伯、唐顺安和民间艺人姜全贵。四川美术学院雕塑系教师伍明万、龙德辉带领一年级学生隆太成、黄守江、李美述、马赫土格(彝族)、洛加泽仁（藏族）参加了后期的创作。 　《收租院》根据当年地主收租情况,在现场构思创作,共塑7组群像:交租、验租、风谷、过斗、算账、逼租、反抗。它们以情节连续形式展示出地主剥削农民的主要手段——收租的全过程,共塑造114个真人大小的人物。雕塑家将西洋雕塑技巧与中国民间传统泥塑的技巧融为一体，生动、深刻地塑造出如此众多不同身份、年龄和个性的形象，可谓中国现代雕塑史上空前的创举。　
图2-2-3 收租院
群像与收租环境浑然一体，收租情节与人物心理刻画得惊心动魄，集中地再现出封建地主阶级对农民的残酷剥削压迫，迫使他们走向反抗道路的历史事实。在这组作品中，写实风格和泥土材料的运用颇为恰当，中、西雕塑技巧的融合也达到了和谐统一的效果。
4.《庆丰收》（见图2-2-4）
《庆丰收》是置于北京“十大建筑”之一的农业展览馆前的对称的两组雕塑之一，由鲁迅美术学院苏大伦、郑惠南负责，由曲乃述、李仁章、王熙民等 10 位雕塑家于 1959 年创作完成的。
两组雕塑一为击鼓，一为敲镲，其呼应并行的两组群像，表现的是农民欢庆丰收的情景和场面。此击鼓的农民形象，显示有无穷的力量。双马奔腾欢跃，马两侧的男女农民雄强而豪迈地向前行进着，充分展示人民当家做主的高昂的精神风貌。雕塑构图严谨，塑造精练，造型饱满，线条流畅，气势雄伟，振奋人心。由于将古代石雕富有装饰性的特点有机地融入其中，而有鲜明浓郁的民族风格，体现了中华民族雕塑艺术的气派。
群像落成后深受群众欢迎，获得美术界的一致好评，被推崇为“新中国雕塑艺术的代表之一”“革命现实主义与革命浪漫主义相结合雕塑艺术的杰作”“时代的象征”，有很高的价值。
图2-2-4庆丰收
5.歌乐山烈士群雕（见图2-2-5）
图2-2-5歌乐山烈士群雕
烈士群雕位于歌乐山烈士陵园红岩魂广场一期台阶与烈士公墓之间，由438块红色花岗石组成，共19层，高11米，四周各宽7米。
雕塑，又称雕刻，是雕、刻、塑三种创制方法的总称，是造型艺术的一种。它是指用各种可塑材料（如石膏、树脂、黏土等）或可雕、可刻的硬质材料（如木材、石头、金属、玉块、玛瑙等），创造出具有一定空间的可视、可触的艺术形象，借以反映社会生活、表达艺术家的审美感受、审美情感、审美理想的艺术。
群雕雕刻有9位烈士形象，他们是牺牲在集中营烈士群体的代表。群雕采用中国传统石窟艺术的“中心塔柱式”结构，集阁雕、浮雕之所长，以连环组合的形式，将烈士们“宁死不屈”“前仆后继”“坐穿牢底”“迎接曙光”等崇高精神风范由9位革命志士向四面展开，烈士们的精神和素质表现得既伟岸又平凡质朴，同时也使群雕具有了永恒的凝聚力和感召力。
6.《黄河母亲》（见图2-2-6）
黄河母亲雕塑，位于兰州市黄河南岸的滨河路中段、小西湖公园北侧，是目前全国诸多表现中华民族的母亲河——黄河——的雕塑艺术品中最漂亮的一尊，具有很高的艺术价值。 　　
雕塑由甘肃著名的雕塑家何鄂女士创作，长6米，宽2．2米，高2．6米，总重40余吨，由“母亲”和“男婴”组成构图。分别象征了哺育中华民族生生不息、不屈不挠的黄河母亲和快乐幸福、茁壮成长的华夏子孙。该雕塑构图简洁，寓意深刻，反映了甘肃悠远的历史文化。黄河母亲秀发飘拂，神态慈祥，身躯颀长匀称，曲线优美，微微含笑，抬头微曲右臂，仰卧于波涛之上，右侧依偎着一裸身男婴，头微左顾，举首憨笑，显得顽皮可爱。
图2-2-6黄河母亲
母亲形象有如古代石雕的佛像，又有今日女性美的特征，她美丽、端庄、慈祥、睿智，微笑着注视匍匐于其宽阔胸怀中茁壮的孩子，佑护着孩子的成长。母亲的长发顺着肩部流淌下来，汇成奔流向前的黄河水，简化处理身躯，曲起的腿部有如山地，其衣纹好似河水的波浪。
这件采用古代石雕手法及概括处理的雕塑，具有中国雕塑的特征。雕塑下基座上刻有水波纹和鱼纹图案，源自甘肃古老彩陶的原始图案，反映了甘肃悠远的历史文化。
7.《和平少女》（见图2-2-7）
《和平少女》创作于 1985 年，两件同样雕塑一件置放在日本长崎市的和平公园，一件置放在北京复兴门大街，旨在让日本人民和政府以第二次世界大战为鉴，前事不忘后事之师，推进中日友好关系，维护持久和平。
图2-2-7 和平少女
作品以洁白大理石为材料，用写实手法雕刻了一位身着中国衣裙的美丽少女，她长发如云，长裙曳地，形体优美，丰姿绰约，舒展双臂，回眸注视着落于臂上的白鸽，俨然是一尊护卫和平的圣洁女神，使人的心灵受到洗礼，感到和平之可贵与美好。雕像体现了一种非常和谐友好的和平气氛，这种气氛是神圣不可侵犯的，谁侵犯了它就是罪恶。这种环境可以使人享受生的乐趣。在这里，艺术家的目的，是期望通过雕像所创造的气氛去牵起人们爱护和平的愿望，并把这一代人的愿望用石头有形地记录下来留给千秋万代。
活动体验
1.去学校附近的博物馆，参观其中的雕塑作品。参观完毕写一份参观感想以及对自己印象深刻的雕塑的赏析。
2.注意自己家附近是不是有雕塑作品，试着对雕塑作品进行赏析并写出赏析评论。
雕塑的种类与形式
雕塑的表现形式一般分为两种：圆雕和浮雕。
一、圆雕
　　所谓圆雕就是指非压缩的，可以多方位、多角度欣赏的三维立体雕塑。手法与形式也多种多样，有写实性的与装饰性的，也有具体的与抽象的，户内的与户外的，架上的与大型城雕，着色的与非着色的等；雕塑内容与题材也是丰富多彩的，可以是人物，也可以是动物，甚至于静物；材质上更是多彩多姿，有石质、木质、金属、泥塑、纺织物、纸张、植物、橡胶等。
二、浮雕
所谓浮雕是雕塑与绘画结合的产物，用压缩的办法来处理对象，靠透视等因素来表现三维空间，并只供一面或两面观看。浮雕一般是附属在另一平面上的，因此在建筑上使用得更多，用具器物上也经常可以看到。由于其压缩的特性，所占空间较小，因此适用于多种环境的装饰。近年来，它在城市美化环境中占了越来越重要的地位。浮雕在内容、形式和材质上与圆雕一样丰富多彩。
　　它主要有神龛式、高浮雕、浅浮雕、线刻、镂空式等几种形式。我国古代的石窟雕塑可归结为神龛雕塑，根据造型手法的不同，又可分为写实性、装饰性和抽象性。
　　高浮雕是指压缩小、起伏大、接近圆雕甚至半圆雕的一种形式，这种浮雕明暗对比强烈，视觉效果突出。
　　浅浮雕压缩大、起伏小，它既保持了一种建筑式的平面性，又具有一定的体量感和起伏感。
　　线刻是绘画与雕塑的结合，它靠光影产生，以光代笔，甚至有一些微妙的起伏，给人一种淡雅含蓄的感觉。
镂空雕是把所谓的浮雕的底板去掉，从而产生一种变化多端的负空间，并使负空间与正空间的轮廓线有一种相互转换的节奏。这种手法过去常用于门窗栏杆家具上，有的可供两面观赏。(共40张PPT)
3
第
单元
中国建筑、园林艺术赏析
艺
术
欣
赏
单元导读
中国建筑艺术是中华文明的重要组成部分。作为实用性很强的一种艺术形式，中国古代建筑很早就走向成熟，并形成自己独特的传统和体系，历经几千年而不中断。中国古代建筑与欧洲建筑和伊斯兰建筑并称世界三大建筑体系。中国古代建筑对日本、越南和朝鲜的古代建筑产生过直接影响，17世纪以后，对欧洲的建筑艺术也产生过影响。近现代以来，受到西方建筑的广泛影响，中国建筑也走向了现代化的进程。
目标透视
1.熟悉具有代表性的中国建筑艺术和园林艺术，并了解和掌握其建筑风格。
2.理解中国建筑艺术的特点，提高对中国建筑艺术的欣赏能力。
情感寄语
北京的颐和园汇集了中国传统园林建筑艺术的精华。它“虽由人造，宛如天成”，是园林建筑的一大代表作。

你去过北京颐和园吗？你认为这座皇家园林有什么样的特点？
第一节
中国建筑艺术
一、中国建筑艺术概况
中国建筑从原始社会开始萌芽，历商周至秦汉，为萌芽与成长阶段，以秦汉为代表。秦汉建筑是在商周已初步形成的某些重要艺术特点基础上发展而来的，秦汉的统一促进了中原与吴楚建筑文化的交流，建筑规模更为宏大，组合更为多样。
秦汉建筑类型以都城、宫殿、祭祀建筑（礼制建筑）和陵墓为主，到汉末，又出现了佛教建筑。都城规划由西周的规矩对称，经春秋战国向自由格局奏变，又逐渐回归于规整，到汉末以曹操邺城为标志，已完成了这一过程。祭祀建筑是汉代的重要建筑类型，其主体仍为春秋战国以来盛行的高台建筑，呈团块状，取十字轴线对称组合，尺度巨大，形象突出，追求象征含义。秦汉建筑艺术总的风格可以用“豪放朴拙”四个字来概括。屋顶很大，已出现了屋坡的折线“反字”，即以后“举折”或“举架”的初步做法，但曲度不大；屋角坯没有翘起，呈现出刚健质朴的气质。建筑装饰题材多飞仙神异，忠臣烈士，古拙而豪壮。
中国建筑历魏晋隋唐而宋，是发展与高峰阶段，以隋唐为代表。魏晋时北方民族进入中原，形成民族大迁移大融合的复杂局面。中原士族南渡，江南地区开始进入了建筑艺术舞台；人生多难，促使佛寺、佛塔和石窟大量出现，成为仅次于宫殿的重要建筑类型；文人常退迹山林，促使了自然美的更深发掘，中国园林美学获得发扬的契机。隋唐在长期动乱以后复归统一，尤其盛唐时代，政治安定，经济繁荣，国力强盛，与西域交往频繁，是中国封建社会盛期，建筑艺术也取得了空前成就。
隋唐建筑类型以都城、宫殿、佛教建筑、陵墓和园林为主。都城规划已完全规整化，气势恢弘，格律精严。宫殿组群极富组织性，空间尺度巨大，舒展而大度。佛寺格调欢乐而华丽，洋溢着对现实人生的积极肯定。陵墓依山营造，气势磅礴。园林已出现皇家园林与私家园林的风格区分，以后者的艺术意境更高。隋唐建筑非常强调整体的和谐与真实，造型浑厚质朴，已较多采用凹曲屋面与屋角起翘，十分柔和大度，内部空间组合变化也很适度。隋唐建筑艺术风格可以“雄浑壮丽”四字来概括，具有可贵的独创精神，重视本色美，气度恢弘从容，堪称为中国建筑艺术的发展高峰。
元明清三代是中国建筑艺术充实与总结阶段，明至清前期是第三个高潮。五代两宋至元，封建商品经济高速发展，市民阶层兴起，审美趣味更趋近于富有普通情趣的日常生活，艺术日益程式化，更着意在细部和装饰的追求上。都城仍然规整方正，商店居宅临向街道，面貌生动活泼；宫殿规模远小于隋唐，而序列组合更为丰富细腻；国家级祭祀建筑布局严整细致；佛教在唐以后已显衰微，佛寺、佛塔已不复见盛唐的恢弘；私家园林和皇家园林的实践更加丰富，与前代相比，同样现出繁细的倾向。宫式建筑完全定型，结构简化而装饰性加强。总的来说，明清建筑艺术可以用“精细富缛”四字大致概括。明清最值得称道的是民间建筑和少数民族建筑的显著成就，大大充实了传统建筑文化的内容，最终形成了各地区、各民族多种风格。
二、中国著名建筑欣赏
（一）民居
1.北京四合院（见图3-1-1）
（a）
(b)
图3-1-1北京四合院　
中国北方的传统民居，总的特点是以院落（或天井）为核心，依外实内虚的原则和中轴对称格局规整地布置各种用房。其中以北京四合院水平最高，也最为典型，是中国汉族传统民居的优秀代表。外院横长，大门开在前左角即东南角，进入大门，迎面在外院东厢房的山墙上筑砖影壁一座，与大门组成一个小小的过渡空间。由此西转进入外院。大门之西正对民居中轴的南房称“倒座”，做客房，外院还有男仆室及厨、厕。由外院通过一座垂花门式的中门进入方阔的内院，即全宅主院。
北面正房称“堂”，大多为三间，遵守着明清朝廷“庶民庐舍不过三间五架，不许用斗拱，饰彩色”的规定。正房开间和进深尺寸都比厢房大，故体量最大。正房左右接出耳房，由尊者长辈居住。耳房前有小小的角院，十分安静，因此也常用做书房。这种一正房两耳房的布局称为“纱帽翅”。正房前，院子两侧各建厢房，其前沿不超越正房山墙，因此院落宽度适中，空间感觉甚好。
厢房是后辈们的居室。正房、厢房朝向院子都有前廊，用“抄手游廊”把垂花门与这三座房屋的前廊连接起来，可以沿廊走通，不必经过露天。廊边常设坐凳栏杆，可在廊内坐赏院中花树。 所有房屋都采用青瓦硬山顶。正房之后有时有一长排“后照房”，或做居室，或为杂屋。较大的民居可以在堂后再接出一座四合院，以居内眷。或更在全宅一侧接出另外一组四合院，也有的在一侧接出宅园。
各地的四合院，为适应家居生活的需要，都有着不同的特点。北京四合院庭院方正，是为冬季多纳阳光。冀南和晋陕豫等地，夏季西晒严重，院子变成南北窄长，以减少阳光。西北甘肃、青海，风沙很大，院墙加高，称为“庄窠”。东北土地辽阔而气候寒冷，为更多接纳阳光，院子常十分宽大，宅墙内空地甚多。
小贴士
2.福建土楼（见图3-1-2）
图3-1-2 福建土楼
　福建土楼产生于宋元时期，经过明代早、中期的发展，明末、清代、民国时期逐渐成熟，并一直延续至今。福建土楼是世界上独一无二的山区大型夯土民居建筑，创造性的生土建筑艺术杰作。
福建土楼依山就势，布局合理，吸收了中国传统建筑规划的理念，适应聚族而居的生活和防御的要求，巧妙地利用了山间狭小的平地和当地的生土、木材、鹅卵石等建筑材料，是一种自成体系，具有节约、坚固、防御性强的特点，又极富美感的生土高层建筑类型。
3.窑洞（见图3-1-3）
图3-1-3 窑洞
窑洞式民居是一种很古老的居住方式，即在黄土断崖地区挖掘横向洞穴作为居室。因为它有施工简便，造价低廉，冬暖夏凉，不破坏生态，不占用良田等优点，虽然存在采光及通风方面的缺陷，但在北方少雨的黄土地区，仍为人们习用的民居形式。窑洞是黄土高原的产物，是陕北农民住房的象征。在这里，沉积了古老的黄土地深层文化,人们创造了陕北的窑洞艺术(民间艺术)。小小窑洞浓缩了黄土地的别样风情。
问题讨论
谈谈你的家乡有特色的民居的特点。
（二） 宫殿建筑
北京故宫（见图3-1-4）
北京故宫始建于公元1406年，1420年基本竣工，是明朝皇帝朱棣始建的。北京故宫是明、清两代的皇宫。为表示君权“受命于天”，天子的宫殿如同天帝居住的“紫宫”禁地，故故宫又名紫禁城。故宫南北长961米，东西宽753米，面积约为723 600平方米。
建筑面积15.5万平方米。相传故宫一共有9 999间半，实际据1973年专家现场测量故宫有大小院落90多座，房屋有980座，共计8 707间。
北京故宫（见图3-1-4）
宫城周围环绕着高12米，长3 400米的宫墙，形式为一长方形城池，墙外有52米宽的护城河环绕，形成一个森严壁垒的城堡。故宫宫殿建筑均是木结构、黄琉璃瓦顶、青白石底座，饰以金碧辉煌的彩画。故宫有4个门，正门名午门，东门名东华门，西门名西华门，北门名神武门。面对北门神武门，有用土、石筑成的景山，满山松柏成林。在整体布局上，景山可说是故宫建筑群的屏障。 　
故宫是几百年前劳动人民智慧和血汗的结晶。初建时被奴役的劳动者有工匠十万，夫役百万。在当时社会生产条件下，能建造这样宏伟高大的建筑群，充分反映了中国古代劳动人民的高度智慧和创造才能。建筑学家们认为故宫的设计与建筑，实在是一个无与伦比的杰作，它的平面布局、立体效果以及形式上的雄伟、堂皇、庄严、和谐，建筑气势雄伟、豪华壮丽，是中国古代建筑艺术的精华。它标志着中国悠久的文化传统，显示着500多年前匠师们在建筑上的卓越成就。
（三）坛庙建筑
1.天坛祈年殿（见图3?1?5）
图3-1-5 天坛祈年殿
祈年殿在天坛的北部，也称为祈谷坛，原名大祈殿、大享殿，始建于明永乐十八年（1420年）,是天坛最早的建筑物。乾隆十六年（1751年）修缮后，改名为祈年殿。光绪十五年（1889年）毁于雷火，数年后按原样重建。目前的祈年殿是一座直径32.72米的圆形建筑，鎏金宝顶蓝瓦三重檐攒尖顶，层层收进，总高38米。
祈年殿是天坛的主体建筑，又称祈谷殿，是明清两代皇帝孟春祈谷之所。它是一座鎏金宝顶、蓝瓦红柱、彩绘金碧辉煌的三层重檐圆形大殿。祈年殿采用的是上殿下屋的构造形式。大殿建于高６米的白石雕栏环绕的三层汉白玉圆台上，即为祈谷坛，颇有拔地擎天之势，壮观恢弘。
祈年殿为砖木结构，三层重檐向上逐层收缩作伞状。建筑独特，无大梁长檩及铁钉，28根楠木巨柱环绕排列，支撑着殿顶的重量。祈年殿是按照“敬天礼神”的思想设计的，殿为圆形，象征天圆；瓦为蓝色，象征蓝天。殿内柱子的数目，据说也是按照天象建立起来的。内围的4根“龙井柱”象征一年四季春、夏、秋、冬；中围的12根“金柱”象征一年12个月；外围的12根“檐柱”象征一天12个时辰。中层和外层相加的24根，象征一年24个节气。三层总共28根，象征天上28星宿，再加上柱顶端的8根童柱，总共36根，象征36天罡。宝顶下的雷公柱则象征皇帝的“一统天下”。祈年殿的藻井是由两层斗拱及一层天花组成，中间为金色龙凤浮雕，结构精巧，富丽华贵。这也充分体现了我国劳动人民的建筑智慧。
2.曲阜孔庙（见图3-1-6）
图3-1-6曲阜孔庙
据称孔庙始建于公元前478年，鲁哀公将其故宅改建为庙。此后历代帝王不断加封孔子，扩建庙宇，到清代，雍正帝下令大修，扩建成现代规模。庙内共有九进院落，以南北为中轴，分左、中、右三路，纵长630米，横宽140米，有殿、堂、坛、阁460多间，门坊54座，“御碑亭”13座，拥有各种建筑100余座，460余间，占地面积约95 000平方米的庞大建筑群。
孔庙内的圣迹殿、十三碑亭及大成殿东西两庑，陈列着大量碑碣石刻，特别是这里保存的汉碑，在全国是数量最多的，历代碑刻亦不乏珍品，其碑刻之多仅次西安碑林，因此它有我国第二碑林之称。孔庙是中国现存规模仅次于故宫的古建筑群，堪称中国古代大型祠庙建筑的典范。
孔庙的总体设计是非常成功的。前为神道，两侧栽植松柏，创造出庄严肃穆的气氛，培养谒庙者崇敬的情绪；庙的主体贯穿在一条中轴线上，左右对称，布局严谨。前后九进院落，前三进是引导性庭院，只有一些尺度较小的门坊，院内遍植成行的松柏，浓荫蔽日，创造出使人清心涤念的环境，而高耸挺拔的苍松古柏间辟出一条幽深的通道，既使人感到孔庙历史的悠久，又烘托了孔子思想的深奥。座座门坊高揭的额匾，极力赞颂孔子的功绩，给人以强烈的印象，使人不觉油然而生敬仰之情。第四进以后的庭院，建筑雄伟，黄瓦、红墙、绿树，交相辉映， 既喻示出孔子思想的博大高深，也喻示了孔子的丰功伟绩，而供奉儒家贤达的东西两庑，分别长166米，又喻示了儒家思想的源远流长。
（四）宗教建筑
1.西藏布达拉宫（见图3-1-7）
图3-1-7西藏布达拉宫
布达拉宫位于西藏自治区首府拉萨市西北郊区约2 000米处的一座小山上。在当地信仰藏传佛教的人们心中，这座小山犹如观音菩萨居住的普陀山，因而用藏语称之为布达拉（普陀之意）。宽屏大图布达拉宫重重叠叠，迂回曲折，同山体融合在一起，高高耸立，壮观巍峨。宫墙红白相间，宫顶金碧辉煌，具有强烈的艺术感染力。
它是拉萨的标志，也是西藏人民巨大创造力的象征，是西藏建筑艺术的珍贵财富，也是独一无二的雪域高原上的人类文化遗产。布达拉宫整体为石木结构。宫殿外墙厚达2～5米，基础直接埋入岩层。墙身全部用花岗岩砌筑，高达数十米，每隔一段距离，中间灌注铁汁，进行加固，提高了墙体抗震能力，坚固稳定。屋顶和窗檐用木质结构，飞檐外挑，屋角翘起，铜瓦鎏金。
闪亮的屋顶采用歇山式和攒尖式，具有汉代建筑风格。屋檐下的墙面装饰有鎏金铜饰，形象都是佛教法器式八宝，有浓重的藏传佛教色彩。柱身和梁枋上布满了鲜艳的彩画和华丽的雕饰。布达拉宫内部绘有大量的壁画，构成一座巨大的绘画艺术长廊，先后参加壁画绘制的近有200人，先后用去10余年时间。壁画的题材有西藏佛教发展的历史、五世达赖喇嘛生平、文成公主进藏的过程等。布达拉宫中各座殿堂中保存有大量的珍贵文物和佛教艺术品。五世达赖喇嘛的灵塔，坐落在灵塔殿中。塔高14.85米，是宫中最高的灵塔，塔身用黄金包裹，并嵌满各种珠宝玉石，建造中耗费黄金11万两。其他几座灵塔虽不如达赖喇嘛灵塔高大，其外表的装饰同样使用大量黄金和珠宝，可谓价值连城。布达拉宫体现了藏族建筑的鲜明特色和汉藏文化融合的一些风格。
2.恒山悬空寺（见图3-1-8）
恒山悬空寺创建于北魏后期（大约471—523年），至今已经历了1 400多个年头。现存建筑是明、清两代修建后的遗物。悬空寺背西面东，像是悬在一幅巨大屏风中腰的一尊精巧、别致的玉雕。 悬空寺南北各有一座三檐歇山顶，危楼耸起，对峙而立，从低向高，三层叠起。六座殿阁，相互交叉，飞起栈道相连，高低相错，用木制楼梯相沟通，曲折迂回，参差有致，高下错落，虚实相交，构思布局妙不可言。悬空寺内塑像颇多，并有各种铜铸、铁铸、泥塑、石雕像80尊。
图3-1-8恒山悬空寺
三圣殿内的释迦、韦驮、天女等塑像，形体丰满，神态感人，是悬空寺内彩塑中的佼佼者。更为特殊的是，地处悬空寺最高层的三教殿内，释迦牟尼、老子、孔子的塑像共居一室，耐人寻味。佛教、道教、儒教始祖同居一室，确不多见。
3.山西应县木塔（见图3-1-9）
图3-1-9山西应县木塔
应县佛宫寺释迦塔位于山西省朔州市应县城内西北佛宫寺内，俗称应县木塔。建于辽清宁二年（1056年），金明昌六年（1195年）增修完毕。它是我国现存最高最古的一座木构塔式建筑，也是唯一一座木结构楼阁式塔，为全国重点保护文物。该塔设计为平面八角，外观五层，底层扩出一圈外廊，称为“副阶周匝”，与底屋塔身的屋檐构成重檐，所以共有六重塔檐。每层之下都有一个暗层，因而结构实际上是九层。暗层外观是平座，沿各层平座设栏杆，可以凭栏远眺，身心也随之融合在自然之中。
全塔高67.3米，约为底层直径2.2倍，比例相当敦厚，虽高峻而不失凝重。各层塔檐基本平直，角翘十分平缓。平座以其水平方向与各层塔檐协调，与塔身对比；又以其材料、色彩和处理手法与塔檐对比，与塔身协调，是塔檐和塔身的必要过渡。平座、塔身、塔檐重叠而上，区隔分明，交代清晰，强调了节奏，丰富了轮廓线，也增加了横向线条，使高耸的大塔时时回顾大地，稳稳当当地坐落在大地上。底层的重檐处理更加强了全塔的稳定感。
第二节
中国园林艺术
一、中国园林艺术概况
　　我国园林如果从最初形式殷周的囿算起，已有3 000年的历史，发展到近代，是以创作山水、自然为生活境域的山水园而著称于世的，有着极为丰富的艺术遗产和优秀传统。中国园林是中国古代文化艺术领域的一个特殊范畴，以满足游赏和居住等多重需要为目的，将人为的物质环境与自然风景相配合，融建筑、绘画、文学、书法、园艺工事为一体的具有审美意义的自然环境和游憩场地。它肇始于商周时代的帝王苑囿，兴于战国，秦汉时已初具模仿自然的造园风格，并出现私家园林；魏晋南北朝时寄情山水的私家园林大盛；唐宋时又将诗情画意引入园林的布局与造景，成为中国古典园林艺术的总特征；后经历代造园实践，至清时成为一完整的艺术体系，与西亚、欧洲园林并称为世界三大造园体系。中国古典园林体系包括皇家园林、私家园林、寺观园林和公共游豫园林，而前两者在中国园林体系中居于主导地位。
（一）皇家园林
皇家园林又称“苑囿”“宫苑”。一般指供帝王居住、游娱之用的园林。如颐和园、避暑山庄。私家园林为官僚、地主、富商、士大夫等私人所有的园林，如苏州的拙政园、留园等。寺观园林指寺庙建筑和自然环境结合而形成的园林化的环境，既是宗教活动的场所，又是清幽的自然山水园，如峨眉山的万年寺、太原的晋祠等。公共游豫园林又称为风景名胜园林，指具有天然景观特点，并逐渐被开发建设成为有大量著名游览景点、带有公共性质的游憩场所，如杭州的西湖、济南的大明湖等。
初始于商周时代的帝王之囿，为纯粹单纯的自然景色，功能简单，仅供游猎娱乐，如商纣王之“益广沙丘苑台”，周文王的“灵囿”，后者是一个有“台”（包括建筑）、有池、有多种动物的自然式园囿，并对百姓开放，园林以台作为景观中心开始于此。皇家园林在其后的历代都是皇家宫殿的重要组成部分，尤其是在清朝，更是兴建了数目众多的皇家园林，皇家园林的发展也达到了顶峰。
（二）私家园林
春秋战国时期，园林的性质基本上由娱神转变为娱人，原因是两周以来中国文化发展的总趋势是由神本到人本，园林更富于人情味，园林审美中山水人格化始露端倪。士人崛起，学术思想空前活跃，以老庄为代表形成讴歌自然、崇尚自然之风，以崇尚自然美为主的士人官吏私园渐次出现，如庄子漆园，这种崇尚自然之风，在历史长河中，随时势而起伏，忽隐忽现，到魏晋南北朝时期达到高峰。
友情提示
中国园林的构成要素有山、水、建筑、花木。中国园林的构景手法有借景、分景、框景、藏景、漏景、点景。
在古代，造园家多由画家来担任，一张山水画往往也可以成为某个园林模造的范本，而那些山水论之类的著作，也就理所当然地成为园林构图的原理。园林山水布局、建筑的安排、花木栽植，每每借用山水画论，而其风景区的意境构思，题对楹联又常常从风景诗文中得到启发。魏晋南北朝时期，从那种歌颂高人逸士的隐居生活的人物画中，可以清楚地看到同时期的天然山水园林的萌发和滋长。我国园林艺术发展到魏晋南北朝，就出现了讲究诗情画意的文人园林。此时期的园林已扬弃了宫室楼阁为主体的建筑宫苑的形式，初步形成了穿池构山的自然山水的境界。唐宋时期，造园活动遍及大江南北，从那种文人写意山水画的超凡脱俗、不求形似、但求意境、生活诗意化那里，我们也可以看到同时期的写意山水园林的诗情画意的增长。
这种山水园林以超脱、秀逸、冷洁等审美法则作为高超的意境，以吟风弄月、饮酒赋诗、踏雪寻梅等作为风雅的内容，它们往往是在一块较小的境地里经营以千山万壑、深溪池沼等形式为主导的生活环境，如著名的王维的“辋川别业”和白居易的“庐山草堂”均属此类。宋元时期是我国园林艺术发展中的一个转折，当时山水画已成为绘画的主要题材，人们对自然美的鉴赏能力有了提高，园林开始讲自然、恬静，其形式也逐步从不常处的庄园别墅转化到近域靠宅、终年能涉足的私人家园。发展到明代中叶，古典园林艺术已经成熟，形成了以江南园林为代表的淡雅、明秀的风格，在园林艺术的发展上有了集大成的表现。
二、中国著名园林欣赏
（一） 皇家园林
1.北京颐和园（见图3-2-1）
图3-2-1北京颐和园
　 颐和园原是清朝帝王的行宫和花园，前身清漪园，是三山五园中最后兴建的一座园林，始建于1750年，1764年建成，面积290公顷,水面约占四分之三。乾隆继位以前，在北京西郊一带，已建起了四座大型皇家园林，从海淀到香山这四座园林自成体系，相互间缺乏有机的联系，中间的“瓮山泊”成了一片空旷地带。乾隆十五年（1750年），乾隆皇帝在这里改建为清漪园，以此为中心把两边的四个园子连成一体，形成了从清华园到香山的皇家园林区。
　　颐和园景区规模宏大，主要由万寿山和昆明湖两部分组成。园内建筑以佛香阁为中心，园中有景点建筑物百余座、大小院落20余处，3 555个古建筑，面积70 000多平方米，共有亭、台、楼、阁、廊、榭等不同形式的建筑3 000多间，古树名木 1 600 余株。其中佛香阁、长廊、石舫、苏州街、十七孔桥、谐趣园、大戏台等都已成为家喻户晓的代表性建筑。
2.承德避暑山庄（见图3-2-2）
图3-2-2承德避暑山庄
承德避暑山庄是中国著名的古代帝王宫苑，始建于康熙四十二年(1703年)，建成于乾隆五十五年（1790年），历时87年。避暑山庄占地564万平方米，环绕山庄蜿蜒起伏的宫墙长达万米，是中国现存最大的古典皇家园林。相当于颐和园的两倍，有八个北海公园那么大。与北京紫禁城相比，避暑山庄以朴素淡雅的山村野趣为格调，取自然山水之本色，吸收江南塞北之风光，成为中国现存占地最大的古代帝王宫苑。 　
承德避暑山庄曾是中国清朝皇帝的夏宫，距离北京200千米，是由皇帝宫室、皇家园林和宏伟壮观的寺庙群组成的。避暑山庄位于承德市中心区以北，武烈河西岸一带狭长的谷地上，山庄的建筑布局大体可分为宫殿区和苑景区两大部分，苑景区又可分成湖区、平原区和山区三部分。内有康熙乾隆钦定的72景。拥有殿、堂、楼、馆、亭、榭、阁、轩、斋、寺等建筑100余处。
避暑山庄及周围寺庙是一个紧密关联的有机整体，同时又具有不同风格的强烈对比，避暑山庄朴素淡雅，其周围寺庙金碧辉煌。这是清帝处理民族关系的重要举措之一。由于存在众多群体的历史文化遗产，使避暑山庄及周围寺庙成为全国重点文物保护单位、全国十大名胜和44处风景名胜保护区之一，承德也因此成为全国首批24座历史文化名城。避暑山庄与北京的颐和园、苏州的拙政园、苏州的留园一起并称为中国四大名园。
（二）私家园林
1.苏州拙政园（见图3-2-3）
图3-2-3苏州拙政园
　 拙政园初为唐代诗人陆龟蒙的住宅，元朝时为大弘（宏）寺。明正德四年（1509年），明代弘治进士、明嘉靖年间御史王献臣仕途失意归隐苏州后将其买下，聘著名画家、吴门画派的代表人物文征明参与设计蓝图，历时16年建成，借用西晋文人潘岳《闲居赋》中“筑室种树，逍遥自得……灌园鬻蔬，以供朝夕之膳……此亦拙者之为政也”之句取园名。暗喻自己把浇园种菜作为自己（拙者）的“政”事。
400多年来，拙政园屡换园主，曾一分为三，园名各异，或为私园，或为官府，或散为民居，直到20世纪50年代，才完璧合一，恢复初名“拙政园”。拙政园全园占地78亩（52 000平方米），分为东、中、西和住宅四个部分。住宅是典型的苏州民居，现布置为园林博物馆展厅。
拙政园中现有的建筑，大多是清咸丰九年（1850年）拙政园成为太平天国忠王府花园时重建的，至清末形成东、中、西三个相对独立的小园。中部是拙政园的主景区，为精华所在，面积约18.5亩。其总体布局以水池为中心，亭台楼榭皆临水而建，有的亭榭则直出水中，具有江南水乡的特色，池水面积占全园面积的五分之三。
池广树茂，景色自然，临水布置了形体不一、高低错落的建筑，主次分明。总的格局仍保持明代园林浑厚、质朴、疏朗的艺术风格。以荷香喻人品的“远香堂”为中部拙政园主景区的主体建筑，位于水池南岸，隔池与东西两山岛相望，池水清澈广阔，遍植荷花，山岛上林荫匝地，水岸藤萝粉披，两山溪谷间架有小桥，山岛上各建一亭，西为“雪香云蔚亭”，东为“待霜亭”，四季景色因时而异。远香堂之西的“倚玉轩”与其西船舫形的“香洲”遥遥相对，两者与其北面的“荷风四面亭”成三足鼎立之势，都可随势赏荷。倚玉轩之西有一曲水湾深入南部居宅，这里有三间水阁“小沧浪”，它以北面的廊桥“小飞虹”分隔空间，构成一个幽静的水院。中部景区还有微观楼、玉兰堂、见山楼等建筑以及精巧的园中之园——枇杷园。 　　
2.苏州留园（见图3-2-4）
图3-2-4苏州留园
留园以其独创一格、收放自然的精湛建筑艺术而享有盛名。层层相属的建筑群组，变化无穷的建筑空间，藏露互引，疏密有致，虚实相间，旷奥自如，令人叹为观止。
一进大门，留园的建筑艺术处理就不同凡响：狭窄的入口内，两道高墙之间是长达50余米的曲折走道，造园家充分运用了空间大小、方向、明暗的变化，将这条单调的通道处理得意趣无穷。过道尽头是迷离掩映的漏窗、洞门，中部景区的湖光山色若隐若现。
留园建筑艺术的另一重要特点，是它内外空间关系格外密切，并根据不同意境采取多种结合手法。建筑面对山池时，欲得湖山真意，则取消面湖的整片墙面；建筑各方面对着不同的露天空间时，就以室内窗框为画框，室外空间作为立体画幅引入室内。室内外空间的关系既可以建筑围成庭院，也可以庭园包围建筑；既可以用小小天井取得装饰效果，也可以室内外空间融为一体。千姿百态、赏心悦目的园林景观，呈现出诗情画意的无穷境界。
绕过门窗，眼前景色才一览无余，达到了欲扬先抑的艺术效果。留园内的通道，通过环环相扣的空间造成层层加深的气氛，游人看到的是回廊复折、接连不断错落变化的建筑组合。园内精美宏丽的厅堂，则与安静闲适的书斋、丰富多样的庭院、幽僻小巧的天井、高高下下的凉台燠馆、迤逦相属的风亭月榭巧妙地组成有韵律的整体，使园内每个部分、每个角落无不受到建筑美的光辉辐射。
1.了解调查你所在地区的传统民居属于哪种样式，具有怎样的建筑特点。
2.参观一处著名的建筑艺术景点，尝试对该建筑进行赏析并写一篇1 000字左右的赏析文章。
活动体验
红山是西藏首府拉萨市西北部的一座小山，在当地信仰藏传佛教的人们心中，它犹如观音菩萨居住的普陀山，因而藏语称之为布达拉（普陀之意）。举世闻名的布达拉宫就依据此山山势蜿蜒修建，直至山顶。传说这座辉煌的宫殿缘起于公元7世纪，当时西藏的吐蕃王松赞干布为迎娶唐朝的文成公主所建，建筑之宏伟体现在红山之上修建了九层楼宫殿1 000间，取名布达拉宫以居公主。后来由松赞干布建立的吐蕃王朝灭亡之后，古老的宫堡也大部分被毁于战火，直至公元17世纪，五世达赖建立噶丹颇章王朝并被清朝政府正式封为西藏地方政教首领后，才开始了重建布达拉宫，时年为公元1645年。以后历代达赖又相继进行过扩建，于是布达拉宫就具有了今日之规模。 　
宫宇叠砌、迂回曲折、同山体有机地融合，这是布达拉宫给人最为直接的感受，也是它最突出的特点。其主楼有13层，自山脚向上，直至山顶。整体建筑主要由东部的白宫（达赖喇嘛居住的部分），中部的红宫（佛殿及历代达赖喇嘛灵塔殿）及西部白色的僧房（为达赖喇嘛服务的亲信喇嘛居住）组成。在红宫前还有一片白色的墙面为晒佛台，这是每当佛教节庆之日，用以悬挂大幅佛像的地方。
作为藏传佛教的圣地，每年到布达拉宫的朝圣者及旅游观光客总是不计其数。他们一般由山脚无字石碑起，经曲折石铺斜坡路，直至绘有四大金刚巨幅壁画的东大门，并由此通过厚达4米的宫墙隧道进入大殿。在半山腰上，有一处约1 600平方米的平台，这是历代达赖观赏歌舞的场所，名曰德阳厦。由此扶梯而上经达松格廓廊道，便到了白宫最大的宫殿东大殿。有史料记载，自1653年清朝顺治皇帝以金册金印敕封五世达赖起，达赖转世都须得到中央政府正式册封，并由驻藏大臣为其主持坐床、亲政等仪式。此处就是历代达赖举行坐床、亲政大典等重大宗教、政治活动的场所。
今天，人们眼中的布达拉宫，不论是就其石木交错的建筑方式，还是从宫殿本身所蕴藏的文化内涵来看，都能感受到它的独特性。它似乎总能让到过这里的人留下深刻的印象。统一花岗石的墙身；木制屋顶及窗檐的外挑起翘设计；全部的铜瓦鎏金装饰，以及由经幢、宝瓶、摩羯鱼、金翅鸟做脊饰的点缀……这一切完美配合使整座宫殿显得富丽堂皇。大殿内的壁画亦算是布达拉宫内一道别致风景。在这堪称巨型绘画艺术长廊内，既记载有西藏佛教发展历史，又有五世达赖生平、文成公主进藏过程，还有西藏古代建筑形象和大量佛像金刚等，说它是一部珍贵的历史画卷毫不为过。 　
独特的布达拉宫同时又是神圣的。因为在今天的中国，每当提及它时都会很自然地联想起西藏。俨然在人们心中，这座凝结藏族劳动人民智慧又目睹汉藏文化交流的古建筑群，已经以其辉煌的雄姿和藏传佛教圣地的地位绝对地成为了藏民族的象征。(共42张PPT)
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第
单元
中国工艺艺术赏析
艺
术
欣
赏
单元导读
在世界的收藏品市场上，中国的工艺品从来都是最为抢手的艺术品，而那些精美的中国工艺品也在不断地刷新拍卖纪录。可以说，中国的工艺品在世界上占有重要的地位。中国的工艺美术在新石器时代就已见雏形，五千年的文化积淀造就了光辉灿烂的工艺艺术文化。无论是早期的陶器、青铜器还是后期的玉器、珐琅器，精湛的工艺都体现出中国劳动人民的智慧和高超技巧。
目标透视
1.了解中国工艺美术发展的基本脉络。
2.熟悉中国工艺品的一些代表作品，掌握初步的艺术欣
赏技巧
　
中国工艺美术的历史源远流长，伴随着人类历史的产生而产生。中国工艺美术的原始发生可追溯到远古先民的第一件劳动工具的创造。凝聚在原始工具里的实用内涵和精神内涵既确立了中国工艺美术的初始形态，亦确立了工艺美术作为中华民族造型艺术先导的地位。请你列举几件享誉海内外的中国工艺品？
情感寄语
第一节
中国公益艺术概况
一、原始社会与商周工艺艺术
新石器时代的石玉、牙骨、编织、缝纫，特别是制陶工艺，已鲜明地显示了中国工艺美术重视实用和审美相统一的造物思想和设计意匠，亦鲜明地显示了工匠把握材料性能和制作工艺的能力以及对形式美法则的认识和运用。
商、西周时期,中国工艺美术有了划时代的进步，工艺造物的实用内涵和精神内涵进一步丰富和加强。精神内涵中大量渗入的社会意识和宗教意识，使这一时期的工艺美术具有一种崇高的美学魅力。原始青瓷和漆器获得初步发展，而青铜器和玉器则取得了辉煌的成就。春秋战国至秦汉时代的工艺美术显示了中国封建社会早期经济实力和意识形态的发展。理性主义精神的崛起和高扬，使指向实用功利和现实人生的价值追求，与承继原始文化传统的充满激情和浪漫色彩的形式有机统一，由此而产生的轻利活泼、飞动奔放、雄强古拙的美学特征，在陶瓷、漆器和丝织品上得到充分的表现。
二、三国两晋南北朝工艺艺术
三国两晋南北朝在政治、经济、军事、文化和整个意识形态上的转折，造成工艺美术生产格局和价值追求的变化。生产中心逐渐由北方移向南方，工艺造物趋向内在人格和心性的显示。这一时期崇尚主体人格精神的造物倾向和空疏、清静、平淡的审美风范，深刻地影响了中国工艺美术的整体发展。青瓷、建筑物件和宗教工艺美术在这一时期取得了突出的成就。
三、隋唐工艺艺术
中国工艺美术在初唐和盛唐获得全面的发展，呈现繁荣发达的景象。织锦、印染、陶瓷、金银器和木工等的技艺水平和生产规模都超越了前代。经济的发达、中外文化的交流以及人的思想意识的解放，使隋唐工艺美术表现出舒展博大的气势、精巧圆婉的装饰意匠和富丽丰满的形态特征。
四、宋元明清工艺艺术
中国古代工艺美术比较完美的范式和境界出现在宋代，并集中地表现在陶瓷上。发达的手工业和尚文重理的文化氛围，为保持造物与主体审美理想的和谐统一提供了极大的可能性，从而形成一代沉静典雅、平淡含蓄、心物化一的美学风范。宋代工艺美术充分地物化了中华民族的文化精神和审美意识，它体现和揭示的创造原则至今仍具有重大的现实指导意义。蒙古族以其强大的军事势力统一中国后，工艺美术有了一定的发展。染织工艺的织锦、陶瓷工艺的青花和釉里红是这一时期的突出贡献。
由于受尚武的游牧文化的影响，元代工艺美术风格趋向粗犷、豪放和刚劲。明朝是中国历史上又一个强盛的时代。资本主义因素的萌芽以及与此相适应的新的文化和科学的产生，促使明代工艺美术跨入一个新阶段，织锦、棉纺、陶瓷、漆器、金工、家具和建筑装饰等门类都得到较全面的发展。明代工艺美术承继了宋以来的美学追求，并向程式化和完善化发展，具有端庄、简约、健实等审美特点。
中国古代工艺美术的各个门类在清代更加完善化，其品种之繁多、技艺之精湛、手法之丰富都远远超过前代，呈现出集各历史时期之大成的局面。
衰败和新生、模仿与创造、恪守与分化构成近现代中国工艺美术的基本景观。承袭清代形制的传统工艺在现代工业文明的冲击之下迅速衰落，而适应新时代要求的现代工艺美术则迅速崛起，蓬勃发展，清新、简洁、明快的现代工艺美术标示着一种崭新的文化形态和内涵。
现代工艺美术与传统工艺美术有着明显的差异，它的产生和发展,为中国工艺造物活动开辟了新的领域,并树立起新的审美风范和价值标准。
导源于上层贵族审美趣味的以技艺取胜的造物观念，在清代工艺美术生产中进一步强化，以致一代艺术风格日趋矫饰雕琢、精致繁缛。1840年鸦片战争之后，中国工艺美术的生产格局、产品结构、工艺思想和艺术风格都呈现出新的面貌。谈谈你对中国工艺艺术发展的认识。
小贴士
第二节
中国工艺艺术名作
一、陶瓷艺术欣赏
1.人面鱼纹彩陶盆（见图4-2-1）
图4-2-1人面鱼纹彩陶盆
（新石器时代）
人面鱼纹彩陶是新石器时代陶器珍品。彩陶是在陶器表面以红黑赭白等色作画后烧成，彩画永不掉落。此盆由细泥红陶制成，敞口卷唇，盆内壁用黑彩绘出两组对称的人面鱼纹。人面概括成圆形，额的左半部涂成黑色，右半部为黑色半弧形，可能是当时的文面习俗。眼睛细而平直，鼻梁挺直，神态安详，嘴旁分置两个变形鱼纹，鱼头与人嘴外廓重合，加上两耳旁相对的两条小鱼，构成形象奇特的人鱼合体，表现出丰富的想象力，人头顶的尖状角形物，可能是发髻，加上鱼鳍形的装饰，显得威武华丽。
2.蛋壳黑陶杯（见图4-2-2）
图4?2?2蛋壳黑陶杯
（新石器时代）
这件高柄杯高22.6厘米，口径9厘米；为泥质黑陶，器表乌黑光亮；宽斜口沿，深腹杯身，细管形高柄，圈足底座；杯腹中部装饰六道凹弦纹；细柄中部鼓出部位中空并装饰细密的镂孔，貌似笼状，其内放置一粒陶丸，将杯子拿在手中晃动时，陶丸碰撞笼壁会发出清脆的响声，杯子站立时，陶丸落定能够起到稳定重心的作用，设计十分巧妙。这件高柄杯的造型体态轻盈，挺拔秀丽，制作技艺美妙绝伦，是一件绝无仅有的古代艺术珍品。 　　
3.青釉龙柄鸡头壶（见图4-2-3）
举世闻名的蛋壳黑陶杯“黑如漆，亮如镜，薄如纸，硬如瓷，掂之飘忽若无，敲击铮铮有声”，被世界各国考古界誉为“四千年前地球文明最精致之制作”。
小贴士
图4-2-3青釉龙柄鸡头壶（南朝）
鸡头壶是南北方早期瓷器的主要造型之一。始见于三国末年，流行于两晋至隋，因壶肩部塑鸡头而得名。烧制的瓷窑有越窑、瓯窑、福清窑等。它的出现、变化、消失，可以作为断代的重要依据。
西晋时期的鸡头壶，有鸡头而没有脖子（即颈），尖嘴，形象逼真。鸡头分张口、闭口两种，张口者可以出水，闭口者是一种装饰。壶的另一面与鸡头相对应的地方，贴着鸡尾。壶的颈部很短，或几乎无颈。盘口、肩部有两个可供提的系。
东晋时期的鸡头壶，有头也有脖子。与鸡头相对应的鸡尾已不在，而改用曲柄，而且柄上端还要高出壶口。壶的颈部也比西晋时要高起，鸡头也有很大变化，为便于出水，流口做成圆形，鸡冠也较高，实际上鸡头已成为象征性的装饰。肩部仍有系，但系大多像桥的样子，故称之为“桥型系”。东晋晚期，壶的曲柄出现了龙首柄。南朝时，鸡头壶又有了很大变化。壶通体比西晋时要高起，腹部由圆形变为瘦长，壶颈更加高起，鸡冠特别高大，柄更高于壶口，并出现龙形柄，肩部的桥型系增多，壶洗口，细颈，丰肩，鼓腹下敛，平底。外底有支烧痕。肩部一侧置鸡头形流，相对一侧的口、肩之间置龙形柄。肩部另两侧对称置桥形系。通体施青釉，有流釉现象，釉面开细碎纹片。此器舒展修长的形体，配置挺胸昂首的鸡头流与引颈伏首的龙柄，一展南朝鸡头壶秀丽、生动的风韵，是一件南朝风格较明显的青瓷器。
4.三彩骆驼载舞俑（见图4-2-4）
图4-2-4三彩骆驼载舞俑（唐）平底
中国瓷器五大官窑：
汝窑、官窑、哥窑、定窑、钧窑
小贴士
唐代三彩釉陶是我国古代艺术宝库的珍品，它的出现和发展是唐代厚葬之风的产物。唐三彩器不同于一般的低温釉陶，它以白色黏土为原料，以金属氧化物为着色剂，主要有三种：用氧化铜烧成绿色；氧化钴烧成蓝色；以铅作釉的助溶剂，利用它的流动性烧出赭黄、翠绿、天蓝、褐红、茄紫等多种色调，璀璨而绚丽。
唐三彩器分三大类，一类是生活用品，如瓶、杯、盘、碗、壶等；一类是俑，人物俑有文官俑、武士俑和贵妇俑等，动物俑有马、牛、骆驼等；再一类是居室用具的模型，如亭台楼阁等。它的制作是在唐高宗时期开始的，并迅速发展起来，到开元和天宝年间达到高峰，这一时期三彩产量大，质量高，色彩绚丽，而且人物和动物的形态逼真传神。此三彩骆驼载舞俑为唐随葬明器，骆驼全身白色，背上执一长方形毡子，毡子边缘蓝色，中间刻画菱形纹，分施赭、绿、蓝、白各色相间的釉彩，背上驾成平台，平台上有7个男乐俑，各执笙、箫、琵琶、竖琴、托、拍板、排箫，皆作演奏状。乐队中间站一翩翩歌舞的长袖女俑，左手空奉，右臂后摆。匠思巧运，造型新颖，形态逼真，令人仿佛耳闻悠扬悦耳的乐曲。
5.汝窑青瓷无纹水仙盆（见图4-2-5）
汝窑一向被人们列为宋代五大名窑之首。在相当长的一个时期内，汝窑被认为在河南的临汝县，但一直没有找到遗址。后经文物工作者的努力，终于在20世纪70年代，在宝丰县清凉寺找到了汝窑遗址。
图4-2-5 汝窑青瓷无纹水仙盆（北宋）
汝窑原为民窑，北宋晚期开始为宫廷烧造高档瓷器。宋徽宗执政时期，汝窑是其烧造史的全盛时期，其产品胎质细腻，灰中泛黄，俗称“香灰黄”，汝瓷釉面有细微的开片，釉下有稀疏气泡；汝窑青瓷釉色淡青高雅，造型讲究，不以纹饰为重。北宋汝窑青瓷无纹水仙盆是椭圆形盆，侈口、深壁，平底凸出窄边棱，四云头形足；周壁胎薄，底足略厚。
通体满布天青釉，极匀润；底边釉积处略含淡碧色；口缘与棱角釉薄处呈浅粉色。裹足支烧，底部有六个细支钉痕，略见米黄胎色。全器釉面纯洁无纹片，这种传世稀少、温润素雅的色泽，正是宋人所欲追求如雨过天晴的宁静开朗的美感。
6.官窑瓜棱直口瓶（见图4-2-6）
“官窑” 为宋代五大名窑之一， 由官府直接营建。有北宋官窑、南宋官窑之分。官窑产品专供宫廷，以宫廷生活用瓷与陈设瓷为主。官窑传世品今多收藏于北京故宫博物院，有少数的精美作品，已于早年流失国外。官窑青瓷闻名于世，北宋汴京官窑青瓷继汝窑烧造，其形制、釉色、工艺与汝窑有共同之处。此瓜棱直口瓶，颈部细长，腹部由凹凸的弧线形成似瓜棱状的形体，圈足。通体满釉，釉面开细碎纹片。瓜棱瓶是宋瓷中多见的瓶式之一，瓶体秀丽灵巧，宋代南北各大瓷窑均有烧制，特别以景德镇窑制品居多，可是在官窑瓷器中这类造型较为少见。此瓶器型端庄稳重，小中见大，没有多余的花纹装饰，而以凹凸的棱角表现力度，体现美感。釉色肥厚润泽，具有独特的艺术魅力。
图4-2-6官窑瓜棱直口瓶
（北宋）
7.白瓷孩儿枕 （见图4-2-7）
定窑以生产白瓷而闻名于世，被瓷器鉴赏家们评为宋代五大名窑之一。定窑白瓷胎体坚硬致密，釉色白中泛黄，呈牙白色，覆烧芒口是定窑瓷器的特点。 这件宋代孩儿枕为定窑产品，这样的作品传世仅此一件，是陶工以写实的方法，塑造了一个伏卧于榻上的男孩形象，胖胖的脸庞，圆圆的双目，一脸稚气，双肩环抱枕于头下，穿着绫罗长袍，衣服上可见团花，上着外罩坎肩，下穿长裤，足着软靴，臀部上翘，双腿内收，神态天真可爱。瓷枕以男孩的背为枕面，底座塑成一长圆形床榻，榻边饰以各种模印贴花。瓷塑手法细腻，不但是一件有具体实用价值的寝具，而且也是一件具有很高艺术价值的雕塑品，同时也是研究宋代服饰，特别是儿童服饰不可多得的实物资料。
图4-2-7白瓷孩儿枕（宋）
8.钧窑玫瑰紫釉花盆（见图4-2-8）
钧窑是宋代五大名窑之一，窑址在河南禹县（古属钧州），窑场较多，其中钧台八卦洞窑在北宋后期专烧宫廷用品，工精质高，最具代表性。器形以花盆、盆托、洗、尊为主，器底多刻有1~10的数目字。钧窑器最显著的几个特色是乳光釉、窑变和蚯蚓走泥纹。钧瓷以瑰丽异常的钧釉名闻天下，其基本釉色是各种浓淡不一的蓝色乳光釉，蓝色较淡的称为天青，较深的称为天蓝，比天青更淡的称为月白，这几种色釉都有荧光般优雅的蓝色光泽。
图4-2-8钧窑玫瑰紫釉花盆
（北宋）
玫瑰紫釉花盆是北宋钧窑的名作，造型为六瓣葵花式，是专为宫廷需要而烧制的仿古陈设器。花盆外观古拙高雅，口沿起唇边，深腹壁，矮圈足，盆底有5个圆孔，线条明朗，棱角突出，形体变化刚柔相济，显示出内在的含蓄美。通体以艳丽的玫瑰紫红釉为主，间以蓝灰等色釉融于其中，有如晚霞般绚丽多彩，艳而不俗，意境耐人寻味。
9.青花瓷缠枝牡丹纹兽耳罐（见图4?2?9）
我国青花瓷器起源于唐代。宋青花仅在浙江龙泉、绍兴两座塔基下发现有两件碗及21块碎片，纹饰都很简单。宋青花并未发展起来是由于宋代欣赏素洁、推崇原色，厌倦繁俗的风尚。至元代，青花瓷发展起来，在造型风格上，一改宋代轻巧、挺拔的风格，而变得型大体重、胎厚饱满、多棱（脊）多角等典型风格，从而白釉覆盖钴蓝彩料的青花瓷在元中、后期大量烧造，并远销海外。从1929年英人霍布逊发现“至上型”青花瓶，到近几十年来，我国先后出土了许多元青花瓷，并且在景德镇湖田元代窑址堆积层中出土了大批元青花瓷器和残片，这为我们认识元青花瓷提供了大量的实物资料。通过实物对比研究，元青花的面目日益清楚，真可谓时代特征明显，艺术价值高，受到国内外的高度重视。
图4-2-9青花瓷缠枝
牡丹纹兽耳罐（元）
图中青花瓷缠枝牡丹纹兽耳罐造型古朴，高大丰满，有雄浑的气势。画面构图主体纹饰与辅助纹饰比例适当，相映争辉，两只栩栩如生的兽耳塑造得生动传神。绘画时意在笔先，运笔娴熟，线条流畅。主体纹饰是缠枝牡丹，牡丹雍容华贵，是富贵的象征，表达了人们对幸福美好生活的向往与祈盼。
二、青铜艺术欣赏
1.司母戊鼎（见图4-2-10）
司母戊鼎是商后期（约公元前14世纪至公元前11世纪）铸品，原器1939年3月出土于河南安阳侯家庄武官村。此鼎形制雄伟，重832.84千克，高133厘米，口长110厘米，口宽79厘米，是迄今为止出土的最大、最重的青铜器。
鼎身呈长方形，口沿很厚，轮廓方直，显现出不可动摇的气势。司母戊鼎立耳、方腹、四足中空,除鼎身四面中央是无纹饰的长方形素面外，其余各处皆有纹饰。在细密的云雷纹之上，各部分主纹饰各具形态。鼎身四面在方形素面周围以饕餮作为主要纹饰，四面交接处，则饰以扉棱，扉棱之上为牛首，下为饕餮。
鼎耳外廓有两只猛虎，虎口相对，中含人头。耳侧以鱼纹为饰。四只鼎足的纹饰也匠心独具，在三道弦纹之上各施以兽面。
图4-2-10司母戊鼎（商代）
2.四羊方尊（见图4-2-11）
四羊方尊，商朝晚期偏早青铜器，属于礼器，祭祀用品，是中国现存商代青铜器中最大的方尊，高58.3厘米，重近34.5千克，1938年出土于湖南宁乡县黄村月山铺转耳仑的山腰上。现藏于北京中国国家博物馆。
四羊方尊器身方形，方口、大沿、颈饰口沿外移，每边边长为52.4厘米，其边长几乎接近器身58.3厘米的高度。
谈谈司母戊鼎的历史地位。
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图4-2-11四羊方尊（商代）
颈部高耸，四边上装饰有蕉叶纹、三角夔纹和兽面纹。尊的中部是器的重心所在。尊四角各塑一羊，肩部四角是四个卷角羊头，羊头与羊颈伸出于器外，羊身与羊腿附着于尊腹部及圈足上。尊腹即为羊的前胸，羊腿则附于圈足上，承担着尊体的重量。羊的前胸及颈背部饰鳞纹，两侧饰有美丽的长冠凤纹，圈足上是夔纹。尊四面正中即两羊比邻处，各一双角龙首探出器表，从方尊每边右肩蜿蜒于前居的中间。全体饰有细雷纹，器四角和四面中心线合范处均设计成长棱脊，其作用是以此来掩盖合范时可能产生的对合不正的纹饰。 　　
3.毛公鼎（见图4-2-12）
毛公鼎，通高53.8厘米，重34.7千克，清道光年间陕西省岐山县周原出土，现藏于台北“故宫博物院”。毛公鼎是西周晚期宣王时（公元前828年—公元前782年）的一件重器，是金文的经典名作。毛公鼎因作者毛公而得名，铭文铸在鼎上，有32行，共497字，是现存青铜器铭文中最长的一篇。
毛公鼎器形作大口，半球状深腹，兽蹄形足，口沿上树立形制高大的双耳，浑厚而凝重，整个器表装饰十分整洁，显得素朴典雅，洋溢着一股清新庄重的气息，反映了西周晚期文化思想的变革。
图4-2-12毛公鼎（西周）
毛公鼎鼎内铭文，全文首先追述周代国君君主文王武王的丰功伟绩，感叹现时的不安宁，接着叙述宣王同命毛公，委任他管理内外事务，拥有宣布王命的大权。宣王一再教导毛公要勤政爱民、修身养德，并赐给他一些器物以示鼓励。毛公将此事铸于鼎上，以资纪念和流传后世。鼎铭表达了周宣王孜孜图治的决心，对研究西周晚期政治历史很有参考价值，也是一篇金文（钟鼎文）书法的典范。
三、玉器、漆器、织绣艺术欣赏
（一）玉器
1.玉人（见图4-2-13）
中国商周时期的玉石雕刻艺术是在原始社会玉石工艺基础上发展起来的，主要包括用于祭祀、礼仪场合的“礼玉”和达官显贵们佩带的“饰玉”。其中，饰玉最为精彩生动，并大都以人和动物的形象出现，生动自然。1976年，河南安阳发掘出商代一位著名女将的陵墓——妇好墓，出土了大量精美的玉器，大部分是饰玉，有圆雕也有浮雕，制作工艺精湛，形象逼真，令人叹为观止。其中有一件跪坐的玉人雕像格外引人注目，被认为是中国古代饰玉作品中最杰出的代表之一。
图4-2-13玉人（商代）
这件玉石雕成的圆雕作品呈黄褐色，人物身穿长袖敞领外衣，腰束宽带，衣服上雕有云纹、回纹等装饰，腰间左侧佩挂一把长约10.2厘米的宽柄器物。她头梳长辫，盘在头顶，外戴束头圆箍，双腿跪坐，双手放在膝盖上，谦卑的表情显示出身份的低微。整个作品造型生动自然，人物眉目、发辫等细节的刻画都十分清晰逼真，手法简洁有力，充分体现出当时玉石制作在艺术上和技术上的高超水平。
2.兽耳云龙纹炉（见图4-2-14）
此炉玉质呈青灰色，有遭火轻度烧灼过的痕迹。器形仿造青铜器簋的造型，体圆，口外翻，圈足，腹部饰有一对兽首衔云长耳。炉的正背两面纹饰相同，以双勾线阴刻工字形纹饰，构成锦地纹饰效果。
图4-2-14兽耳云龙纹炉（北宋）
在地纹上浮雕一条腾升于祥云之间的巨龙，龙长嘴、长发、细颈、长身、四肢粗壮，一足三爪，蛇形尾，遍体鳞纹，雕刻得活泼精细。整体纹饰层次丰富清晰，主饰游龙遒劲刚健，衬以波翻浪卷的背景，气势十分宏大。 　　
3.竹筒形螭虎纹玉杯（见图4-2-15）
竹是东方美的象征。对竹的观赏和品味并使之成为一门艺术，是中国文化的重要特征之一。中国文人之所以爱竹，爱竹形艺术，是因为人们把竹子一尘不染、不畏严寒、高雅素洁的品性作为自己品行的准则，在竹子身上寄托着文人们清高的生活情趣。所以，竹被列为松竹梅“岁寒三友”之一和梅兰竹菊“四君子”之一，成为文人生活的影子，赋诗作画的题材。传世的竹筒形玉杯有多件，而此螭虎纹玉杯是公认的代表之作。
图4-2-15竹筒形螭
虎纹玉杯（明代）
玉杯选用上等青玉琢制，玉材局部有隐隐约约的褐斑，这本是瑕疵，但其在器外壁自然舒展的延伸，犹如有意剔留的竹青，匠师慧眼独识，化瑕斑为神奇，弄拙成巧，使之变得更加珍贵。
玉杯为扁圆的三节竹筒形，竹节中间掏膛为杯，体向一侧微微弧弯，线条流畅，富有美感，杯底一节作闭口状，并琢有竹根部的圆圈纹，极有情趣。竹节间的圆圈凸弦纹生机蓬勃和竹枝及竹叶，更是一着神笔，将整个玉杯刻活。
竹叶下一只顽皮的螭虎(似龙如虎)正沿着杯壁向上匍爬，从它上探的头颅，胀紧的四肢骨肉和倾力卷曲的尾巴来看，似乎已使尽全身气力，表现出一副想趁主人离开之时，偷品杯中佳茗的憨态。杯把的处理，匠师也费了一番心机，被毛竹紧紧掩住的梅花，好像经不起春天的诱惑，破竹而出，紧紧依附在竹筒上，与竹筒珠联璧合，融为一体。从这件竹筒形玉杯中，我们确能感受到中国人爱竹的情怀。
4.大禹治水图玉山（见图4-2-16）
清代大禹治水图玉山，高224厘米，宽96厘米，座高60厘米，重5 000千克。此玉器是世界上最大的玉雕作品，也是我国的国之瑰宝。玉器由新疆和田青玉制。通体立雕，呈突兀的山峰状，古木丛生，洞壑遍布，层峦叠嶂，峰巇险绝。山上成群民工，用极为简陋的工具，凿石开山，刨沙筑渠，疏通河道，导疏洪水，再现了古代劳动人民开山治水，战胜自然的壮丽场面。玉山正面中部山石处，刻乾隆帝阴文篆书“五福五代堂古稀天子宝”十字方玺；
图4-2-16大禹治水图玉山
背面上部阴刻乾隆帝《题密勒塔山玉大禹治水图》御制诗，下部刻篆书“八徵耄念之宝”六字方玺。玉山底座为嵌金丝山形褐色铜铸座。此玉山由当时两淮盐政所辖的扬州工匠雕琢制成。
大块玉料从新疆和田密勒塔山运到北京后，乾隆皇帝钦定用内府藏宋人《大禹治水图》画轴为稿本，由清宫造办处画出大禹治水纸样，由画匠贾全在大玉上临画，再做成木样发往扬州雕刻。最后由乾隆帝钦定，安放在宁寿宫乐寿堂内，至今已有200余年的历史。
（二）漆器
1.虎座鸟架鼓（见图4-2-17）
虎座鸟架鼓又称虎座凤鸟悬鼓，是战国时期楚乐器中的鼓乐。这种乐器一般出土于河南、湖北等地的楚国贵族墓葬之中，只有楚国王室等高级贵族在祭祀、宴享等重大活动时才能使用。
图4-2-17 虎座鸟架鼓（战国）
虎座鸟架鼓的造型是以两只昂首卷尾、背向而踞的卧虎为底座，虎背上各站立一只长腿长颈、引吭高歌的凤鸟。两只凤鸟中间，一面大鼓用红丝绳悬挂在凤冠之上。虎与凤均为木雕，通体髹黑漆，用红、黄、金、蓝等色绘出虎的斑纹和凤的羽毛并描出眼睛、嘴巴等部位。虎与凤形象逼真，彩绘绚丽，既是鼓乐之器，也是难得的艺术佳作。
2.汉代云纹漆耳杯套盒（见图4-2-18）
套盒呈椭圆形，两端有耳，系两个大耳杯扣合而成。内装七个小耳杯，小耳杯也为椭圆形，其中六件相叠侧置，一件反扣。盒及小耳杯内壁皆髹朱漆，外髹黑漆，并绘以云气纹及几何图案，线条纤细圆转，红、黑二色相映，显得分外精致华美。这套耳杯盒造型优美、设计精巧、大小套扣、聚散为整，充分利用空间，使用方便，便于保存，体现了汉代人卓越的设计才能。
图4-2-18汉代云纹漆
耳杯套盒（汉代）
3.剔红花卉纹盖碗（见图4-2-19）
图4-2-19 剔红花卉纹盖碗（明）剔红花卉纹盖碗是中国古代漆器工艺中“剔红”的代表作之一。剔红又称“雕漆”，是在层层堆起的平面漆胎上剔刻出花纹的一种漆艺技法，因它大多采用鲜明的朱漆，故又名“剔红”，或称“雕红漆”“红雕漆”。我国古代的雕漆工艺始于唐代，盛于元、明。雕漆工艺因漆层多，较费工时，雕刻技术精细复杂。要雕出花叶的转折起伏凹凸，显得有刚有柔，有粗有细，有疏有密，层次交代分明，呈现出一种精美的浮雕效果。这不仅要求具有很高的技术水平，还要具有很好的艺术修养。这件牡丹纹剔红盖碗就体现了上述的艺术特色。
图4-2-19 剔红花卉纹盖碗（明）
此碗圆形，圈足，盖隆起近于半球状，顶上设球形纽。通体黄素地上雕红漆牡丹、茶花、菊花、栀子、石榴等花卉。盖纽上雕灵芝，口边与足边均雕回纹。足内黑漆，一侧针划“大明永乐年制”六字款。此碗体大，造型优美端庄，用漆精良，雕刻精致。其纹饰构图疏密有致，在黄色漆地的衬托下，红色的花卉愈益明艳。明早期雕漆碗极少见，此为仅见的两件传世品之一。
（三）织绣
1.素纱襌衣 （见图4?2?20）
素纱襌衣，1972年在中国湖南省长沙马王堆汉墓一号墓出土，国家一级文物，现藏于湖南省博物馆。 　
图4-2-20 素纱襌衣（汉代）
此衣长128厘米，通袖长190厘米，由上衣和下裳两部分构成。交领、右衽、直裾。面料为素纱，缘为几何纹绒圈锦。素纱丝缕极细，共用料约2.6平方米，重仅49克，还不到一两。可谓“薄如蝉翼”“轻若烟雾”， 且色彩鲜艳，纹饰绚丽。这件襌衣的组织结构为平纹交织，其透空率一般为75%左右。制织素纱所用原料的纤度较细，表明当时的蚕桑丝品种和生丝品质都很好，缫丝织造技术也已发展到相当高的水平。它代表了西汉初养蚕、缫丝、织造工艺的最高水平。
2.缂丝莲塘乳鸭图（见图4-2-21）
“缂丝”在文献中写作“克丝”“尅丝”“刻丝”，是我国传统丝织品之一。缂丝是以本色丝线作经，彩色丝线作纬，用通经回纬（即不同颜色的纬线按图案所需不同的色彩区域分别局部织入）的方法织成的，因此将成品悬空望去可见织物色彩交界处有空路。
图4-2-21缂丝莲塘乳鸭图（南宋）
这种工艺最初发现于汉代新疆地区的毛织物上，到唐代始见缂丝织物，且以日常实用品为主。至宋代缂丝工艺开始由实用品向艺术品过渡，并步入高潮。 　　
南宋时期，江南出现数位缂丝高手，由于当时宫廷画院派“重写生花鸟”的影响，他们的作品题材多为工笔花鸟，而且常以名人书画作粉本，其成品不仅能够表现出原画之神韵，甚至将原作的题跋款记和图章也缂织出来。南宋云间（今上海松江）人朱克柔，吴郡（今江苏苏州）人沈子蕃，延陵（今江苏常州）人吴煦等皆有缂丝精品之作传世，其中沈子蕃缂织的宋徽宗的《花卉图》、崔白的《三秋图》以及《青绿山水图》被《石渠宝笈》一书续编列为缂丝“上等珍品”。吴煦《蟠桃图》上有题诗曰：“万缕千丝组织工，仙桃结子似丹红，一丝一缕千万寿，妙合天机造化中。”缂丝的织作用工之繁之精细可见一斑。 《莲塘乳鸭图》中红荷白鹭，翠鸟青石；荷花造型丰满，白色瓣尖染红，白鹭鸟神情精灵剔透，一雌一雄双鸭优哉游哉，身旁伴一双儿女活泼纯真，可爱稚拙，整个画面生动温馨，色彩变化丰富。青石上缂制隶书小款“江东朱刚制，莲塘乳鸭图”，画面左下角有“克柔”朱红印一方。此作品幅式巨大，组织细密，丝丝缕缕皆匀称分明，在现存的宋代缂丝传世作品中属上乘之作。 　
3.顾绣洗马图 （见图4-2-22）
顾绣是上海地区工艺品中的瑰丽奇葩。顾绣因源于明代松江府顾名世家而得名。顾名世曾筑园于今九亩地露香园路，穿池得一石，有赵文敏手篆“露香池”三字，因以名园（今露香园路，即为纪念此园得名）。故世称其家刺绣为“露香园顾绣”或“顾氏露香园绣”，或简称“露香园绣”“顾绣”。它是以名画为蓝本的“画绣”，以技法精湛、形式典雅、艺术性极高而著称于世，对后世影响很深，清代四大名绣皆得益于顾绣。
图4-2-22顾绣洗马图（明）
明代顾绣秘籍主要在于作者的文化艺术涵养、题材高雅、画绣合一、用材精细、针法灵活创新、择日刺绣与锲而不舍的精神等六要素。以韩希孟为代表的顾绣传世实物，文化艺术内涵颇深，皆是文物珍品，被各大博物馆所收藏。
这件作品文化艺术内涵颇深，把宋绣中的传统针法与国画笔法相结合，以针代笔，几可乱真，达到了“不是写生画，胜似写生画”的境界。
四、明清家具和民间工艺美术欣赏
1.黄花梨靠背椅（见图4-2-23）
该椅子为明代作品，通高95厘米、椅面宽51厘米、深44厘米。椅子采用直搭脑，靠背板系朝板式，并在上部开有正圆，下部开有海棠式透光，沿透光边盘阳线。中部又嵌镶微微高起的长方形瘿木片作装饰，显示出特殊的视观效果。四腿足门采用步步高赶枨，只踏脚下施窄牙条。
图4-2-23黄花梨靠背椅（明）
四面没有采用常见的券口牙子或罗锅枨加矮老的做法，而只安八根有三道弯的角牙（弓背角牙），使椅子上下架体疏朗、开张，体质简朴、明快，造型谐和匀称，格调超逸隽秀，是一件不多见的明式椅子代表作。
2.紫榆翘头案（见图4-2-24）
明代作品，条案包括平头案和翘头案两种。明代翘头案多用铁梨木和花梨木制成，两端的翘头与案面抹头往往用一块整料做成。这种情况，多反映在明末广式家具上；苏式则不然，翘头与案面抹头为两木拼接，足下带托泥。
图4-2-24紫榆翘头案（明）
此翘头案4足自案头两端内缩而置，两端的双腿以双横牚相连，4腿与案面以夹头榫相连，但牙板却不是通长的，而是各自施以透雕造型。案面两端设有小翘头，既简洁牢固又美观实用。
3.杨柳青年画《十美放风筝》（见图4-2-25）
杨柳青年画为中国著名的民间木版年画。它继承了宋、元绘画的传统，吸收了明代木刻版画、工艺美术、戏剧舞台的形式，采用木版套印和手工彩绘相结合的方法，创立了鲜明活泼、喜气吉祥、富有感人题材的独特风格。
图4-2-25杨柳青年画《十美放风筝》
制作时，先用木版雕出画面线纹，然后用墨印在上面，套过两三次单色版后，再以彩笔填绘，既有版味、木味，又有手绘的色彩斑斓与工艺性，因此，民间艺术的韵味浓郁，富于中国气派。
画面描绘的是初春时节，12位美丽的女子放风筝的场面。人物表情有别，姿态各异。人物是按当时的审美时尚塑造的——柳叶眉、丹凤眼、瓜子脸、樱桃小口。放飞风筝的女子们的服饰鲜艳浓重，颜色搭配得当，在淡色建筑、树木和天空背景衬托下，整个画面的色彩艳而不俗，极为引人注目。
4.泥挂虎（见图4-2-26）
民间玩具是民间美术中的一个种类。劳动人民以灵巧的双手，就地取材，制作出精美的艺术品。这些玩具包含着劳动人民的理想与爱心，也是对儿童进行审美和民俗教育的工具。泥挂虎，产于陕西凤翔县的泥塑玩具，是一种极具民俗特色的装饰品。其形制从6厘米到100余厘米不等，是用泥土在纸浆模中翻制而成的，胎体很薄，色彩鲜艳。彩色挂虎的制作是在白色粉底上勾勒墨线纹饰，涂染各种色彩，最后上一层清油。其造型为一个正面的虎头，环眼，大耳，大嘴，凸眉，宽额，额上绘有牡丹花（也有绘“王”字的）。
图4-2-26泥挂虎
虎头的两耳及面额上有用弹簧相连的小鸟、花草及人物，可以晃动。两颊上的彩绘图案有石榴、佛手、桃花、牡丹等吉祥纹样，也有卷草纹、艾草纹等。石榴意为多子；佛手谐音“福”，意为祈福；桃木、桃花，意为驱邪禳灾；牡丹，意为富贵；艾草，意为祛毒辟邪等。这些纹饰的布局细密严谨，疏密得当，在构图对称的前提下求得局部均衡。
活动体验
1.与同学一起收集身边存在的民间艺术设计，并对这些民间艺术品的艺术价值展开讨论。
2.通过网络和书籍搜集关于宋代五大瓷窑的资料，了解各个瓷窑瓷器的风格和特点。
在古代，世界各地都有钟，但它们都没有成为乐器，这是因为，这些钟的截面是正圆形的，声音持续时间太长，唯独中国的编钟，它的截面像两片瓦合在一起，因为钟体扁圆，边角有棱，声音的衰减较快，所以能编列成组，作为旋律乐器使用。 　
　　在湖北省随州市出土的曾侯乙墓编钟共有65件（见下图），是迄今发现的最大最完整的一套编钟，曾侯乙墓编钟铸造于2 500年前的战国时代，它气势恢弘，总重量达到2 500多千克，加上横梁、立柱等构件，用铜量达5吨之多，这在世界乐器史上是绝无仅有的。更神奇的是，每一个编钟都能发出两个乐音，这两个音恰好是三度的关系。曾侯乙墓编钟的音域宽达五个半八度，而且十二个半音齐备，是世界上已知的最早具有十二个半音的乐器。 　
曾侯乙编钟（战国）　　编钟的发声原理大体是：编钟的钟体小，音调就高，音量也小；钟体大，音调就低，音量也大。因此铸造时的尺寸和形状对编钟有重要的影响。
　　即使在今天，铸钟仍不是一件易事。有的编钟形体很大，高度超过1.5米，制造时需要用136块陶制的模子组合成一个铸模，灌注摄氏近1 000℃的铜水才能得到。从出土的编钟来看，它们不但音调准确，而且纹饰极为精细，这说明商周时期对青铜模具的制造技术运用得极为熟练。青铜是一种合金，主要成分是铜，又加进了少量的锡和铅，各种金属成分的微妙的比例变化，对钟的声学性能、机械性能有重大的影响。 青铜中锡含量的增加，能提高青铜的硬度。但含量过多，青铜就会变脆，不耐敲击。铜中加铅，可降低熔点，增加青铜熔铸时的流动性，还可以减弱因加锡导致的脆性，使所铸的钟耐击经用。但是，含铅量过高，钟的音色又会干涩无韵。而曾侯乙编钟里，铜、锡、铅的含量达到了最合理的比例，可见春秋战国时期，人们已经对合金成分与乐钟性能的关系有精确的认识，正因为如此，铸出的钟才音色优美，经久耐用。
曾侯乙编钟在一个钟上能敲出两个准确的音乐，这一现象一度使人感到惊奇和困惑。经声学检测发现编钟能发双音的机制在于它的合瓦形状。当敲击钟的正面时，侧面的振幅为零，敲击侧面时，正面的振幅为零。这样双音共存一体，又不会互相干扰。也许是过于复杂的缘故，汉代以后编钟的制造技艺就失传了。今天，人们借助现代科学的手段，才得以了解编钟的奥秘，领略古人智慧的光辉。　(共90张PPT)
5
第
单元
外国绘画艺术赏析
艺
术
欣
赏
单元导读
外国绘画是指除中国绘画以外的世界各地的绘画，主要就是指欧洲绘画。从远古的壁画到现代绘画，世界绘画作品呈现出千姿百态的艺术风格，其中优秀外国绘画作品浩如烟海。相对于中国画，我们将西方绘画体系总的称为西洋画，它是指从古希腊、古罗马发展起来的，以欧洲为中心的，以油画为主要代表的绘画体系。它的独特的魅力为人类文化宝库增添瑰丽的色彩，同时外国的绘画风格和艺术表现方式也对世界其他各地的绘画产生了极大的影响。
目标透视
1.熟悉外国绘画史中著名的画家和画作，尤其是文艺复兴时期的画家和代表作品。
2.通过对外国绘画的学习，了解外国现代绘画的主要流派。
2010年8月21日，埃及政府官员宣布，开罗一家博物馆收藏的一幅凡· 高作品失窃，下落不明。数小时后，开罗机场警方逮捕两名意大利人，从他们身上搜出这幅价值超过5 000万美元的画作。失窃画作名为《罂粟花》，原藏于开罗马哈茂德· 哈利勒博物馆。

你了解凡· 高吗？试着和同学们一起讨论熟悉的外国画家以及他们的作品。
情感寄语
第一节
外国古代绘画
一、原始社会至中世纪绘画
（一）原始社会至中世纪绘画概况
旧石器时代经历了漫长的岁月，人类最初的美术活动就是出现在旧石器时代晚期，距今3.5万年到1万年。旧石器时代的美术主要分为洞穴艺术和小型雕塑，如著名的西班牙阿尔塔米拉洞穴壁画，那许多真实生动的各种野生动物的形象，常常令人叹为观止。后来的古希腊、古罗马的绘画常常受到“艺术是对现实的模仿”这一唯物主义美学思想的影响，其绘画风格更加写实。只是由于绘画不易保存，现存的古希腊绘画作品极少，但从现有的古希腊镶嵌画和陶器彩绘可以想象当时绘画艺术的写实风格和所取得的重要成就。古罗马时期的绘画作品与古希腊绘画相比，现存作品不但数量多，而且更加清楚地显示出这个时期的绘画艺术更加成熟，并且奠定了西方传统的写实绘画的基础，著名的庞贝壁画是突出的例证。
欧洲中世纪的绘画，由于基督教的神学观念对人和现实生活采取绝对否定的态度，本应反映人和现实生活的一切艺术都成为基督教及其神学的奴仆，为基督教是欧洲中世纪艺术的重要特征。又由于基督教教堂是欧洲中世纪人民生活的中心，因而教堂建筑是这时期艺术发展的重心，雕塑、绘画、工艺美术大多从属于教堂建筑，是建筑的附属品。这个时期流行的绘画，主要是壁画、镶嵌画和彩色玻璃窗画。总的来说，其艺术风格是非写实的，重在表现，即表现基督教教徒对教义和宗教故事的感受。因而，不注重真实的空间的描绘，不注重真实的色彩关系，而是强调色彩的象征性，喜欢运用寓意象征的手法。由古希腊罗马奠定的西方绘画写实的传统，在中世纪遭到了破坏。从绘画题材上讲，欧洲中世纪绘画的题材十分狭窄，主要是宗教人物和宗教故事画。至于欧洲中世纪一些信奉伊斯兰教的国家，如西班牙，由于伊斯兰教严禁偶像崇拜，禁止表现人物和其他各种动物，极大地限制了绘画和雕塑艺术的发展。因而，伊斯兰教国家的匠师们将他们的精力主要用于伊斯兰教的宗教建筑——清真寺——以及各种植物、几何图案装饰上，装饰图案因此得到了极大的发展。
（二）原始社会至中世纪绘画欣赏
1.《受伤的野牛》（见图5-1-1）
这幅洞窑壁画发现于西班牙的阿尔塔米拉山洞，这个山洞位于山坦德以东30千米的一个叫做山梯拉纳的地方。它是保存着史前绘画的一个最著名的洞窑，又是西班牙北部海岸地区史前艺术的荟萃之地。《受伤的野牛》是其中为数不多的几个精彩作品之一，也是整个洞窑中保存最好的形象之一。
这些野牛的形象都分布在洞窑的顶部，而且在深达300多米的大洞穴中，没有照明根本无法观察。　　窟顶画中有两只受伤的野牛，它们的身躯卷缩成一团，外轮廓被处理为稳定的三角形状。而在细节方面，诸如抽搐的四蹄、甩动的尾部、斜刺如剑的双角、直竖的耳朵，都采用寓动于静的手法，把野牛处于生命的最后时刻，困兽犹斗的特点表现得惟妙惟肖。
2.《阿喀琉斯和埃阿斯玩骰子》（见图5-1--2）
公元前6世纪初，希腊的陶器工艺不仅在形制上逐渐摆脱了东方的影响，而且逐渐形成了自己的造型和装饰风格。在陶瓶上绘图已经构成了独立的艺术创作体系，每件陶器上都刻有陶器制作者与图画绘制者的名字，这种做法体现了社会对创作者的一种尊重。这件黑绘双耳陶瓶上绘制了一幅精美的图案，描绘的是英雄阿喀琉斯与另一位英雄埃阿斯率领12艘战船去特洛伊途中突然遇风暴，只好停船靠岸休息，在休息期间两人在玩骰子的情景。图中左侧为阿喀琉斯，右侧为埃阿斯，他们手中拿着长矛表明他们随时都做好了战斗准备。
绘画的种类： 油画、版画、水彩画、漫画、素描等。
小贴士
图5-1-2 《阿喀琉斯和埃阿斯玩骰子》
3.《面包铺夫妻像》（见图5-1-3）
这是在庞贝一家面包铺墙壁上发现的，因此又称为《面包房夫妻像》，这是一幅重要的肖像画。这说明公元1世纪前后罗马肖像画成就。画中人物的神态生动、自然，艺术手法质朴，人物形象既形神兼备又立体感很强，是古罗马优秀的现实主义肖像画。此作品的发现，说明公元1世纪左右的罗马肖像画题材不仅描画贵族阶层，而且扩大到了像小商人这样的平常百姓中。
两位英雄盔甲不解，长矛依肩而立却兴致勃勃地玩耍，洋溢着浓厚的生活情趣。只是绘画形式没有完全摆脱埃及艺术的影响。这两个人仍旧严格地用侧面像表现，眼睛看起来还仿佛是正面像。但是身体已经不再是埃及样式了，手和臂也没有摆的那么明显，那么生硬。最值得注意的是画家已经敢于只画出阿喀琉斯左手的一小部分，把其余部分隐藏到肩膀的后面。这意味着古风时期的希腊画家开始信赖自己的眼睛从特定的角度观察到情况，特别是绘画中敢于运用短缩法来表现特定的视觉感受。
图5-1-3 《面包铺夫妻像》
4.《西奥多拉与随从》（见图5-1-4）
《西奥多拉与随从》是拜占庭时期的艺术珍品。拜占庭美术一方面发展早期基督教美术中萌发的非写实性艺术样式，吸收了东方艺术中相应的成分，另一方面又自始至终维持着希腊传统。拜占庭的希腊传统和罗马废墟中的那些幸存品后来成为中世纪多次古典艺术复兴活动的契机。
平面性绘画的效果，都是将人类从不确定的片刻的瞬间摆脱出来，获得灵魂的安宁。他们与基督、圣母的形象同化，象征上帝在人间的代理人。画中人物比例拉长，具有一种形在神不在的抽象风格，显得非常肃穆、庄严。色彩斑斓的服装与珠光宝气的冠饰，衬托出更加神圣的威严与华贵，从中也可看出镶嵌画匠师精妙的技艺。
图5-1-4《西奥多拉与随从》
二、文艺复兴时期绘画
（一）文艺复兴时期绘画概况
14世纪下半期至16世纪末，是欧洲从封建社会向资本主义社会的过渡时期，黑暗的中世纪在日趋崩溃，新生的资本主义生产关系在逐渐形成。新的资本主义经济在封建体制内部的萌芽，必将产生与之相适应的意识形态，引起思想和文化体系的变革。当新兴资产阶级还没有能力建立自己的政权时，为了在物质和精神两方面摆脱封建专制的枷锁，他们首先在思想文化领域进行变革，制造舆论，动摇旧的精神体系，这就形成了一个气势磅礴的文化革新运动，史称“文艺复兴”。文艺复兴的指导思想是人文主义，提倡世俗的“人”为中心，肯定“人”是现实生活的创造者和享受者。他们提倡“人性”来反对教会的“神性”，提倡“人权”来反对中世纪的“神权”，用“人道”来反对替封建制度辩护的“神道”。他们反对宗教禁欲主义和来世观念，歌颂世俗生活，蔑视天堂；主张个性解放，宣扬个人现世幸福高于一切。同时，人文主义者睥睨贵族的世家出身，嘲笑僧侣的愚昧无知，痛斥经院哲学和神秘主义，提倡理性、探索自然，追求科学知识，并要求文学艺术表现人的思想感情，科学要为人生谋幸福，教育应发展人的个性。另外人文主义者还拥护国家集权以利发展经济，反对分裂和外来干涉，要求民族独立统一.
在人文主义思潮的影响下美术创作发生了相应的变革，显示出鲜明的时代特征。美术已不再是宗教神学的奴仆，在题材上开始描绘世俗的人和人的现实生活，即使是宗教神话题材， 也注入了人性和人的思想感情，把神变成世俗的人；在表现手法上提倡面向自然，以造化为师，对自然以理性的解释，引进科学的成就塑造艺术形象，透视学和解剖学成了文艺复兴美术造型的两大支柱，在这一时期的美术家往往是集工匠、科学家、建筑家、画家、雕刻家于一身，这是一个产生巨人的时代，至使无数优秀的美术家宛如灿烂群星出现在欧洲的上空， 照亮了历经千年的“黑暗世界”。
文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国家，在不同地区、不同国家表现的形式也不尽相同。
1.意大利文艺复兴时期的绘画
欧洲文艺复兴运动首先发源于14世纪的意大利。意大利文艺复兴运动首先在佛罗伦萨发生发展，尔后扩展到其他地区，形成一些既有佛罗伦萨艺术成就又有地方特色的画派。
除强大的佛罗伦萨画派以外，达·芬奇到米兰为米兰大公服务，形成米兰画派；勃拉曼特、米开朗基罗和拉斐尔到罗马为教皇服务，形成具有纪念碑气势，象征宏大、庄重、坚强有力为其特点的罗马画派。到16世纪，禁锢森严的威尼斯在佛罗伦萨辉煌之后，捷足而登上文艺复兴艺术的巅峰的最后一位大师，公认是古托·雷托。
意大利文艺复兴可分为初期、盛期和晚期。初期以佛罗伦萨为中心，自乔托始到波提切利止；盛期主要以达·芬奇，米开朗基罗和拉斐尔的艺术成就为标志；晚期则是以提香为代表的威尼斯画派。
2.德国文艺复兴时期的绘画
15世纪的德国还处于封建割据的分裂局面，但在有些生产部门已经出现资本主义生产关系，工商业有显著的发展。德国尤以印刷出版行业发达而著称于世。当资本主义生产关系逐渐形成并开始冲击和破坏封建制度的基础时，就产生了尖锐的阶级斗争，终于爆发了伟大的农民战争和宗教改革运动。在文化领域中引发和促进了人文主义美术的形成和发展，达到高度繁荣。德国的文艺复兴美术发端于15世纪，在上半期以建筑为主，雕刻和绘画占次要地位，到了中期以后，绘画作为更敏锐、更方便的宣传手段，得到了迅速的发展，超越了建筑。
就绘画艺术而言，当时的尼德兰和德国已成了欧洲文艺复兴时期绘画的又一个繁盛之地。
尼德兰在当时是在欧洲唯一可以与意大利相提并论的先进地区。虽然当意大利文艺复兴运动以磅礴之势，突破了中世纪的樊笼而迅猛发展之时，尼德兰的艺术大都仍处于哥特艺术的晚期阶段。但是，这并未妨碍尼德兰民族艺术特色的形式，尤其是为欧洲油画艺术的产生和发展做出了创造性的贡献。同时，我们可以在乌尔比诺的宫廷中看到尼德兰的艺术家在工作，在佛罗伦萨的教堂中欣赏到尼德兰大师的作品，由他们创造的油画技法和擅长的木刻画也同样吸引着意大利的画家。14世纪的尼德兰尚未形成自己独立的艺术体系，它的艺术活动主要是和法国有着比较密切的联系。当时有许多尼德兰的雕刻家和画家活跃在法国地区，在法国两个主要的艺术赞助者勃艮第公爵和伯里公爵的宫廷里，曾留下了大量的尼德兰艺术家的作品。同时，在法国南部由于教皇一度定居在亚威农城，因此意大利的艺术，尤其是锡耶纳画派在这里十分盛行，甚至影响到了当时美术活动中心的巴黎。因此尼德兰的艺术家也曾通过法国多少受到了意大利艺术的影响。
总结文艺复兴时期绘画的概况。

（二）文艺复兴时期绘画欣赏
1.文艺复兴初期绘画
（1）《逃亡埃及》乔托（见图5-1-5）。 乔托·迪·邦多纳（1267－1337），意大利文艺复兴时期杰出的雕刻家、画家和建筑师，被认定为意大利文艺复兴时期的开创者，被誉为“欧洲绘画之父”。《圣经》中说，东方三博士得知人类未来的救世主耶稣诞生，即前往耶路撒冷朝拜，以色列希律王得知后甚为恐惧，立即下令将耶稣诞生地的伯利恒地区所有男婴全部杀死，借以灭掉耶稣根除后患。上帝托梦于耶稣义父约瑟，赶快将圣母玛利亚和刚出生的耶稣带往邻国埃及避难，乔托描绘的正是这一情节。
图5-1-5《逃亡埃及》 乔托（1）
在这幅画中乔托完全抛弃了中世纪的清规戒律，画中人物有着健壮而结实的身体，充满世俗的人情意味。从乔托的《逃亡埃及》来看，虽然它的构图布局几乎没有超越中世纪画家的惯例，但在他的画中已看不到金碧辉煌的装饰趣味和飘然若仙的人物罗列了；那坚实的体积，那纵深的空间反映了乔托的绘画与中世纪绘画的明显差异，这种差异的关键并不在于技法，而在于观念。乔托全新的艺术观不但在他的艺术中创造了质朴、清新、庄严、厚重的审美境界，而且为后人提供了一种研究和表达自然的艺术实验方式。自乔托以后，西方艺术家才逐渐地认识到，只有可视的客观物质世界，才是获取真知，取之不尽、用之不竭的重要源泉。
（2）《纳税银》马萨乔（见图5-1-6）。《纳税银》是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式），也是马萨乔的代表作。不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。
图5-1-6《纳税银》 马萨乔
这里丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。
（3）《圣罗马诺之战》乌切罗（见图5-1-7）。乌切罗(1397—1475)，注重写生，善于钻研透视的学问。
图5-1-7《圣罗马诺之战》乌切罗
为了更好地表现真实，他几乎穷尽毕生的精力研究当时还未有人系统深入钻研的透视学，这种孜孜不倦的钻研精神在同时代画家中，他是最突出的。
《圣罗马诺之战》的内容并不具有重大的历史意义，它是佛罗伦萨市与邻邦进行的一种区域性战争的一个场面。
画家借这个题材是要表现他所钻研的复杂的透视关系，如图右侧两骑兵交战时的前后距离，地上丢盔落枪的透视位置，画面左侧集中的骑马人物前后关系，倒在地上的战士的透视缩短形象，背景与近景之间的透视距离，以至连战士的长矛的不同角度都一一被他作为透视的研究对象。
类似《圣罗马诺之战》的画他一共画了三幅，其中有的以长枪的倾斜度来展示透视关系，有的从马的后臀蹶起与其身子的透视比例作了深刻的描摹，目的尽在追求透视法。当然，这样孤立地研究透视，势必存在忽视形象的生动性的缺陷，导致画面真实感的丧失。
《维纳斯诞生》波提切利（见图5-1-8）。波提切利（1444-1510），是意大利文艺复兴早期的佛罗伦萨画派的重要画家，也是佛罗伦萨画派最后一位大师。《维纳斯诞生》是文艺复兴时期画家波提切利的杰作。
图5-1-8《维纳斯诞生》 波提切利
在中世纪严格的思想控制下，希腊、罗马艺术中美丽的维纳斯，被看做“异教的女妖”而遭到焚毁。到了文艺复兴时期，为了冲破思想的禁锢而向往古典文化的意大利市民们，却觉得这个从海里升起来的女神，很像是一个新时代的信使——她把美带到了人间。
2.文艺复兴盛期绘画
（1）《岩间圣母》 达·芬奇（见图5-1-9）。达·芬奇（1452-1519），是意大利文艺复兴美术最杰出的代表人物，也是整个欧洲文艺复兴运动最重要的代表人物之一。恩格斯在赞扬文艺复兴时代的“巨人”时列举的第一个就是他。他作为与时代休戚相关的艺术家，敏锐地感受到这一点，并天才地表现了这一点。他一扫过去肖像画上那郁郁寡欢、像幽灵一般的阴影，绘出了自由明朗的笑容。
图5-1-9《岩间圣母》 达·芬奇
《岩间圣母》是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一名天使在耶稣身后,构成三角形构图，并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，但是表达手法和构图布局皆表明达·芬奇的艺术水平之高深。人物、背景的微妙刻画，烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视、缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。
（2）《蒙娜丽莎》 达·芬奇（见图5-1-10）。《蒙娜丽莎》是达·芬奇在1503—1507年间创作的，它代表达·芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位新兴资产阶级的妇女形象。
画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。
图5-1-10《蒙娜丽莎》 达·芬奇
画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角、唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
（3）《最后的晚餐》达·芬奇（见图5-1-11）。《最后的晚餐》是基督教新约圣经记载的最重要的事件之一，几乎被所有宗教画家描绘过。
图5-1-11《最后的晚餐》 达·芬奇
但在达·芬奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》之前，所有的画家对画面艺术形象的处理都有一个共同的特点：那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面，处在孤立被审判的位置上。这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现，从形象上难以区别善恶。由于达·芬奇对人的形象和心理做过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来，因此，这个老题材在达·芬奇笔下得到了全新的处理。
画家选择的瞬间情节是耶稣得知自己已被弟子犹大出卖，差弟子彼得通知在逾越节的晚上与众弟子聚餐，目的并非吃饭，而是当众揭露叛徒。在耶稣入座后即席说了一句：“你们中间有一个人出卖了我。”说完此话，引起在座的众弟子一阵骚动，每个人对这句话都做出了符合自己个性的反映：有的向老师表白自己的忠诚；有的大感不惑要求追查是谁；有的向长者询问，整个场面陷于不安之中。过去的画家无法表现这一复杂的场面和弟子们各不相同的内心精神活动，唯达·芬奇从现实生活中对各种不同个性人物的观察，获得不同的个性形象，于是在画中塑造了各不相同的人物形象，观赏者可以从自己的生活经验出发，对画中人做出不同的心理分析。
达·芬奇改变了文艺复兴早期对这一题材的传统处理方式，图中人物列为一排，以耶稣为中心，十二门徒分为四组，对称分列两侧，形成了一个穿插变化又相互统一的整体。达·芬奇成功地运用构图和用光等手段，塑造了一系列个性鲜明的人物形象。这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑、人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。它也是人类最优秀的绘画作品之一，它的问世使达·芬奇名扬世界。
图5-1-12《创造亚当》 米开朗基罗
达·芬奇敏锐地抓住蒙娜丽莎一刹那间微笑的表情描绘出她坦然的神态。看她那轻盈的微笑，这种非人工所为的线条和韵味，让人不由得想起“风乍起，吹皱一池春水”的诗句来。
小贴士
（4）《创造亚当》 米开朗基罗（见图5-1-12）。米开朗基罗（1475-1564）和达·芬奇一样也是一位多才多艺的人。
他是雕刻家、画家、建筑师、工程师和诗人。《创造亚当》是米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。由于他在佛罗伦萨的盛名，因此1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务，他当时的心情是悲愤的，不料此壁画后来成为他生平最大的杰作。 这幅画的右上方是一位富有智慧的长者，在天使们的簇拥下，飞向亚当；画的左下角是亚当，他全身裸露，倚躺在一座绿色的小丘上。米开朗基罗在创作这幅画时，对原来的故事情节稍稍作了一些改动，他把原来应由上帝将生命的灵魂吹到亚当身上这一情节改变为上帝将手伸向亚当，以与亚当向上帝伸出的手相接。画面上的亚当似乎刚从睡梦中醒来，抬头望着主神，身体的上半部也由于主神的到来而微微抬了起来，目光中流露出渴望得到智慧和力量的神色，左手正缓缓地伸向主神，几乎就要与主神向他伸出的手相接触，那生命的火花即将要从主神的指尖跳到亚当的指尖。这是创造人类生命最关键的一刹那。
可是那两个指头之间的那么一丁点儿空隙却被米开朗基罗永远地保留下来了。他让观赏者用自己的思维去填补它。在与观赏者交流这一点上，米开朗基罗一直是十分聪明的。
（5）《雅典学院》 拉斐尔（见图5-1-13）。拉斐尔（1483-1520），是意大利文艺复兴兴盛时期与达·芬奇、米开朗基罗齐名的另一位杰出的画家，其作品具有强烈的个性。这幅《雅典学院》是以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题，以古代七种自由艺术——语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。艺术家企图以回忆历史上“黄金时代”的形式，寄托他对美好未来的向往。它的主题思想，就是崇拜希腊精神，追求最高的生活理想，这正是人文主义艺术家自己的夙愿。
图5-1-13《雅典学院》 拉斐尔
图5-1-14《西斯廷圣母》 拉斐尔
（6）《西斯廷圣母》 拉斐尔（见图5-1-14）。《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。这幅祭坛画，被指定装饰在为纪念教皇西斯托斯四世而重建的西斯廷教堂内，故得此名。
画面表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一女，身穿金色锦袍的男性长者乃教皇西斯托斯，他向圣母圣子做出欢迎的姿态。而稍作跪状的年轻女子乃圣母的信徒圣巴巴拉，她虔心垂目，侧脸低头，微露羞怯，表示了对圣母圣子的崇敬和恭顺。
她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享着思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。
圣母的塑造是全画的中心。从天而降的圣母出现在我们的面前，初看丝毫不觉其动，但是当我们注目审视时，仿佛她正向你走来，她年轻美丽的面孔庄重、平和，细看那颤动的双唇，仿佛听到圣母的祝福。在下方的两个小天使睁着大眼仰望圣母的降临，稚气童心跃然画上。据说，这两个小孩是拉斐尔有一天在面包房前看到的，两个孩子曲肘作成天真的样子，拉斐尔敏捷地把他们速写下来，后来加在这幅画上。拉斐尔真是敏捷而又机智，而且也有非常诙谐之处。拉斐尔的这幅名画对美丽与神圣、爱慕与敬仰的把握都恰到好处，显示出高雅、柔媚、和谐、明快的格调，因而使人获得一种清新、纯洁、高尚、升华的精神享受。 　
3.意大利艺术复兴晚期与样式主义绘画
图5-1-15《花神》 提香
（1）《花神》 提香（见图5-1-15）。提香（1490-1576），是威尼斯画派的代表人物。《花神》是提香的代表性作品。花神原为希腊神话中的女神芙罗拉。意大利人把每年的 4月28日至5月3日定为花神节，在节日期间人们欢聚在一起尽情地嬉戏。
人们用各种鲜花来装饰自己和动物，环境也布满花草，集会时有花神出现，往往是手持鲜花的年轻貌美的女子装扮。历来画家都喜爱借用神话中的女神来表现自己的审美理想，传达人性、人情和人爱的思想感情。
这是一幅肖像性很强的主题性绘画，画中是位手持花束的威尼斯美人，整个形象就像盛开的鲜花令人倾慕。据说画中女子是画家当时热恋的情人，画家只是借神话之名，表达自己对情人的爱慕之情。画家以半身肖像构图。画中人转身俯视，目光专注作沉思神态；帕尔米贾尼诺似乎由于转身的动态而使宽松的内衣自然滑落，裸露出丰腴的酥胸；金黄色的秀发披散在圆浑的双肩上，与充满生命的肉体形成对比，使健壮的身体透露出青春活力，整个形象给人以庄重、典雅之感。
（2）《长颈圣母》 帕尔米贾尼诺（见图5-1-16）。帕尔米贾尼诺(1503—1540)是样式主义盛期的代表画家。他原名弗朗西斯科·马卓洛，出生于帕尔玛。最初就色彩华丽，充满温柔与稳定的情趣。画家注重细腻、精致的画面描绘，使得画面具有一种真实感。　　此画中的人体均被拉长，显得过大的圣婴基督卧睡在圣母膝上;画面左边，五个身材修长、相貌端正的少年男女站在圣母身边。
图5-1-16《长颈圣母》
圣母有着长颈和纤细的手指，这种变形的造型令人联想到中世纪拜占庭教堂中的圣母形象，仿佛此画以维纳斯女神为主题。画中圣母怀抱着耶稣，形象充满画面，这种姿态与多年后耶稣殉教时圣母抱着耶稣尸体相似。有趣的是小耶稣光着头，据说耶稣被捕后被剃过光头，这种造型处理，是画家的伏笔，暗示耶稣未来的命运。
（3）《维纳斯、丘比特、愚蠢和时间》 布隆基诺（见图5-1-17）。布隆基诺是样式主义全盛时期的代表人物，他的作品通常有着精致的笔法、无比淡漠的情感、强烈的色彩对比。
《维纳斯、丘比特、愚蠢和时间》是布隆基诺的讽刺力作。画中罗马的爱神维纳斯赤裸着身体，只有一小块薄纱遮盖着身体上的一丁点地方。她和自己的儿子位居画面的正中央，丘比特爱抚着维纳斯。维纳斯神色慵懒地握着她从朱诺和密涅瓦的选美竞赛中赢来的金苹果。与此同时，消瘦的嫉妒之神正在丘比特正后方揪扯着他的头发，掌管肉欲和青春的愚蠢之神在她右边正准备向维纳斯投掷玫瑰花瓣，他和快乐之神分工合作，一手藏着毒刺一手捧着蜜糖。在他们上方，时间之父伸开他巨大的臂膀，正准备去抓住幕布，遮掩这贪婪的一切。象牙般的肉体，主角们被摆在天鹅绒、玫瑰和绿苹果的背景中。色彩的强烈对比有些刺目，显示出无比淡漠的感情。
图5-1-17《维纳斯、丘比特、愚蠢和时间》
布隆基诺
4.其他国家文艺复兴时期绘画
尼德兰的文艺复兴较意大利迟一些，其发展也较缓慢，这是由尼德兰的地理与政治环境所决定的。尼德兰的封建主义思想根深蒂固，旧习俗和宗教观念深入人心。尼德兰先后受法国布甘地公国统治和西班牙武装势力的控制，人民的反封建与反异族压迫的斗争，往往遭到血腥的镇压，而内部新旧势力的对立与形势的复杂性，使这种斗争更带有持久性，由此决定了尼德兰在15~16世纪时期艺术文化发展的曲折与缓慢。15世纪时，尼德兰也受到意大利进步文化的冲击，资本主义生产关系已经发生作用，然而艺术的发展，仍旧受到中世纪世界观的束缚，它与正在形成的人文主义世界观发生着剧烈的矛盾。 　
（1）《根特祭坛画》 凡·埃克兄弟（见图5?1?18）。作为15世纪尼德兰美术的标志，《根特祭坛画》这幅出现在尼德兰文艺复兴初期的艺术巨制，具有一种里程碑的意义。《根特祭坛画》的题材虽来源于宗教，但画家以对现实世界的肯定和赞美的态度，以及对人物的细致和写实的描绘，构成了这幅作品的基调，从而使整个画面充满诗意，并具有无穷艺术魅力。 　
《根特祭坛画》可以称为世界上第一件真正的油画作品，色彩鲜明，辉煌艳丽，经过数百年之后，画面仍然如初，这在当时的确是一种绘画技法上的突进。因此，《根特祭坛画》在绘画史上的意义，远远超出了一般的思想内容和艺术形式处理上的革新和独创，而是开创了整个欧洲绘画的新纪元。
《根特祭坛画》是一种多翼式“开闭形”祭坛组画。
图5-1-18 《根特祭坛画》 凡·埃克兄弟
这幅祭坛画，置放在教堂圣坛的前面，木板组成，由内外共20个画面构成一种折叠式画障。每逢节日的礼拜盛会，祭坛的两翼伴随着音乐旋律被徐徐打开，辉煌夺目的12幅祭坛画便呈现在人们的眼前。
（2）《农民的婚礼》 彼得·勃鲁盖尔（见图5-1-19）。彼得·勃鲁盖尔（1525-1569），是尼德兰文艺复兴时期最后也是最重要的一位画家，他有强烈的爱国思想和资产阶级民主思想，主要体现在对农民劳动和农民生活的歌颂，以及对农村自然景色的赞美方面。
《农民的婚礼》是他表现农民生活的作品中最有名的一幅，它描绘了举办婚礼喜筵时的热闹场面：地点看上去像一个谷仓，墙垛用干草堆成，人们坐在用树干制成的简陋板凳上，围在长方形桌前就餐。然而，面对混乱的场面，勃鲁盖尔仍能凭借他杰出的构图技巧，将它们和谐地组织起来。　
图5-1-19 《农民的婚礼》 彼得·勃鲁盖尔
《农民的婚礼》正面反映了农民平凡而温暖的生活，充满了真挚的情感。为了使图画和农村的简朴气氛相适应，艺术家有意让所有人物的衣着单调一色，明暗大为淡化，甚至将阴影省略。另外画家构图设色的高超技艺同样惊人，他以从餐桌一端斜向展现纵深的形式把众人围聚就餐的情景表现得条理清晰，空间效果非常好，是应用了当时最先进的对角线构图法。墙上仅用一席绿色帘布使得新娘及家主所在位置突出，也使得主题集中，令观赏感到，虽是普通农家的宴席，却洋溢着隆重甚至圣洁的气氛。
（3）《四使徒》 丢勒（见图5-1-20）。阿尔布列希特·丢勒（1470-1528），是德国文艺复兴时期著名的画家，他多才多艺，学识广博，是画家，又是雕刻家、建筑家。和意大利的达·芬奇一样，他也是欧洲文艺复兴时期最伟大的代表人物之一。
图5-1-20《四使徒》 丢勒
油画和中国画最主要的区别是什么？
①使用的材料不同。油画用的是油彩，中国画用的是水墨。 ②透视不同。油画使用的是焦点透视，中国画使用的是散点透视。
小贴士
《四使徒》是丢勒晚年创作中的成功之作，作于1526年，是他当时赠给纽伦堡市参议会的，17世纪下半叶被装饰在市政厅会议室里。这幅画由两块长条画面组成，每块画面为215厘米×76厘米。在这两条画面上，丢勒分别画了耶稣的门徒约翰和彼得、保罗和马可。左图中，年轻俊秀的约翰，内穿浅绿上衣，外披红色的大氅，侧立着，聚精会神地注视着手中的圣经；一旁的年老的彼得也低着他宽大的前额，俯首阅读，彼得手中捧着巨大的金色钥匙，他们显示出温柔、善良的性格。右图中，披着浅色大氅的保罗，一手捧着圣经，一手握着利剑，双目怒视，显示出刚毅的性格，深邃的眼神锐利而逼人；一侧的马可，手握一卷，机警地注视着四周。这两组人物的形象、性格，形成了鲜明的对比。
第二节
外国近现代绘画
一、17~18世纪绘画
(一)概述
盛期文艺复兴之后，由达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔创立的古典典范开始逐渐瓦解，因为他们所达到的艺术高度几乎无后人能及。于是出现了一些画家，他们想要极力模仿和发展他们的风格，并试图在自己的形式语言上有所创新，突出他们的个人特色。可以说，17世纪的欧洲绘画强调打破和谐，主张真实自然的美，他们不再停留在文艺复兴时期绘画所钟爱的宗教题材上，而是以世俗性的人物画、肖像画、静物画等再现世俗生活的安定、富足和享乐。
在意大利，曾受到宗教改革重创的罗马天主教会在反宗教改革旗帜的庇佑下，开始极力宣扬教会的荣耀，四处招兵买马、广纳贤才，只为将罗马变成基督教世界中最美丽的那座城市。在此背景下，繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏伟的巴洛克美术得到蓬勃发展，17世纪的欧洲素有“巴洛克时代”之称。整个17世纪，欧洲的文化艺术中心依然还在意大利，之后逐渐传播到了弗兰德斯、荷兰、西班牙、法国。
18世纪的欧洲，封建制度开始动摇、衰落。1789年，资产阶级大革命爆发，这为资产阶级在欧洲的全面发展打下了根基。然而，封建制度下的王公贵族们虽在政治上日趋腐朽，生活日益堕落，其顽强而又鲜明的审美趣味却在洛可可艺术中得以体现。可以说洛可可艺术是对路易十四时代沉重严谨艺术气氛的反动，集中体现在室内装饰领域，运用轻柔的色彩、精细的曲线表现优雅、轻快而迷人的视觉效果。
欧洲的18世纪也被人们称为“启蒙时代”或“理想时代”。自这个世纪中叶开始，在启蒙主义思想的感召下，为反映新兴资产阶级和广大人民群众的审美理想，一种与洛可可完全相对立的艺术应运而生，这就是新古典主义。而在整个18世纪，全世界文化艺术的中心也已经逐渐完成了从意大利向法国的转移。
（二）名作欣赏
1.《吉普赛女郎》 哈尔斯（见图5-2-1）
哈尔斯佛朗斯·哈尔斯（1580-1660），是17世纪荷兰杰出的肖像画家，是荷兰现实主义画派的奠基人，以流畅奔放的笔触表现了豪爽自信、形神兼备、栩栩如生的人物形象，形成了哈尔斯伟大不朽的独特风格。《吉普赛女郎》是代表作之一。
图5-2-1《吉普赛女郎》
哈尔斯佛朗斯·哈尔斯（1580-1660），是17世纪荷兰杰出的肖像画家，是荷兰现实主义画派的奠基人，以流畅奔放的笔触表现了豪爽自信、形神兼备、栩栩如生的人物形象，形成了哈尔斯伟大不朽的独特风格。《吉普赛女郎》是代表作之一。
在这幅画上，描写的是一个披散着黑发、穿着也比较随便的穷苦的吉普赛姑娘。她敞着领口，脸上露出一丝狡黠的微笑，好像她什么都不在乎，无拘无束。画家采用了明快的大笔触，以加强形象的表现力。在这里，哈尔斯有意给这个女郎的脸上增加了一点红晕。看来她是刚喝了几口酒，呈现出一种兴奋的情绪，正在朝一个画外的人物调笑。这正是这幅具有风俗性的肖像画的特点。评论家认为，哈尔斯的许多肖像作品，与其说是肖像画，不如说是风俗画更恰当些。它简直是市民日常生活的一幅“快照”或一截片断。
此外，哈尔斯的肖像作品一般幅面都比较小，这是为了满足市民家庭生活的需要。而且常常采用半近景构图，以突出人物的面部和身姿，着意刻画人物的内心表情。《吉普赛女郎》正是上述许多特点的集大成者。
2.《夜巡》 伦勃朗（见图5-2-2）
伦勃朗·哈门斯·凡·兰（1606-1669），是荷兰伟大的艺术家，为欧洲现实主义艺术的发展做出了极其重大的贡献，《夜巡》是其代表作之一。《夜巡》是伦勃朗最著名也是给他带来太多麻烦的一幅作品。伦勃朗因为它引起了一场诉讼，在创作和经济上蒙受了巨大损失。
图5-2-2 《夜巡》 伦勃朗
这是当时阿姆斯特丹射击手公会请伦勃朗画的一幅生活群像画。画家没有按传统肖像画的风格逐一画出每个人的肖像，而是描绘了射击手们执行任务前即将出发的情节。画幅中央柯克队长（也有研究者认为这是画家自己）正同他的副手边走边交谈着，其余的人显得相当散乱，左边一组有人在举旗，也有人在擦枪，右边有击鼓的人也有正在准备武器者。为了使画面在内容上协调，画家别出心裁的在一群男人们中间安插了一位看热闹的小姑娘，让她完全沐浴在一束亮光中，显得特别突出。伦勃朗在这幅画中把众多的人物、不同的情绪动态，变化多样的光线、色彩的冷暖、丰富的空间层次等统统进行了恰当的处理，让他们组成了一个和谐的整体。它不是一幅简单的肖像画，而是一幅有意义的风俗画。伦勃朗对光的使用给人留下了深刻的印象。如同他谨慎地使用亮色一样，他也独到地运用明暗。他戏剧性地处理复杂画中的明暗光线，利用光线来强化画中的主要部分，也让暗部去弱化和消融次要的因素。这种魔术般的明暗处理构成了他的情节性绘画中强烈的戏剧性色彩，也形成了伦勃朗绘画的重要特点。
3.《劫夺吕西普斯的女儿》 鲁本斯（见图5-2-3）
《劫夺吕西普斯的女儿》是鲁本斯的主要代表作之一。作品取材于希腊神话：宙斯和丽达所生的孪生兄弟卡斯托耳和波吕克斯，一个善骑，一个善战，英勇无敌，他们共同爱上了迈锡尼王吕西普斯的两个孪生女儿。 画中所描绘的是“抢婚”情节。两匹雄健的高头大马，气势昂扬，以浓重的色调衬托出卡斯托耳和波吕克斯的英勇强悍及两位裸体少女的娇嫩柔媚，是力与美的和谐统一。这是一幅英雄主义的画面，画家通过塑造丰满强健的人体，通过构图复杂而激烈的人物动势，表达了不可抗拒的爱情力量。鲁本斯为了表达这一瞬间“巴洛克式”的情态和动势煞费苦心。
对比一下文艺复兴早期波提切利的《春》或者《维纳斯诞生》，可以发现，希腊题材本身的意义对于画家来说已不再重要了，作品中也不再有那么多象征性的隐喻，他所注意的是肉体与马匹之间的色调对比，关心的是人仰马翻般的激烈的场面。画面本是稳定的方形构图，但是男人、女人、马匹的交错运动却平添了情节上的混乱。两位英雄一位身穿黑色发光的铠甲，一位显示棕红健壮的肉体，而画面中心两位女性的雪白肌肤在他们的衬托下就显得格外刺眼，天蓝的背景、金色的朝霞、枣红的骏马、火红的飘带，所有这一切谱成一曲狂热的色彩交响乐。
图5-2-3《劫夺吕西普斯的女儿》 鲁本斯
左侧爱神的出现使这次抢劫看上去更像是一场受本能驱使的游戏。这就是鲁本斯最大的艺术奥秘，他在安排缤纷的色彩和赋予画面以充沛活力方面具有无与伦比的天赋，其魔法般的技巧能够使所有被描绘的物体都看上去热情欢快、栩栩如生。
4.《教皇英诺森十世》 委拉斯凯兹（见图5-2-4）
委拉斯凯兹，1599年6月6日诞生于塞维利亚城，他从12岁起师从塞维利亚画家佛朗西斯科·帕切科，5年后加入画家行会，开始了独立生涯。
1623年，委拉斯凯兹迁居马德里，他有机会觐见国王腓力四世，并为他作了肖像。国王非常满意，委拉斯凯兹下令把他的其他画像全部从墙上取下来，宣称今后只有委拉斯凯兹才有资格为他画像。进入宫廷后，委拉斯凯兹很快成为欧洲首屈一指的画家。
委拉斯凯兹在1649年第二次去意大利时完成了一幅著名的肖像画《教皇英诺森十世》,在这幅肖像中,画家既表现了此人的凶狠和狡猾,又表现了这个76岁老头子精神上的虚弱。画面上的教皇,尽管脸上流露出一刹那坚强有力的神情,但是他放在椅上的两只手都显得分外软弱无力。画家巧妙地抓住了这一点使人物形象变得更富有个性，从而给观众增加了很多的联想。这幅作品的油画技巧也是十分出色的。画面上，火热的红调子表现了特有的宗教的庄严气氛；白色的法衣和红色的披肩形成了强烈的色彩对比。笔触十分流畅自由,表现出艺术家的高超技巧。
图5-2-4《教皇英诺森十世》
创作此画时，画家刚过50岁，正值创作的盛年，这时的委拉斯凯兹已创造了自己的艺术王国，有了自己的创作特色。他对解剖、造型、色彩的把握在此画中体现得淋漓尽致，以至于人们在这样的作品前很难意识到这只是一张“画”。人们的全部注意力为画家对人性的描绘的深度和广度所吸引，这是绘画史上的奇迹之一。难怪教皇会感到吃惊，他无论如何想象不到，这位西班牙画家竟能在他的善于伪装的外貌上真实地表现出一个以阴谋和狡诈著称的权势人物的内心世界。委拉斯凯兹的力量就在这里。
5.《倒牛奶的女人》 维米尔（见图5-2-5）
绘画巨匠杨·维米尔（1632-1675），对油画的发展有着特殊的贡献。他用亲切而纯朴的画风，描绘着身边平凡的日常生活，被艺术史家称为优秀的风俗画家。最能体现维米尔绘画风格的是著名的《倒牛奶的女人》（亦称《厨娘》），在这幅作品中，闪现着朴实的人性光辉的美。这幅洋溢着勤劳、朴实的人性美的作品中，充分显示着维米尔的绘画天赋。这里展示着一个非常朴素的生活片断，从服装的装束来看，是一位小镇上的普通农家妇女，也是一个朴素平凡的家。在维米尔笔下的这位普通的妇女，没有矫饰，没有做秀，自然而平凡，率真亲和，从她那神情怡然、稳重端庄、朴实无华的形象中，闪现出一种质朴的勤劳安详、善良的人格魅力和平凡的美丽。
《倒牛奶的女人》这幅作品是最具典型的维米尔的光源。以窗户为光源，着意避开阳光直接照射那一刻，选取天光进入厨房内，让阳光慢慢地浸润着厨房里的每件物品，清晰而又迷蒙。这种精心的选择，显示了维米尔在表现光感方面的卓越技巧。真实的空间和强烈的光感，以及每个细节的精致描绘，使人感到特别亲切。
图5-2-5《倒牛奶的女人》 维米尔
6.《蓝衣少年》 庚斯博罗（见图5-2-6）
《蓝衣少年》描绘了一个衣饰华丽的贵族少年形象。庚斯博罗用奔放的笔触，轻灵流畅地把少年那种倜傥风度表达得淋漓尽致，充分发挥了宝石蓝的光色作用。这新颖别致的蓝色调不但没有任何不适之感，反而使人感到出奇制胜。活泼、跳跃的蓝色绸缎，变幻莫测的衣纹、高光，不落俗套的蓝色调与含蓄、变换丰富的黄灰、蓝灰、绿灰、红灰的背景形成了奇妙的和谐对比。这里最成功的地方是，画家用准确的色块再现了少年身上的蓝缎子织物的质感和薄软感。
图5-2-6《蓝衣少年》 庚斯博罗
7.《舟发西苔岛》 华多（见图5?2?7）
《舟发西苔岛》是让·安东尼·华多（1684—1721）的代表作之一。华多出身贫寒，早年为维持生计而拼命卖画，终因操劳过度患肺病在36岁时即英年早逝。
图5-2-7 《舟发西苔岛》 华多
这幅画是其一生的转折点，他先后画了多幅相同或类似题材和构图的画作。这幅画真实地反映了当时宫廷贵族的生活趣味和心理要求，受到上流社会的赞誉，华多也因此博得“风流画家”的雅号并且声望日隆。求画的人络绎不绝，生活也有了极大的改善，但他仍勤奋作画。
《舟发西苔岛》是公认的洛可可绘画的代表作之一。属于爱情题材，灵感来自当时的一部歌剧《三姐妹》。西苔岛是希腊神话中爱神、诗神游乐的地方，传说中的爱神维纳斯居住地。在画中，自然一如既往的绘有梦境般的风景。高大浓密的树丛，远处明亮又朦胧的天空和海，隐约可见的飘扬的船帆，点醒了主题“舟发西苔岛”。画面人物整体由近到远呈曲线布局，犹如时间在流动，使活动中的人物与静谧的风景形成对比，而使画面情节化，具有戏剧意味。
另外，在这幅画中人物衣着华贵，姿态妙曼，举止优雅，色彩亮丽，具有浓厚的装饰风格。这也是这幅画当时受上层人士欢迎的主要原因。但他的画作并不是单纯地讨好上层人士单纯技巧性、华而不实的，而是将美好表面的追求与内在的人性本身的追求统一起来。这是其真正的才华所在。
8. 《荷拉斯兄弟的宣誓》 大卫（见图5-2-8）
《荷拉斯兄弟的宣誓》，作于1784年，正值法国大革命的前夕。它的主题是宣扬英雄主义和刚毅果敢精神，个人感情要服从国家利益。题材取自古罗马的传说：荷拉斯是古罗马的一个家族，当年罗马人曾与比邻的伊特鲁里亚的古利茨人发生战争，但双方的人民却有着亲密的通婚关系。战争延续多年未决胜负，最后决定双方各选派三名勇士进行格斗，以胜败决定罗马城与阿尔贝城的统治权的归属。罗马城选了荷拉斯三兄弟，对方选了居里亚斯三兄弟，但这两组兄弟中却有婚姻关系，小荷拉斯之一的妻子是居里亚斯兄弟的姊妹，小居里亚斯的未婚妻则是小荷拉斯的同胞。
图5-2-8《荷拉斯兄弟的宣誓》 大卫
但荷拉斯不顾女人们的反对为了祖国，决定让三兄弟去格斗。画面正是表现三个兄弟在出发前向宝剑宣誓“不胜利归来，就战死疆场”的场面，老荷拉斯位于画面的正中，他手上的刀剑是这场宣誓激情的焦点。右角是三勇士的母亲、妻儿和姐妹，母亲担心出征凶多吉少而心痛如割，妻子搂着孩子泣不成声，最右侧的一个姊妹，由于她是作战对方的未婚妻，心乱如麻，因为不论胜负，她都将失去自己的亲人。妇女的哭泣与三个勇士的激昂气概，形成鲜明的对照。
为了祖国，必须牺牲个人和家庭的幸福，在这悲壮的戏剧场面上得到了充分的揭示。由于作者以朴实无华的写实风格、精确严谨的构图和英雄式雄浑的笔调进行了描绘，因此这幅画后来成为绘画艺术的典范。
9.《查理四世一家》 戈雅（见图5-2-9）
18世纪的西班牙画坛，产生了杰出画家弗兰西斯柯·戈雅（1746—1828）。他在油画和铜版方面都有重要成就，作品的题材涉及宗教神话、人物肖像、现实斗争等许多方面。《查理四世一家》是其代表作之一。
《查理四世一家》描绘了一个低能昏庸的国王查理四世的一家。在这幅画中，画家采取了现实主义手法如实表现了人在体态上的缺陷、品格上的瑕疵，将现实生活中查理四世的平庸无能和丑陋的外貌与不可一世的骄横性格表现了出来。画中共有14个人，因为欧洲人对13这个数字忌讳，所以在画的左角阴暗处，画家还添画了自己的半身像。画家用富丽堂皇的色彩把画中人物的昏庸虚伪狡诈的本质描绘得淋漓尽致。
图5-2-9《查理四世一家》 戈雅
以上绘画作品中你最喜欢哪一幅？谈谈理由。
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二、19世纪绘画
在整个19世纪中，欧洲是资本主义制度发展最为迅速的地区，这个时期世界美术的重要成就也集中体现在欧洲主要的一些资本主义国家，如英国和法国等。特别是法国，它是西方文化艺术的中心，是西方近代美术主要流派的发源地，也是欧洲近代美术发展的缩影。另外，过去长期在落后状态下的俄罗斯，随着俄国民族解放运动的高涨和批判现实主义文学的繁荣，19世纪时美术也得到了蓬勃的发展，许多具有深刻的思想内容和比较完美的艺术形式的绘画，对苏联的十月革命和以后其他社会主义国家的美术产生了重要影响。因此，这里所选的19世纪的外国美术名作，以法、英、俄三国为主，其中法国是重点。
19世纪的法国是西方美术的中心，出现了浪漫主义、现实主义、印象派等重要流派。英国和其他国家的美术在19世纪也有长足发展，英国的风景画最为出色，俄国以巡回画派为代表批评现实主义绘画的艺术手法影响了20世纪的绘画
（一）法国绘画作品欣赏
1.《贝尔坦像》 安格尔（见图5-2-10）
安格尔(1780—1867)，是新古典主义美术的一位重要代表人物。他是一位杰出的肖像画家，当时由于时代的虚荣心，他并不承认自己是肖像画家。事实上，法国的古典主义绘画在肖像画上有突出的贡献，但那种风格的肖像画一般都把人物画得十分高贵和典雅，而安格尔还增加了一个层次，那就是华丽，这一点在他许多为贵族夫人作的肖像画上是最明显不过的了。尽管安格尔不愿承认自己有肖像画能力，但每当他经济窘迫时，又不得不靠画肖像来缓解自己的困境。安格尔极善于作铅笔肖像，素雅的人物肖像由于线条流畅而简练，形象极富诗意。
图5-2-10 《贝尔坦像》 安格尔
这一幅《贝尔坦像》正是他所画的男子肖像中最精彩的一幅。 面对真实的人物，线的绵密与一丝不苟把他的肖像艺术拓向一个更富陈述性的境界。
2.《自由引导人民》 德拉克洛瓦（见图5-2-11）
德拉克洛瓦（1798—1863），是19世纪法国浪漫主义美术家中最杰出的代表，与法国杰出的批判现实主义作家巴尔扎克和浪漫主义作家雨果是同时代人。《自由引导人民》是其代表作之一。
这幅作品的创作背景是1830年法国的“七月革命”。1830年7月26日，经过第二次复辟的波旁王朝为了增强皇权，宣布解散议会，限制公民的选举权和出版自由。
这激怒了法国人民，他们再一次采取暴力革命，工人、商人、知识分子、城市居民纷纷走上街头，举起枪支和石块，向王宫的壁垒进军。人民进行了三天艰苦的巷战，最终战胜了保皇党人的军队，逼迫国王查理十世退位。
图5-2-11《自由引导人民》 德拉克洛瓦
《自由引导人民》展示了硝烟弥漫的巷战场面，以一个象征自由的女神形象为主体，她高擎三色旗，领导着革命者奋勇前进。画面气势磅礴，色调炽烈，用笔奔放，具有强烈的感染力。画家以奔放的热情歌颂了这次工人、小资产阶级和知识分子参加的革命运动。高举三色旗的象征自由神的妇女形象在这里突出地体现了浪漫主义特征。她健康、有力、坚决、美丽而朴素，正领导着工人、知识分子的革命队伍奋勇前进。强烈的光影所形成的戏剧性效果，与丰富而炽烈的色彩和充满着动力的构图形成了一种强烈、紧张、激昂的气氛，使得这幅画具有生动活泼的激动人心的力量。
3.《梅杜萨之筏》籍里柯（见图5-2-12）
籍里柯（1791—1824），是法国浪漫主义艺术的主要代表。主要作品有《梅杜萨之筏》《受惊的马》等。油画《梅杜萨之筏》使他在美术史上占有重要地位。主要是因为他敢于冲破当时占统治地位的学院派美术对于创作题材的限制，大胆地选择了现实生活中具有政治性的题材，向学院派和新古典主义美术发起挑战。
图5-2-12 《梅杜萨之筏》 籍里柯
《梅杜萨之筏》从画面的构图、光线、色彩到人物的动态表情以及丰富的想象力，都是无与伦比的。 画家以金字塔形的构图，把事件展开在筏上幸存者发现天边船影时的刹那景象，刻画了遇难者的饥渴煎熬、痛苦呻吟等各种情况，画面充满了令人窒息的悲剧气氛，开创了浪漫主义先河。
4.《石工》 库尔贝（见图5-2-13）
库尔贝（1819—1877），是19世纪批判现实主义美术最好的代表。1849年完成的《石工》，是库尔贝的重要代表作，也是现实主义著名代表作之一。在这幅大画面上，画家突出了两个和真人一般大小的石工。一老一少，穿着粗布衣，脚蹬简陋的木底鞋，正在路边凿打和搬运石块。这场景是库尔贝在途中亲见的一幕，石工艰苦的劳动和生活使他震惊了。
1849年11月20日，库尔贝写信给他的朋友说：“我乘了我们的四轮马车到梅齐埃尔附近的圣·但尼宫去。在路上我停下来看了一下两个在路旁打石头的工人。比这更充分地表现出贫困的场面，是不大容易碰见的。”他决心去描绘他们。
图5-2-13《石工》 库尔贝
这幅画虽是在画室里请两位石工充当模特画成的，但它是画家的亲眼感受，他以精确的写实方式，毫不夸张地突出两个石工形体，目的是寄寓形象以贫困、疲惫、听天由命、衰老和希望的思想主题。
5.《孟特芳丹的回忆》 柯罗（见图5-2-14）
这一幅《孟特芳丹的回忆》，是柯罗（1796—1875）晚期最成熟、也是最具代表性的风景杰作之一。孟特芳丹位于巴黎以北桑利斯附近，柯罗当年曾涉足那里，感受过那一片花园景色的美。这幅画就是艺术家对这一美景的回忆。
图5-2-14《孟特芳丹的回忆》 柯罗
画面展开在湖边森林的一角，晨雾初散，清新的林地与湖面的水汽构成一种温暖湿润的大自然感觉。右侧一棵巨树占去画面约五分之三，对面一棵小枯树与它相呼应，加强了画面的平衡感。树枝朝着一个方向倾斜，显得和谐而富有节奏。两树的中间显现平静如镜的湖面。和煦的阳光从树叶间散落到草地上，点醒了四处绽开的红色小花。一个穿红裙的妇女面朝着左侧的那棵小树，仰着头举起双手采摘着树干上的草蕈。在整幅画上，这三个人物显得生意盎然。画家虽把他们都处理在一边，但却疏密有致。柯罗画风景，常常喜欢在前景画上几棵柔弱斜倚的树枝，来加重画面的抒情性。
6.《拾穗者》 米勒（见图5-2-15）
让·弗朗索瓦·米勒（1814—1875），是19世纪法国最杰出的以表现农民题材而著称的现实主义画家。他创作的作品以描绘农民的劳动和生活为主，具有浓郁的农村生活气息。他用新鲜的眼光去观察自然，反对当时学院派一些人认为高贵的绘画必须表现高贵人物的错误观念。
图5-2-15《拾穗者》 米勒
《拾穗者》便是最能够代表米勒风格的一件作品，这是一幅十分真实的、亲切美丽而又给人以丰富联想的农村劳动生活的图画。整个作品的手法极为简洁朴实，晴朗的天空和金黄色的麦地显得十分和谐，丰富的色彩统一于柔和的调子之中，它像米勒的其他代表作一样，
丰富的色彩统一于柔和的调子之中，它像米勒的其他代表作一样，虽然所画的内容通俗易懂，简明单纯，但又绝不是平庸浅薄，一览无余，而是寓意深长，发人深思，这是米勒艺术的重要特色。
7．《日出·印象》 莫奈（见图5-2-16）
《印象·日出》表现的是画家对所看到的“日出水面”这一转瞬即逝景象的感受和印象。画中表现的是在天水一色的朦胧晨雾中，一轮红日冉冉升起，水中的船和岸上的景物用蓝绿色彩轻松地勾画出来，整个画面的一切物体都融成一片。
图5-2-16《日出·印象》
该画是印象主义绘画的开山之作, 它标志着印象派绘画的产生，迅速成为一个风靡全球、影响深远的世界性画派。它强调自然界的光和色, 把光与色的变化作为绘画的主流。莫奈被认为是第一个采用外光技法进行绘画的印象派大师。
8．《舞台上的舞女》 德加（见图5-2-１7）
《舞台上的舞女》是德加描绘芭蕾舞女的作品中最出色的一幅。
莫奈是印象派的领袖人物。1874年由他发起组织了首届印象派画展，他的油画《印象·日出》在展览中引起反响，从而使“印象派”这一名称正式出现。印象派又称为“外光派”，是西方绘画史中的重要艺术流派。
小贴士
图5-2-１7《舞台上的舞女》 德加　　
这幅画采用了鸟瞰式的构图，居高临下给人提供了一个新的视角，使画面增强了纵深感。这种构图是欧洲传统绘画中所不常见的。德加研究过日本浮世版画，这种不对称平衡法的构图，可看出东方艺术对他的影响。作品不但以新颖的构图和艳丽明快的色彩，给人以深刻的印象，而且可以清楚地看到德加过硬的写实能力。众所周知，舞蹈之美在于动作，这动作又在飞逝之中。如何及时而又准确地把握住并描绘出这种飞逝中的美，这是需要极其深厚的艺术功底的。而德加则出色地做到了这一点，他用“静”给我们留下了“动”的美。加上灿烂的色彩和富有表现力的构图，使这一作品在内容与形式的结合上，达到了高度的统一，给人以强烈的美感。
9.《苹果·筐·静物》 塞尚（见图5-2-18）
保罗·塞尚（1839—1906），原为印象派的主要成员之一，但不久就脱离了印象派，虽然如此，他仍是后期印象派的代表人物之一。他认为绘画不能仅仅去模仿客观世界而要更多地表达画家对客观事物的主观感受。他的代表作为《苹果·筐·静物》。
在《苹果·筐·静物》以及其他许多静物中，塞尚在表现上所获得的成功甚至超过了巴尔扎克的言语描述。对于塞尚来说，如同其他的前辈和后辈艺术家一样，静物的魅力显然在于它所涉及的主题，也像风景或被画者那样是可以刻画和能够掌握的。塞尚仔细地安排了倾斜的苹果篮子和酒瓶，把另外一些苹果随便地散落在桌布形成的山峰之间，将盛有糕点的盘子放在桌子后部，垂直地看也是桌子的一个顶点，在做完这些之后，他只是看个不停，一直看到所有这些要素相互之间开始形成某种关系为止，这些关系就是最后的绘画基础。
图5-2-18《苹果·筐·静物》 塞尚
10.《向日葵》 凡·高（见图5-2-19）
凡·高（1853—1890），是一位生活在法国的荷兰画家，具有强烈的个性和坎坷的人生经历，因此，他的艺术语言既有奔放而热烈的狂躁情绪，也有孤独和抑郁的悲剧意识。他特别强调在绘画中表现人的感情与精神，他对色彩和线条有内在的敏悟。
图5-2-19《向日葵》 凡·高
凡·高最有名的作品无疑是这幅《向日葵》。他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他爱用向日葵来布置他在阿尔的房间。他曾说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的或调和的铬黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。”凡·高确实做到了让阿尔八月阳光的色彩在画面上大放光芒，这些色彩炽热的阳光，发自内心虔诚的敬神情感。
凡·高作画时,怀着极狂热的冲动,追逐着猛烈的即兴而作,这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,是那样艳丽、华美,同时又是和谐、优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气，凡·高笔下的向日葵不仅仅是植物，而且是带有原始冲动和热情的生命体。
（二）欧洲其他国家绘画作品欣赏
1.《战舰归航》 特纳（见图5-2-20）
特纳（1775—1851），是著名的英国风景画家，是19世纪上半叶英国学院派画家的代表，与约翰·康斯特布尔并称为“真正使英国风景画摆脱荷兰、法国或意大利绘画影响而走上自己独立道路的两个人”。特纳以善于描绘光与空气的微妙关系而闻名于世。他在艺术史上的特殊贡献是把风景画与历史画、肖像画摆到了同等的地位。特纳10岁时已表现出绘画才能，24岁时因他在艺术上的突出成就，被英国皇家艺术学会破格接纳为最年轻的会员。他曾走遍意大利，最后才专心去描绘大海的光色和空气的变化。
他悉心研究海上光的强度、云彩和风雨的活动。在色彩上，他创造了一种具有浪漫主义感情的特殊手法、创新色彩，这对后来英、法两国的印象主义运动有很大的促进作用。特纳自己曾说，描绘自然需要准确的观察力，他的绘画是他视觉经验的准确体现，而视觉经验正是他长期细致观察大自然的结果。特纳被公认为英国绘画史上最杰出的天才之一。
图5-2-20《战舰归航》 特纳
油画《战舰归航》是他的代表作之一，作品描绘了一艘过去曾屡建战功的帆船战舰“特米雷勒号”，正被一艘使用新发明的蒸汽机轮船拖回码头拆卸的情景，侧面表现了工业革命给英国带来的变化。特纳在这一作品中着重表现的是夕阳西下时海上光色变化和冷暖色调的强烈对比，体现了他对色彩变化的特别关注和鲜明的艺术特色。
特纳喜欢画夕阳西下的海景。在这幅画中，落日的余晖照耀着天空、覆盖着海面，战舰昔日的雄姿不减，可是夕阳无限好，毕竟是黄昏，临近的将是一片黑暗。画面的气氛和战舰的命运是一致的，它那苍老的雄姿，在画面上散发出一种悲凉凄婉的气息，此时天海一色，一片宁静，大自然也为这老舰唱挽歌，这是一首悲哀低沉的视觉诗篇。
2.《干草车》 康斯太勃尔（见图5-2-21）19世纪欧洲风景画的真正奠基者是约翰·康斯太勃尔（1776—1837）。他不愧为艺术上勇敢而机智的创新者，为艺术，尤其是风景画艺术，开辟了一个新世界。作为一位卓越的风景大师，在他的祖国却长期鲜为人知。
图5-2-21《干草车》 康斯太勃尔
他被伦敦国家画廊所接受的第一幅作品，是他去世之后由他的朋友捐赠的。即使是无偿捐赠，画廊方面仍再三犹豫，唯恐画家大胆的创新精神会引起麻烦。幸运的是，康斯太勃尔的艺术，在他生前却得到法国公众的重视。一位法国记者根据著名画家籍里柯的评论，劝康斯太勃尔把作品送到巴黎展出。这才使1824年巴黎欧洲名画展上出现了包括《干草车》在内的康斯太勃尔的4幅作品，它们给巴黎的观众留下了深刻的印象。
《干草车》是康斯太勃尔最著名的代表作。在康斯太勃尔的画中，细小色块的并列所形成的对比关系，在不同的距离出现了强烈而统一的色彩，并且产生了振动的效果。德拉克洛瓦曾在日记中这样写道：“康斯太勃尔说他的田野中的绿色的特点是由许多不同的绿色产生的。一般风景画家的绿色的强度所产生的缺点是因为他们只用一种统一的绿色的缘故。他所说的田野中的绿色同样也适用于其他的色调。”这幅画是康斯太勃尔描绘田园风光的代表作品，以他的绚丽而浑厚的色彩，抒情诗般的笔触色调和真实的描绘令人陶醉。从深远透明的云层中透现出来的阳光洒在树梢和绿草地上。近景着重描绘农舍和古树及一条小河流，一辆大车正涉水而过，引得小狗狂吠。
这幅画的天空画得极美，透明滋润，不同色彩的云朵像天鹅绒似的在天际飘浮滚动，清澈的河水中映出美丽的天空、古树和房舍，更加增添了乡村的恬静，整个画面充满阳光，充满农村的生活气息。
康斯太勃尔对自己的创作是这样解释的：“我生来就是为了描绘更幸福的大地——我的古老的英格兰。”正是出于对祖国的爱，才能创作出像《干草车》这样充满感情的作品。他正是以这种清新、自然的风格向僵死的学院派古典主义挑战。
3.《伏尔加河上的纤夫》 列宾（见图5-2-22）
依·叶·列宾（1844—1916），是巡回画派最杰出的代表人物之一。在19世纪80年代初最出色的一幅批判现实主义油画杰作，就是列宾的《伏尔加河上的纤夫》。这幅画完成在他取得公费赴奥地利、法国和意大利考察之前，也是他的民主主义革命思想的最初艺术体现。在这幅画的构图上，列宾利用了沙滩的地形和河湾的转折，使11个纤夫犹如一组雕像，被塑造在一座黄色的、高起的底座上，使这幅画具有宏伟深远的张力，画中的背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤独、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现、情感的烘托起了极大的作用。 　
图5-2-22 《伏尔加河上的纤夫》 列宾
在画面上画家又对伏尔加河的景色进行了巧妙的布局，以狭长的横幅展现这群纤夫的行列。伏尔加河畔阳光酷烈，沙滩荒芜、近景只有埋在沙里的几只破筐作点缀，景色十分凄寂。一队穿着破烂的纤夫在拉着货船，步履是那样的沉重，似乎可以听到压抑低沉的“伏尔加船夫曲”的回声。 因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。 《伏尔加河上的纤夫》所描绘的焦黄的河岸、空蒙的天空、只显露一点蓝色的河水，以及那几个迈着沉重脚步、挣扎在生存边缘的纤夫，影响了几代中国人的美术想象。
4.《近卫军临刑的早晨》 苏里科夫（见图5-2-23）
瓦·伊·苏里科夫（1848—1916），是和列宾具有同样地位的巡回画派的代表人物之一，他将主要精力放在历史画的创作上。1879—1881年，他创作了《近卫军临刑的早晨》，这也是他的成名作。
《近卫军临刑的早晨》取材于１７世纪俄国历史上的一件真事。１６９８年，正当彼得大帝出国访问时，维护封建宗法制度的保守贵族率领近卫军，挟持了彼得大帝的姐姐索菲亚公主发动兵变，意图扼杀彼得大帝实施的资本主义改革。闻讯而归的彼得大帝借助外国势力经过残酷的斗争镇压了这次兵变，并在红场上绞杀了１００余名叛变者。题材已注定的悲剧氛围在苏里科夫的笔下得到了完美的再现。画中里伯拉仁诺大教堂、修道院的穹顶森然挺立。前景左侧，戴铐的近卫军们簇塞一片，有的愤然逼视着右侧骑在马上的彼得大帝，有的低垂了脑袋默默地与送别的亲人相拥；画面中段，行刑人挟制了近卫军官准备送上绞刑架；右侧，表情森严的彼得大帝昂首马上，身边围聚着以缅希科夫为首的支持者。
图5-2-23《近卫军临刑的早晨》 苏里科夫
在一种近乎决然的静默中，两群持不同信念的人对峙着，仿佛他们之间的战斗还在继续，胜者没有为王的大喜，败军也没有为寇的悔过，他们个人的尊严和克制着的情感静默中宣泄着、交流着、对峙着，由此形成看不见却可强烈感受到的画面张力。
5.《松林之晨》 希施金（见图5-2-24）
希施金（1832—1898），是俄罗斯巡回画派在风景画方面的重要代表人物，有“俄罗斯森林的歌手”之称。他画了许多以森林为主要对象的风景画，但并未给人以雷同之感。《松林之晨》是希施金的代表作之一。它揭示了森林中神秘和幽深的意境，使人身临其境。这幅油画，把我们带入一种非常优美的诗意般的境界中：早晨的大森林，朝雾弥漫，金色的阳光透过朝雾射向林间，清新潮润的空气浸润着密林，在这大自然的怀抱中，人们仿佛可以尽情地呼吸到这甘美新鲜的空气，嗅到了青苔的芳香，顿时感到清新凉爽、心旷神怡。巍然挺拔的松树枝叶繁茂，生机勃勃，表现了大自然无限的生机。
在这安谧寂静的环境中，动物世界也充满人性和人情意味，几只活泼可爱的小熊在母熊的带领下，来到林中嬉戏玩耍，它们攀援在一根折断的腐朽的老树上，相互引逗，似乎在练习独立生活的本领，母熊慈爱地看着小熊。它揭示了宇宙万物生生不息的规律，画家完全沉浸在这大自然的诗情之中。
这一生动细节的描绘，使整个画面产生了动静结合的艺术效果，同时，也增强了观者身临其境的真实感。
图5-2-24《松林之晨》 希施金
（一）20世纪绘画概况
20世纪西方社会的发展和科学的进步带来的是人们物质文化生活的巨大变化，紧接着的是人们的思想观念、审美情趣也大大地得到提高。而反映在艺术上的是人们不满足传统美术的形式，他们希望看到一些新鲜的东西，于是也应运而生了这样一批艺术家：他们从事着背离和反叛传统，追求个性，追求差异，体现自我和表现各种哲学或思想理念的艺术活动和艺术作品，而这些艺术作品被人们统称为现代美术。
三、20世纪绘画
1905年诞生的以马蒂斯为代表的野兽派绘画，强调形的单纯化和平面化，追求画面的装饰性。1908年崛起的以布拉克和毕加索为代表的立体派绘画继承了塞尚的造型法则，将自然物象分解成几何块面，从而从根本上挣脱传统绘画的视觉规律和空间概念。
随着德国1905年桥社和1909年蓝骑士社的先后成立，表现主义作为一种重要流派登上画坛，此派绘画注重表现画家的主观精神和内在情感。
1909年在意大利出现了未来主义美术运动，此派画家热衷于利用立体主义分解物体的方法表现活动的物体和运动的感觉。抽象主义的美术作品大约于1910年前后产生，其代表画家有俄罗斯画家康定斯基和荷兰画家蒙德里安，而两人又分别代表着抒情抽象和几何抽象两个方向。
第一次世界大战期间产生的达达主义思潮，此派艺术家不但反对战争、反对权威、反对传统，而且否定艺术自身、否定一切。杜尚将达·芬奇的《蒙娜丽莎》画上胡须，并将小便池作为艺术品，便是达达主义思想的体现。
随着达达主义运动消退，在此基础上出现了超现实主义艺术思潮。此派画家以柏格森的直觉主义、弗洛伊德的精神分析学和梦幻心理学为理论基础，力图展现无意识和潜意识世界。其绘画往往把具体的细节描写与虚构的意境结合在一起，表现梦境和幻觉的景象。代表画家有恩斯特、雷内·马格利特、夏卡尔、达利、胡安·米罗等。
第二次世界大战后在美国产生的以波洛克、德·库宁为代表的抽象表现主义绘画，综合了抽象主义、表现主义的特点，强调画家行动的自由性和自动性。
20世纪50年代初萌发于英国、50年代中期鼎盛于美国的波普艺术，继承了达达主义精神，作品中大量利用废弃物、商品招贴、电影广告和各种报刊图片作拼贴组合，故又有新达达主义的称号。代表人物有美国画家约翰斯、劳生柏、安迪·沃荷等。
而20世纪70年代兴起的超级写实主义（或称照相写实主义）运动，其主要特征是利用摄影成果，进行客观的复制和逼真的描绘。代表画家有克洛斯、佩尔斯坦；雕塑家中，安德烈、汉森最为著名。除上述之外，可以归入现代艺术范畴的还有偶发艺术、大地艺术等。其许多艺术活动已经超出了美术的范围。
（二）20世纪绘画欣赏
1.《舞蹈》 马蒂斯（见图5-2-25）
《舞蹈》创作于1909—1910年，马蒂斯在创作时，把模特儿带到地中海岸边，他认为这件作品跟地中海给他的喜悦情绪紧密相连，画中背景的蓝色，寓意着仲夏八月南方蔚蓝的天空，一大片绿色让人想起翠的绿地，人物的朱砂色则象征着地中海人健康的棕色身体。在这幅狂野奔放的画面上，舞蹈者似乎被某种粗犷而原始的强大节奏所控制，他们手拉着手围成一个圆圈，扭动着身躯，四肢疯狂地舞动着。伴着“舞蹈”的表现，野兽派艺术的精华已是显露无遗。
野兽派诞生于1905年，这一名称源于评论界对秋季沙龙展中一些年轻画家的嘲讽。这批年轻的画家的作品，以鲜明而强烈的色彩、扭曲而夸张形象、狂放而粗野的笔触引起了不少的风波。
图5-2-25《舞蹈》 马蒂斯
小贴士
2.《呐喊》 蒙克（见图5-2-26）
《呐喊》是挪威画家爱德华·蒙克1893年的作品，这幅画是表现主义绘画著名的作品。在这幅画上，蒙克以极度夸张的笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情，表现得淋漓尽致。蒙克自己曾叙述了这幅画的由来：“一天晚上我沿着小路漫步——路的一边是城市，另一边在我的下方是峡湾。我又累又病，停步朝峡湾那一边眺望——太阳正落山——云被染得红红的，像血一样。我感到一声刺耳的尖叫穿过天地间；我仿佛可以听到这一尖叫的声音。我画下了这幅画——画了那些像真的血一样的云。——那些色彩在尖叫——这就是‘生命组画’中的这幅《呐喊》。”
图5-2-26《呐喊》 蒙克
3.《格尔尼卡》 毕加索（见图5-2-27）
油画《格尔尼卡》，是立体主义的领导人毕加索作于20世纪30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作的，是表现战争题材且具有纪念意义的作品。画中表现的是1935年纳粹德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨，画中线条扭曲着、膨胀着，激情在奔腾驰骋。
图5-2-27《格尔尼卡》 毕加索
油画《格尔尼卡》，是立体主义的领导人毕加索作于20世纪30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作的，是表现战争题材且具有纪念意义的作品。画中表现的是1935年纳粹德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨，画中线条扭曲着、膨胀着，激情在奔腾驰骋。 　　
画中的诸多图像反映了画家对于传统绘画因素的吸收。那个怀抱死去孩子的母亲图像，似乎是源自哀悼基督的圣母像传统；手持油灯的女人，使人联想起自由女神像的造型；那个高举双手仰天惊呼的形象，与戈雅画中爱国者就义的身姿不无相似之处；而那个张臂倒地的士兵形象，则似乎与意大利文艺复兴早期某些战争画中的形象有着姻亲关系。由此可以看出，毕加索不仅是一位富于叛逆精神的大胆创新者，同时也是一位尊崇和精通传统的艺术家。
乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得十分随意，我们甚至会觉得它有些杂乱。这似乎与轰炸时居民四散奔逃、惊恐万状的混乱气氛相一致。
然而，当我们细察此画，却发现在这长条形的画面空间里，所有形体与图像的安排都是经过了精细的构思与推敲，而有着严整统一的秩序。虽然诸多形象皆富于动感，可是它们的组构形式却明显流露出某种古典意味。我们看见，在画面正中央，不同的亮色图像互相交叠，构成了一个等腰三角形；三角形的中轴，恰好将整幅长条形画面均分为两个正方形。而画面左右两端的图像又是那样的相互平衡。可以说，这种所谓金字塔式的构图与达·芬奇《最后的晚餐》的构图有着某种相似的特质。
4.《记忆的永恒》 达利（见图5-2-28）
作于1931年的油画《记忆的永恒》典型地体现了达利早期的超现实主义画风。画面展现的是一片空旷的海滩，海滩上躺着一只似马非马的怪物，它的前部又像是一个只有眼睫毛、鼻子和舌头荒诞地组合在一起的人头残部。怪物的一旁有一个平台，平台上长着一棵枯死的树。而最令人惊奇的是出现在这幅画中的好几只钟表都变成了柔软的有延展性的东西，它们显得软塌塌的，或挂在树枝上，或搭在平台上，或披在怪物的背上，好像这些用金属、玻璃等坚硬物质制成的钟表在太久的时间中已经疲惫不堪了，于是都松垮下来。达利承认自己在《记忆的永恒》这幅画中表现了一种由弗洛伊德所揭示的个人梦境与幻觉。
是自己不加选择，并且尽可能精密地记下自己的下意识、自己的梦的每一个意念的结果。而为了寻找这种超现实的幻觉，他曾去精神病院了解患病人的意识，认为他们的言论和行动往往是一种潜意识世界的最真诚的反映。达利运用他那熟练的技巧精心刻画那些离奇的形象和细节，
图5-2-28 《记忆的永恒》 达利
创造了一种引起幻觉的真实感，令观众看到一个在现实生活中根本看不到的离奇而有趣的景象，体验一下精神病人式的对现实世界秩序的解脱，这也许是超现实主义绘画的真正的魅力所在。而达利的这种将幻觉的意象与魔幻的现实主义作对比的手法，更使得他的画在所有超现实主义作品中最广为人知。
5.《鱼的循环》 克利（见图5-2-29）
克利出身于瑞士伯尔尼郊区一位音乐教师家庭。克利自幼爱好文艺，中学时就写过小说、作过诗，还是业余小提琴手。
图5-2-29 《鱼的循环》 克利保罗
19岁时进入慕尼黑库列尔的画室学习绘画，21岁考入慕尼黑美术学院，在丘特维克的画室与康定斯基是同学。20世纪初年克利广游意大利考察文艺复兴艺术，因此他对古典艺术了解甚深。1905年来到巴黎对印象派推崇备至，次年迁居慕尼黑于1912年参加“青骑士”团体。
大战爆发后应征入伍，直到大战结束开始作画，之后应聘包豪斯学院任教，希特勒执政后被驱逐出境又回到故乡，逝于洛迦诺。
克利的艺术是一个复杂的文化现象，他那变化多端的艺术语言令人眼花缭乱、捉摸不定。这是因为他的思想总是在现实与幻想、听觉与视觉、具象与抽象之间自由往来，因此人们视他为超现实主义画家。在他的笔下，形体、线条和色块的组合，时而从某种观念的符号，时而从童稚的天真想象，时而从客观形态本身的节奏，时而从化着乐曲的声音世界里跳跃出来，克利总是敏锐地把握着奇妙的图画。
不管怎么看克利所使用的艺术语言，或具象形象或抽象符号，都是来自他对客观事物的感受，是从客观形态的认识中提炼加工而成的。在创作过程中，画家自身各种素质起了作用，他企图运用创造的语言表现自己的思想情感。
在这幅画中所描绘的既有具象又有抽象的形象和符号，都有象征和暗示的意义。画的主题是表示对亡友马尔克和马克战死的纪念。画中的十字架代表上帝，水草和花象征马克，几何花纹是马尔克，而蓝色盘中的鱼代表着克利在那不勒斯，代表死亡的黑色背景显出深沉的思念之情。
6.《网之外》 波洛克（见图5-2-30）
“行动绘画”是20世纪40年代中期出现在纽约，也称“抽象表现主义”“塔希主义”，５０年代风靡美国画坛并波及欧洲。行动绘画的名称来自美国评论家罗森伯格在1952年对这种风格批评时提出的，它是无形式的、即兴的、动感的、有生命力的、技巧自由的艺术，是用来刺激观察力，而非满足传统艺术欣赏的趣味性。抽象表现主义豪放、粗犷、自由的画风，反映美国人崇尚自由、勇于创新的精神，却也隐含现代人内心焦虑和苦闷的悲剧情调。
图5-2-30《网之外》 波洛克
波洛克的作品《网之外》是美国抽象主义绘画中的“行动绘画”作品中的名作。他在画布上滴溅色彩的方法，创造了绘画活动与下意识活动相结合的新途径。在这幅作品中，波洛克的滴溅色彩是在总体构思的选择机能中的无意识行为，大面积的滴溅，构成了一种总体均衡的美，展示出不同质的流动与趋势，富有由个性所支配的合奏性，体现出流动的和谐和自然激情的魅力。
7.《玛丽莲·梦露》 沃霍尔（见图5-2-31）
图5-2-31《玛丽莲·梦露》 沃霍尔波普艺术又称为“流行艺术”，这些艺术家以流行的商业文化形象和都市生活中的日常之物为题材，比如废弃的啤酒罐、广告画、明星照以及商标、卡通漫画等作为对象，采用重复拼贴，或者大幅度的丝网印刷等方式进行常做的流行艺术。
图5-2-31《玛丽莲·梦露》
在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是安迪·沃霍尔，他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。1962年他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。他的绘画图式几乎千篇一律。
他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及玛丽莲·梦露头像等，作为基本元素在画上重复排列。
他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。
活动体验
1.与同学们找一幅外国经典的绘画作品，就其艺术风格和表现手法写一篇鉴赏文章，并相互讨论。
2.简介巴洛克美术的一位重要画家，并谈谈他的艺术特色。
波普艺术是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，波普艺术20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了第二次世界大战战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。 波普为“popular”的缩写,意即流行艺术、通俗艺术。波普艺术一词最早出现于1952—1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创、批评家阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不但要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品，这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有保罗齐、蒂尔森、霍克尼、基塔依、史密斯、琼斯。
　　美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼贴组合，故又有新达达主义的称号。
美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者是约翰斯和劳申伯格，影响最大的艺术家是沃霍尔、戴恩、利希滕斯坦、奥尔登伯格、韦塞尔曼、罗森奎斯特和雕塑家西格尔。(共51张PPT)
6
第
单元
外国雕塑艺术赏析
艺
术
欣
赏
外国雕塑门类众多，风格各异，包括埃及雕塑、欧洲雕塑和伊斯兰雕塑，但是主要是以传自于古希腊、古罗马的雕塑为主体，呈现出一种一脉相承的传承性。相对而言，原本灿烂的埃及雕塑却在历史发展过程中中断了，只是留下一些古埃及雕塑供后人凭吊。在欧洲雕塑的发展中，涌现出许许多多的雕塑杰作，其艺术风格和表现手法对世界其他各地的雕塑产生了重大的影响。可以说，以欧洲为主体的外国雕塑是世界人民共同的文化遗产和艺术宝库。
单元导读
目标透视
1.了解外国古代雕塑艺术概况，理解雕塑所代表的内涵。
2.能够对外国近现代雕塑艺术作品进行赏析。
情感寄语
这个美国的象征是世界著名雕像之一。这尊铜像的选型，是按照希腊神话中女神的美丽形象建造的。女神头上戴着额箍，右手高举火炬，左手拿着《独立宣言》，面容端庄而慈祥。女神像高46.5米，连同它的基座有93米高。女神像是用2.4厘米厚的铜板一部分一部分铸成的。基座底部是一个博物馆，参观的人可以进到铜像里面直到女神头部顶端，那儿可以容纳30多人，能通过玻璃窗俯视纽约的全景。你生活的周围有雕塑艺术作品吗？谈谈对雕塑作品的感受。
第一节
外国古代雕塑
（一）古埃及雕塑
作为人类文明重要发祥地之一的古埃及，在雕塑艺术上曾结出了丰硕的果实。埃及雕塑是为法老政权和少数奴隶主贵族服务的。由于受宗教思想意识支配，严格服从上层社会的审美观点和需要，美术家墨守成规，在圆雕中严格地遵守“正面规”，不论人物站着还是坐着，人体都处在静止中，而且面部表情总是庄严平静地对着观众。立像多数僵直呆立，从头顶经胸腰直到脚跟都在一条垂直线上。直立的男人体，左脚向前，重心落在脚掌上，坐像总是促膝并足地坐着。从表面上看，埃及雕塑似乎是大同小异，但仔细观察一下，就会发现他们的面部各有不同的特点，而且表现得相当细致。
埃及雕塑多以石头、木材、象牙、铜、陶土为材料，巨型雕塑以花岗岩、闪绿石、玄武岩等做材料，一般的雕塑用石灰石、沙石雕成，小型雕塑取材木头或铜，有时部分采用镶嵌工艺完成。埃及雕塑达到如此卓越的成就，是埃及雕塑家经过长期的探索得来的。埃及雕塑在古代世界美术史留下了灿烂的一页。
一、外国古代雕塑艺术概况
（二）古希腊雕塑
古希腊位于欧洲巴尔干半岛南部，包括爱琴海诸岛和小亚细亚沿岸。当时，一些开明的统治者除致力于内政武力外，还提倡发展美术和文艺，在公元前6世纪以后的几百年中，古希腊科学、文学、艺术的名家辈出、成就辉煌，雕塑艺术是这个时期灿烂的文化成果的一个重要方面。
希腊雕塑的题材大部分取自神话或体育竞技。爱琴海上有许多小岛屿，其中巴罗斯岛盛产大理石，为雕塑提供了最好的材料。古希腊人爱好体育，运动员毫不介意地脱掉衣服参加竞赛，在明朗的阳光照耀下，运动家健美的身体得到观众的赞美。因此对男女人体美的欣赏爱好便自然地在古希腊人的心目中培养起来，而雕塑家也很喜欢表现男性或女性健美活泼的各种姿态。
（三）罗马雕塑
罗马雕塑很大程度上是在继承了希腊雕塑遗产的基础上发展起来的。在装饰雕塑、纪念碑雕塑以及塑造裸体方面，罗马的作品都难以和希腊的作品相提并论。但是罗马人在肖像雕塑方面却有独特的贡献，希腊雕塑家追求表现人的所谓类型（美的类型），不是某一个具体人的形象，而罗马雕塑家在肖像作品中首先追求模特外形的逼真，而且注意人物个性的刻画。罗马肖像雕塑特别发达，这与罗马人崇拜祖先遗容的传统风俗是分不开的。希腊裸体雕塑多，特别是男性着衣雕塑较少，而罗马由于僧侣风俗和祭祀礼节的流行，雕塑家较多刻画着衣人物形象。罗马早期雕塑被少数奴隶主、贵族所垄断，当时的雕塑家们雕塑的不少罗马皇帝的形象，是把罗马皇帝当做英雄的统帅来表现的。如梵蒂冈博物馆收藏的一尊《奥古斯都》，表现罗马皇帝手执权杖、正在向部下训话传令的瞬间动作。在《阿格利巴》的肖像中，雕塑家真实地表现了这位具有宏伟气魄、卓越才能和高度文化素养的军事家和政治家的性格。
这段时间的肖像雕塑以写实的风格见长。雕塑家们善于运用夸张、概括的艺术手法，细致地刻画人物，舍去烦琐的东西，加强运动感，使作品给观众留下了深刻的印象。公元2世纪下半叶盛行“情绪肖像”。这类肖像较充分地表现了人物的内在感情和心理状态，表现手法也比过去丰富多了。如为了表现眼球受光明暗的变化，雕塑家在眼球上刻上深浅不等的圈。罗马皇帝卡拉的雕像就是当时的代表作品。
罗马雕塑家除了表现统帅、英雄人物、全家群像、夫妇合像、单人墓碑像外，还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。公元3世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分，它对西方现实主义雕塑的发展做出了杰出的贡献。
（四）中世纪雕塑
历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”，艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺术”，它延续了1 200年左右。在中世纪的欧洲，基督教成为封建统治的有力支柱。因此，欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。中世纪盛期的文化艺术，经历了罗马式时期和哥特式时期。教堂建筑成为当时主要艺术载体，许多优秀雕塑家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。法国的安高莱姆教堂、康城的三圣教堂、德国盖因拉德的圣基列阿教堂中的许多雕塑都具有代表性。
14世纪的法国雕塑中，哥特式艺术反映现实倾向增强，对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调，为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。中世纪的雕塑有精华、有糟粕，许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容，但从艺术遗产的角度来看，当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品，在世界美术史上占有相当重要的位置。
（五）文艺复兴时期雕塑
从15世纪后半叶开始一直到16世纪，文艺复兴文化在欧洲许多国家产生和形成。在欧洲的许多先进国家里，文化艺术达到了高度繁荣，文艺复兴掀起了欧洲文化艺术发展的一个高峰。文艺复兴文化是反对封建宗教的文化，提倡复兴希腊罗马古典文化，起领导作用的是正在形成中的资产阶级。文艺复兴时期的雕塑，继承并发展了希腊、罗马雕塑艺术的传统，使雕塑艺术达到了高度繁荣，文艺复兴时期的著名雕塑家差不多都集中在佛罗伦萨。最先出现的雕塑大师是季培尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。伟大的雕塑家米开朗基罗把这两扇大门赞誉为“天堂之门”。同一个时期的伟大雕塑家还有多那泰罗、委罗齐奥等。而米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕塑艺术发展到了最高峰。他们以写实的手法，用准确的人体解剖学，塑造人物形象，使人的形态有很强的力度感，以雕塑的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。文艺复兴时期的雕塑艺术对后期的雕塑家有极大的影响。
谈谈你对外国古代雕塑艺术的认识。
问题讨论
二、外国古代雕塑艺术名作赏析
1.维林多夫的维纳斯（见图6-1-1）
图6-1-1维林多夫的维纳斯
人类雕塑艺术的历史源远流长，最早甚至可以追溯到旧石器时代。在那时，人类不但已经克服了生存的困难，而且智慧也发展到了足够的水平，可以从社会生活中提炼出艺术。这尊“维林多夫的维纳斯”就是人们所发现的迄今为止最早的雕塑艺术的代表作，这尊小圆雕发现于奥地利摩拉维亚的维林多夫山洞中，距今已有约30 000年的历史了。
这尊雕像头部和四肢雕琢的十分笼统，脸部特征基本忽略，头发均匀地卷曲排列在整个头部上，但胸部突出，腹部宽大，女性特征被强调得极其夸张。人们推测它很可能是当时母系氏族社会崇拜的偶像，表达了早期人类渴望种族繁衍的愿望。同时，它也是旧石器时代母权制社会观念的反映。由于发现于维林多夫山洞中，因此西方美术考古学家们戏称其为“维林多夫的维纳斯”。这尊雕像被公认为是人类雕塑艺术的开端。
2.涅菲尔蒂王后像（见图6-1-2）
图6-1-2涅菲尔蒂王后像
涅菲尔蒂王后雕像的写实技巧极高可达乱真之境，人们很难相信这竟是出自3 500年前奴隶艺术家之手。涅菲尔蒂是十八王朝法老王阿赫那东之妻。史称阿赫那东是勇敢大胆的改革家，他竭力削弱宗教对王权的控制，扩大法老王的世俗权力，这种重世俗人生权利的改革，对艺术创作产生了很大的影响，使艺术减少了神性而充实了生活和生命的气息。正是从这个时期开始，埃及艺术才逐渐摆脱僵化程式，趋向生动活泼的现实主义，涅菲尔蒂雕像就是这个时期的杰出代表。
据说涅菲尔蒂王后在古埃及具有倾城倾国的美貌。雕塑家表现了一个美丽的东方女性的典型，长圆形的面孔，五官端正，线条柔和清秀，修长的颈项，变化微妙的曲线构成庄重、优雅的仪态，体现出埃及人对女性美的理想。为了创造形象的真实感，雕像施加了色彩：浅红色的肤色，浓黑的眉毛和深红的双唇，显得美丽而又雅致。雕塑家十分重视传达人物心灵的眼睛的制作，据史料称该像的眼睛是用铜料镶边，雪花石膏填白，并用下面垫了一块磨光的黑檀木的水晶石做眼球，使双目极富神气，显得非常明媚动人。她那色彩优雅的高冠和胸饰具有极高的工艺装饰性，从这一形象可以见得古埃及文明的程度。
3.纳拉姆辛纪功碑（见图6-1-3）
图6-1-3纳拉姆辛纪功碑
西亚的两河流域，孕育了古代美索不达米亚文明。浮雕艺术在两河流域的各个王国中呈现出不同风貌，而亚述王国的浮雕无疑达到了最高峰。亚述浮雕遵循叙事原则，以宏大的构图和细腻的刻画，铭记了国王的伟大功业和历代王国的兴衰荣辱。写实风格的纳拉姆辛纪功碑朴素而庄严，其构图巧妙，人物安排得当，对国王、侍从和敌人都作了出色的描绘；对体积感的强调和肌肉的夸张表现，赋予浮雕形式以遒劲而蕴藉的张力。
4.受伤的母狮（见图6-1-4）
图6-1-4受伤的母狮
这是亚述帝国时期最精彩的浮雕，是描绘亚述帝国国王巴尼帕狩猎场面的一部分。身中三箭的母狮，满身鲜血淋漓，后半身已经瘫痪在地，似乎已经到了死亡的边缘，但它仍撑起结实的前脚，昂首吼，既痛苦，又不甘心就此倒下去，形象极其悲壮。它突出地体现了亚述帝国的艺术家善于细致入微地刻画形象的高度艺术才能。同时，从这受伤的母狮的形象上，也体现了亚述人顽强、刚毅的性格。
5.阿布辛贝勒神庙雕像（见图6-1-5）
图6-1-5阿布辛贝勒神庙雕像
这是埃及石窟神庙的代表作。原位于尼罗河第一瀑布以南280千米的阿布辛贝勒村，是在尼罗河岸的伊布桑蒲尔悬崖上开凿的。它的入口处高约30米、宽约36米，在削切得很平整的倾斜岩壁的衬托下，耸峙着四尊高20米的摩崖巨像，这是新王国时代法老拉美西斯三世自己的雕像。雕像面向东方，倚山而坐，好像是从山崖中长出来的，它保持着埃及人像雕塑传统的姿势。雕像硕大的身躯与石窟的很小的门洞及其上面的小雕像形成鲜明的对比，显得更加雄伟。
6.狮身人面像（见图6-1-6）
图6-1-6狮身人面像
古埃及的狮身人面像，如同它的金字塔一样，是古埃及法老为了制造人们对统治者的崇拜而建立起来的巨大的人工纪念碑。狮身人面像位于哈佛拉金字塔的旁边，是埃及最大、最古老的室外雕像，它由整块天然岩石雕琢而成。雕像面向东方，高约20米，全身长约73.2米。雕像的面部据说是按照法老哈佛拉的形象雕塑的，原有长长的胡须，身体则雕琢成狮子状。这是因为，古埃及人认为狮子是力量的象征，统治者们总喜欢用狮子来比喻自己。
所以，狮身人面像实际上是法老力量的象征，它是统治者为了制造人们对他的崇拜的产物。从造型上看，狮身人面像的浑圆的头颅和躯体，同它附近的方锥形的金字塔，形成了一种强烈的对比，使吉萨地区由三座主要金字塔所组成的庞大的建筑群更富有变化。
7.《命运三女神》（见图6-1-7）
图6-1-7《命运三女神》
《命运三女神》是描写希腊神话中阿特洛波斯、克罗托和拉切西斯的雕塑，原来位于帕提侬神庙的东山墙，虽然头部都已受到了损坏，但仍然生动地展示了希腊古典时期雕塑艺术所达到的高超的艺术水准，令人叹为观止。三位女神坐着的姿势，是随着墙的三角形趋势而变化的，她们都穿着质地很薄的希腊式宽大长袍，衣褶纤细而又繁复，随着人体的结构起伏，极其生动地体现了鲜明的女性人体曲线，女神们身形优美、饱满而丰腴，使人切实地感受到孕育在她们体内的无限生机和活力。
　 古希腊雕塑十分重视形象的整体不可分割性，人体各部分都充分发挥出造型特性，力求表现形象的内在生命。因此尽管形体残缺，但每一个部分都蕴涵着生命不息的精神，就是说，雕像的残片也是有生命的活物，观赏者可以通过可视部分的动作姿态联想残缺的部分，从而获得完美的审美感受。
8.《萨摩德拉克的胜利女神》（见图6-1-8）
图6-1-8《萨摩德拉克的胜利女神》
这座高3.28米的雕像创作于公元前3世纪，是古希腊的著名雕塑。胜利女神像为德米特里乌斯在一次海战中打败统治着埃及的托勒密而建。1863年从萨姆特拉斯岛的神庙废墟中发掘出来。被后人发现前，这尊雕像一直耸立在萨莫德拉克勒边的悬崖上，面对着茫茫大海。
胜利女神虽是古希腊雕塑常用的题材，但与其他胜利女神雕像有重要的区别。首先，这尊雕像的构思非常新颖，作者将底座制成一艘战舰的船头，胜利女神从天而降，飞立船头，引导着舰队乘风破浪勇往直前。它既符合纪念一场海战胜利的需要，又形象地表达了战斗胜利的主题。其次，作品充分发挥了雕塑立体造型的特点。尽管雕像已失去头与双臂，但不论从哪个角度都能感受到胜利女神展翅欲飞的雄姿。雕像上身呈前倾姿势，静中见动；从侧面看，女神的乳峰为最高点，脸和双翼的波状线构成一个钝三角形，从而加强了前进的态势，体现出了古希腊高超的雕塑艺术。
9.《米洛斯的维纳斯》（见图6-1-9）
图6-1-9《米洛斯的维纳斯》
《米洛斯的维纳斯》是在希腊爱琴海米洛斯岛的山洞里被发现的，并因此而得名。它优美端庄，但无法确定哪位艺术家能有如此身手。几经争论之后，大家一致肯定这座雕像雕塑的是爱与美的女神维纳斯，但对雕像的作者还是难以确定。因为自从公元前4世纪帕拉克西特以来，还从来没有过这么完美的女裸体像。从表情和姿态来看，和帕拉克西特相近，但从人体的比例和人体各部位的和谐程度来看，又和列西普斯相似。
后来，人们在这座雕像的基座上发现了铭文：“美安德罗河畔、安屈克亚的阿历山德罗斯作”。经过专家的解读和确认，认为这座雕像是希腊化时期雕塑家阿历山德罗斯的作品。从铭文的书体看，应当是公元前100年左右的作品。
　　从雕像的整体风格看，美神为椭圆形脸蛋，直鼻梁即俗称的“希腊鼻”，平额，端正的弧形眉，扁桃形的眼睛，发髻刻成有条理的轻波纹样式，神态平静，笑容微露。尽管雕像双臂残缺，但由于年代久远，人们欣赏的心理已产生积淀，断臂反而激发出人们美好的想象，从而增强了人们的欣赏趣味，越发使人觉得它非同一般。
19世纪法国雕塑大师罗丹称《米洛斯的维纳斯》为“古代的神品”，它与《萨摩德拉克的胜利女神》《蒙娜丽莎》被称为法国卢浮宫的三宝。
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10.《掷铁饼者》（见图6-1-10）
图6-1-10《掷铁饼者》
《掷铁饼者》取材于希腊的现实生活中的体育竞技活动，刻画的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间。雕塑选择的铁饼摆回到最高点、即将抛出的一刹那，有着强烈的“引而不发”的吸引力。虽然是一件静止的雕塑，但艺术家把握住了从一种状态转换到另一种状态的关键环节，达到了使人心理上获得“运动感”的效果，成为后世艺术创作的典范。
11.《母狼》（见图6-1-11）
图6-1-11《母狼》
该雕像取材于罗马建城的传说。著名的特洛伊战争结束后，特洛伊王子逃到意大利半岛，建立了阿尔巴城，世代相传；后来，一个名叫努米托耳的国王被其弟阿木留斯推翻，儿子被杀，但他的女儿为战神所爱，生下一对双胞胎罗穆路和瑞穆斯，却被阿木留斯放入篮子中丢入台伯河；这对兄弟后来被一只母狼发现并收留抚养，不久，被牧人发现收养；他们长大以后，杀死仇人，救出外祖父，创建了新的城市；后来罗穆路杀死了瑞穆斯，并以自己的名字命名这座城市为罗马。这尊雕像所刻画的就是曾经哺育了罗马创始人的母狼的形象。
12.《大卫》 多纳泰罗（见图6-1-12）
图6-1-12《大卫》 多纳泰罗
多纳泰罗的《大卫》是文艺复兴时期雕塑领域中重新采用全裸体形式歌颂人体美的优秀作品，它标志着古希腊、古罗马奠定的表现人体美的艺术传统得到了复兴。多纳泰罗创造了一个他理想中的少年，这一雕像以极其逼真的写实手法，表现了《圣经》中曾经杀死巨人的少年英雄。人体体态均匀，姿态优美，体现了文艺复兴时期欧洲美术崇尚写实、追求完美的时代精神。
13. 《大卫》 米开朗基罗（见图6-1-13）
图6-1-13《大卫》 米开朗基罗
米开朗基罗生活在意大利社会动荡的年代，颠沛流离的生活使他对所生活的时代产生了怀疑。痛苦失望之余，他在艺术创作中倾注着自己的思想，同时也在寻找着自己的理想，并创造了一系列如巨人般体格雄伟、坚强勇猛的英雄形象。《大卫》就是这种思想最杰出的代表。
这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。
不仅如此，《大卫》是文艺复兴人文主义思想的具体体现，它对人体的赞美，表面上看是对古希腊艺术的“复兴”，实质上表示着人们已从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人在改造世界中的巨大力量。米开朗基罗在雕塑过程中注入了巨大的热情，塑造出来的不仅仅是一尊雕像，而且是思想解放运动在艺术上得到表达的象征。
14.《摩西》 米开朗基罗（见图6-1-14）
图6-1-14《摩西》 米开朗基罗
《摩西》也是米开朗基罗的代表作之一，是为教皇朱理二世陵墓所创作的最著名的雕像。米开朗基罗之所以选择这一人物，体现了他对古代英雄的崇敬，也寄托了他对新时代英雄的期待，希望意大利能够出现像摩西这样的英雄人物，把正处于分裂状态的祖国统一起来。因此，他塑造的摩西体格健壮，整个身体蕴藏着无穷的精力。
雕塑按其功能，大致还可分为纪念性雕塑、主题性雕塑、装饰性雕塑、功能性雕塑以及陈列性雕塑五种。
小贴士
他头上代表智慧之光的两个角和垂胸的美髯，都是为了突出这个神话般英雄人物的神异与伟大。摩西深沉的眼光与大义凛然的气概，以及右手紧紧地保护着象征“摩西十诫”的石板，意味着他对保卫人民利益的忠诚和信心。雕像对极其复杂的衣纹和质感的处理，以及对摩西面部、双臂肌肉和静脉的刻画，使人完全忘记了这是冰冷的大理石，而是让人感受到一个活生生的血肉之躯，充分显示了米开朗基罗的雕塑技巧，使这一雕像具有一种震撼人心的力量。
第二节
外国近现代雕塑
外国的近现代雕塑，是指17~20世纪末的雕塑，在这400年中，外国雕塑艺术最繁荣的地区是以欧洲为中心的西方世界，其中最突出的是意大利和法国。这个时期的雕塑艺术不仅名家辈出、传世杰作众多，而且流派纷呈、风格各异，尤其是西方现代雕塑与西方传统雕塑在很多的方面存在着很大的差异。可以将外国近现代雕塑分为近代与现代两部分，以理解二者之间的区别和各自取得的成就。
一、外国近代雕塑作品欣赏
　 所谓近代雕塑，是指从17世纪开始直至19世纪末法国最杰出的雕塑家罗丹为止。在这近300年的历史中，西方雕塑艺术中取得了令人瞩目的成就。其中最有代表性的雕塑家和雕塑名作包括意大利雕塑家贝尼尼《阿波罗与达芙妮》、法国雕塑家法尔孔涅的《彼得大帝纪念碑》等杰作。
1.《阿波罗与达芙妮》贝尼尼（见图6-2-1）
图6-2-1《阿波罗与达芙妮》 贝尼尼
希腊神话所述的阿波罗与达芙妮的爱情追逐,是非常吸引人的故事,不少艺术家喜欢在创作中运用这个题材。其中最有名的是乔凡尼·洛伦茨·贝尼尼所刻的雕像。贝尼尼的这件作品是模仿希腊后期的雕塑风格而创作的，戏剧性的情节使雕像深入人心。整个作品的姿态更是无懈可击，无论从哪个角度看，两个人物都如同舞蹈般的优美。
2.《彼得大帝铜像》法尔孔奈（见图6-2-2）
图6-2-2《彼得大帝铜像》 法尔孔奈
彼得大帝铜像位于十二月党人广场上，建成于1782年，是彼得大帝骑马的塑像。这一塑像曾受到伟大的俄国诗人普希金的高度颂扬，写下了他最出名的叙事诗《青铜骑士》。
这尊雕塑强调的是气势和庄严感，具有鲜明的巴洛克风采。法尔孔奈继承了骑马像的古老传统，但对构图的处理显得更为大胆。在这件雕塑上，他放弃了让马匹沉稳地踏在大地上的做法，而是让彼得大帝坐骑的前足凌空腾起，好像要冲破一切阻力勇往直前，在马蹄下有一条被踏死的大蛇，代表了一切阻碍彼得大帝改革维新的守旧派。正如雕像所展示的，体现出令人难忘的艺术效果。从任何方向欣赏这座塑像，都可以强烈地感受到它的艺术魅力。
3.《伏尔泰坐像》 乌东（见图6-2-3）
图6-2-3《伏尔泰坐像》
乌东（1774—1828），是18世纪下半叶法国最著名的雕塑家。早年在皇家美院接受正规技能训练，曾经在罗马学习。他灵活运用古典艺术技法，对人物眼球的雕塑十分独特传神，能使之传达人物心声、思想。乌东曾为当时的进步思想家、政治家、作家、哲学家等作过肖像雕塑，他用现实主义手法把人物性格、气质和内心活动刻画得惟妙惟肖，栩栩如生，赋予雕像以生命和精神，堪称为古典主义向现实主义转变过程中最有特色的雕塑家。
乌东创作的大理石雕像《伏尔泰坐像》，被誉为雕塑史上最杰出的肖像雕塑。伏尔泰是法国伟大的哲学家、戏剧家、社会活动家，他一生猛烈地抨击封建专制和宗教迷信。乌东为了塑造伏尔泰的形象，先后为他作了很多件头像、胸像。而这件坐像开始创作于伏尔泰去世前一年。乌东的这座雕像真实地记录了这位80岁高龄的哲学家的生前形象，同时对他的性格特征进行了深刻、细腻的表现。
4.《马赛曲》 吕德（见图6-2-4）
图6-2-4《马赛曲》 吕德
《马赛曲》是1792年奥国军队武装干涉法国革命时，马赛人民威武雄壮地开赴巴黎战斗时所唱的爱国歌曲。法兰西共和国建立以后，立即被决定用作法国国歌。弗朗索瓦·吕德借用这一曲名作为浮雕的题名，无疑是要在这座雄伟的凯旋门建筑物上宣传革命，宣传法兰西人民的爱国主义思想，让这一尊浮雕成为象征人民民主思想的纪念碑。
在这件不朽的作品中，雕塑家特别突出地表现了具有革命爱国主义精神的法国人民的特征。雕塑家在这座高浮雕的处理手法上也是巧妙的，他运用了联想和照应的处理手法，通过一面向前迈进、一面伸手向后召唤的自由女神与蓄髯男子的动势，人们自然地会感觉到跟随在他们身后的汹涌澎湃的进军人流，而不是把这种革命热潮局限在少数人身上。由于雕塑家运用照应的手法把人群分为上下两层，女神向前飞跃的形象加强了人群的动势，下面人群中勇敢坚定的英雄形象则回答着女神的热情呼唤，使人感到他们的真实性。艺术家在这里广泛运用了浪漫主义的象征手法，显示了人民气势磅礴的反抗力量。为了保卫祖国，这股战斗的洪流将从墙上冲出，给人以巨大的感染力。 　
5.《思想者》 罗丹（见图6-2-5）
图6-2-5《思想者》 罗丹
《思想者》的创作出自于《地狱之门》，那是为巴黎装饰艺术博物馆而做的大门。罗丹在设计《地狱之门》铜饰浮雕的总体构图时，花了很大的心血塑造了这一尊后来成为他个人艺术的里程碑的圆雕《思想者》，它是被预定放在未完成的《地狱之门》的门顶上的，原来被一些浅浮雕围绕着，这些浮雕是根据但丁的《神曲》而创作的。后来独立出来，放大3 倍。最初罗丹给这尊雕像命名为《诗人》，意在象征着但丁对于地狱中种种罪恶幽灵的思考。为了这个形象，罗丹倾注了巨大的艺术力量。
　 雕像《思想者》，塑造了一个强有力的劳动男子。这个巨人弯着腰，屈着膝，右手托着下颌，默视下面发生的悲剧。他那深沉的目光以及拳头触及嘴唇的姿态，表现出一种极度痛苦的心情。他渴望沉入“绝对”的冥想，努力把那强壮的身体抽缩、弯压成一团。他的肌肉非常紧张，不但在全神贯注地思考，而且沉浸在苦恼之中。他注视着下面所演的悲剧，他同情、爱惜人类，因而不能对那些犯罪的人下最后的判决，所以他怀着极其矛盾的心情，在那深刻的沉思中，体现了伟大诗人但丁内心的苦闷。这种苦闷的内心情感，通过对面部表情和四肢肌肉起伏的艺术处理，生动地表现出来，如那突出的前额和眉弓，使双目凹陷，隐没在暗影之中，增强了苦闷沉思的表情，有如那紧紧收屈的小腿肌腱和痉挛般弯曲的脚趾，有力地传达了这种痛苦的情感。这种表面沉静而隐藏于内的力量更加令人深思。
谈谈罗丹《思想者》的艺术特色。
问题讨论
二、外国现代雕塑艺术欣赏
外国现代雕塑艺术始于19世纪末20世纪初，在西方现代主义思潮的影响下，雕塑艺术与绘画艺术一样发生了根本性变化。西方雕塑家们甚至包括一部分著名画家开始了与传统的雕塑语言完全不同的种种探索，不但使传统的写实雕塑走上抽象化的道路，而且使雕塑这一概念本身变得越来越模糊以致完全难以确定。对雕塑的形式语言和材料的探索，成了雕塑创作最主要的追求。
1.《拉弓的赫拉克勒斯》 布德尔（见图6-2-6）
图6-2-6《拉弓的赫拉克勒斯》
布德尔《拉弓的赫拉克勒斯》铜像，作者埃米尔·安托万·布德尔，创作于1909年。布德尔经常以希腊神话为创作题材，但他不像学院派那样，竭力再现古代雕塑的完美人体造型，而是创作出一个现实的英雄，使他具有现实生活中人的精神和力量，还有人的缺点。 　
赫拉克勒斯是古希腊一个半人半神的英雄，传说他是主神宙斯和人间女子阿尔克墨涅所生。他因为偶然喝到了天后赫拉的乳汁，所以具有超凡的神力。他凭借举世无双的力量在人间惩奸除恶，做了许多好事。他所拿的弓是使他无往不胜的武器，布德尔通过赫拉克勒斯拉弓的动作，来赞美这位英雄的力量之美。
作品以激烈的动感和独特的构图，赋予赫拉克勒斯以现实中的人的精神。他粗壮的双手拉着弯弓，两腿叉开，全身肌肉隆起，显示出一种超人的力量。眼睛圆睁，神情严肃而威严。他一手握弓一手拉弦，整个身体向后用力坐，弓被拉得弯曲，形成一道优美的弧线，仿佛在向世人展示他无与伦比的力量。巨大的弯弓和舒展的四肢，形成简洁、富于动感的构图。可以说，这就是一座纯粹的力量的纪念碑。
　　值得注意的是，这件作品中的英雄赫拉克勒斯并不像古典主义雕塑作品中的英雄那样健美标致，而是像一个纯粹的劳动者，一个实实在在生活中的人，没有经过任何美化加工。这种浓重的现实感使得这件作品更具感染力。
2.《地中海》 马约尔（见图6-2-7）
图6-2-7《地中海》 马约尔
阿里斯蒂德·马约尔（1861—1944），是法国著名雕塑家，是19世纪末与20世纪初相交界时代的一位富有个性的艺术家。同时也是一位善于刻画女性美的艺术家，《地中海》是他用女人体来比喻大自然的一系列雕塑作品之一。这个象征着“地中海”的裸体女子身体健美、四肢粗壮、姿态优美。她右手支持着身体，左手向前托着低垂的头，神态含蓄而安详，如同坐在地中海的海滩上，低头冥想。
作者有意减少了人体身上细小的凹凸面，自然光照上去，明暗起伏很弱，这种大弧度转折的体面，使人体显得皮肤光滑丰腴，充满茁壮的生机，像地中海一样，虽然表面平静但内在里却蕴涵了无限的生命和永无休止的律动。
3.《波嘉尼小姐》 布朗库西（见图6-2-8）
图6-2-8《波嘉尼小姐》 布朗库西
在布朗库西的雕塑中，抽象的形体非常突出。从《波嘉尼小姐》等作品中，可以看到这一点。但是，《波嘉尼小姐》又不完全是抽象的，它包含了许多写实的成分。这件作品既有现代雕塑的简化风格，又表达了肖像的内在性格特征。波嘉尼小姐的形象被最大程度简化了，只剩下头部和两条上臂。布朗库西用鹅蛋脸强调了她的美丽，用大眼睛和双手托腮的姿势来突出这位女画家的妩媚和娇态。
4.《国王与王后》 亨利·摩尔（见图6-2-9）
图6-2-9《国王与王后》 亨利·摩尔
这件作品是亨利·摩尔20世纪50年代初在艺术风格上的一件试验性作品。作品中国王与王后的头部都有一个洞，似眼非眼；面孔十分怪诞，像个面具，似人非人，身体薄且长，呈扁叶状。整个作品简洁明了，没有过多的细部刻画。
作品是亨利·摩尔受英格兰威廉爵士的委托而创作的，并且被他天才地指定放在苏格兰贫瘠的丘陵地带的一片旷野之中。这对童话般的统治者的形象便与悠久的英国历史以及童话式的传统观念联系在一起。他们仿佛从遥远的古代一直端坐到今天，尊严而亲切，静静地伴随着荒原，永远如斯，唤起了人们无限的充满诗意的联想。自然环境的衬托更增加了这尊雕塑意味无穷的历史感与神秘感，这仿佛是向人类原始文明的呼唤，也朦胧地表达了现代人的迷惘与失落。
恐怕，理解这组雕像的线索正在于这个‘王’的头部，那是冠、胡须和颜面的综合体，象征着原始王权和一种动物性的‘潘神’似的气质的混合。‘王’的姿态比起‘后’来显得较为从容和自信，而‘后’则更为端庄，而且带点帝后的自觉。在我开始做雕像的手和脚的时候,有机会使它们做得更为现实,以进一步表达我的想法。我想以此说明人类的温良和原始皇权观念之间的对比关系。”——亨利·摩尔对自己构思的说明。
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5.《莫娜》 安德烈亚（见图6-2-10）
图6-2-10《莫娜》 安德烈亚
《莫娜》是由美国超级写实主义雕塑家约翰·路易斯·德·安德烈亚创作，它是由彩饰聚酯和玻璃纤维制成。
作品中，裸女双眼微闭，垂臂伏身，坐在立方体基座上。整个雕像十分形象，动态自然，造型逼真。作品中的女性皮肤光洁，具有绝对酷似的人体肌肤感，显示出年轻健美的体魄。雕像中的皮肤是用油彩涂绘的，涂法非常细致，考虑到了各个不同的生理部位的肤色变化、挺皱程度以及冷暖与弹性。雕像的皮肤上黏附了细微的人造汗毛，看起来与真人毫厘不差。
安德烈亚擅长于用彩饰聚酯和玻璃纤维塑造女性裸体像，以表达他对人体美、甚至性感美的赞赏。同时，这些作品又在一定程度上反映了笼罩在现代社会中人与人关系上的疏离感。这些在《莫娜》这一作品中，都有一定的反映。
1.通过网络和图书资料查阅关于现代雕塑的资料，了解雕塑艺术的发展历程。
2.就一件外国经典雕塑作品进行赏析，并就其艺术风格写一篇300字左右的赏析性文章。
活动体验
知识拓展
非洲木雕
非洲木雕主要是指热带非洲（也就是西非诸民族）的雕刻。西非雕刻主要是民族传统木雕，有小雕像和面具。炎热的热带气候很容易毁坏木雕，因此先古木雕根本无法保存下来。但是木雕创作手法源远流长，有着古老的传统，呈现出神秘迷人的色彩。
凡是到过非洲的人，无不被非洲的野性所吸引，从威猛高大的非洲狮，到悠然漫步的非洲象，从罕无人迹的非洲荒漠到碧浪滔天的非洲海角，每一处都体现着非洲毫无掩饰的原始魅力。在非洲这块辽阔而神奇的土地上，有着悠久的传统艺术，那是幽玄与瑰丽、粗犷与妩媚的交融。而非洲的雕刻艺术则更具一格，曾在无数人心中激荡并引起思索。毕加索则毫不客气地说，世界上真正的艺术在中国和非洲，而西方根本没有艺术可言。
在非洲不同地区或国家，不同的民族时期，木雕作品所反映的内容是不尽相同的。生活实用品，不大注重社会历史内涵，真正把强烈的社会历史内涵与高度的审美观念结合在一起的木雕，大致有三种。
一是表现神灵的作品。非洲是多民族、多宗教、多文化的多元化社会，多个民族或部落都有自己的神话和历史传说，都有自己崇拜的神灵、先祖和英雄人物。每个民族或部落的艺人总是满怀崇敬之情，尽力把这些神灵、先祖和英雄超凡入圣的形象和气质用刻刀表现出来。
二是反映人们日常生活的作品，诸如男子打猎、女子顶水、母亲哺婴、艺人击鼓、女人歌舞，这些作品贴近现实生活，几乎成为所有非洲国家木雕艺术发展的新趋向。
三是表现野生动物的作品，其中最常见的是狮子、犀牛、大象、长颈鹿、河马、羚羊。大的被刻画得栩栩如生，具有一种独特的活力和美感。
非洲的木雕作品千姿百态，但大多具有共同的艺术特点：
一是具有强烈的节奏和动感；
二是夸张手法的广泛运用；
三是粗犷与细腻的巧妙结合。
多数木雕作品的总体线条趋向粗犷，但人物和动物某些最具传神力的部分，诸如眼睛、耳朵乃至四肢，细节的刻画却又甚为细腻。这种粗与细的巧妙结合，使作品产生源于生活又高于生活的艺术美感。
从雕刻风格上看，热带非洲西部和东部的雕像有很显著的不同。在西部，雕像形象生动而富有想象力；东部的雕像则比较单调死板，千篇一律。例如巴乔克维族、约曾巴族的雕像是写实的，线条具体细腻、生动优美，我们甚至可以看出雕像各自不同的表情神态，而巴科塔族的作品则很程式化，几乎所有的雕像都出于一个模子，表情比较僵化呆滞，占罗族面具的特点是长团脸、尖鼻子，眼睛里蕴涵着一股忧郁的神色。与之相反，布基纳法索的博博族的雕像健美、丰满，蕴涵着活力和生命的气息。(共51张PPT)
7
第
单元
外国建筑艺术赏析
艺
术
欣
赏
一般说来，世界建筑主要包括七大独立的建筑，其中流传最为广泛的是中国建筑、欧洲建筑和伊斯兰建筑三大体系。而其他的建筑体系包括古埃及建筑、古代西亚建筑、古印度建筑以及古代美洲建筑分别因不同的原因而被中断和被同化，影响的时间和范围非常有限。显然，欧洲建筑随着近现代欧洲殖民者的扩张，将其影响带到了全世界各地，成为影响最大的一种建筑体系。欧洲建筑艺术发源于古希腊建筑，在发展过程中形成了异彩纷呈的流派和风格，尤其是多姿多彩的现代建筑艺术流派，极大地丰富了建筑艺术的内涵。
单元导读
目标透视
1.熟悉具有代表性的外国建筑艺术，并对不同建筑的建筑语言进行分析解读。
2.理解不同建筑的特点和社会、文化、宗教等因素之间的关系。
情感寄语
会跳舞的房子是捷克首都布拉格最受争议的后现代结构主义建筑之一， 坐落于沃尔塔瓦河畔。1992年由美国建筑师法兰克· 格里和捷克建筑师米卢尼奇合作设计，于1995年完成。房子造型充满曲线韵律，蜿蜒扭转的双塔就像是两个人相拥而舞，因此被称为“跳舞的房子”。
你周围是否也有非常有特色的建筑？和同学一起交流体会这些建筑的特色。
第一节
外国古代建筑艺术
一、外国古代建筑艺术概况
古代建筑最为发达的地区是埃及、西亚、古希腊、古罗马等，如公元前3000年是埃及古王国鼎盛时期，产生了一大批的巨型建筑，如庞大的金字塔群等。其中大多由于历史的变迁而先后中断，唯独希腊与罗马的建筑文化被继承下来，成为欧洲建筑学系统的渊源。同时伊斯兰建筑也在伊斯兰国家取得了令人瞩目的成就，泰姬陵就是其中的杰出代表。
（一）古希腊建筑
希腊的文化，是欧洲文化的源泉与宝库，古希腊的建筑艺术，则是欧洲建筑艺术的源泉与宝库。因此，谈西方建筑及其风格，就不能不首先谈古希腊的建筑风格。古希腊建筑风格的特点主要是和谐、完美、崇高。而古希腊的神庙建筑则是这些风格特点的集中体现者，也是古希腊，乃至整个欧洲最伟大、最辉煌、影响最深远的建筑。
这些风格特点，在古希腊神庙的各个方面都有鲜明的表现。古希腊的“柱式”，不仅仅是一种建筑部件的形式，而且更准确地说，它是一种建筑规范的风格，这种规范和风格的特点是：追求建筑的檐部（包括额枋、檐壁、檐口）及柱子（柱础、柱身、柱头）的严格和谐的比例和以人为尺度的造型格式。古希腊最典型、最辉煌，也是意味最深长的柱式主要有三种，即陶立克、爱奥尼克和科林斯柱式。这些柱式，不但外在形体直观地显示出和谐、完美、崇高的风格，而且其比例规范也无不显出和谐与完美的风格。
　　在古希腊的建筑中，不但柱式以及以柱式为构图原则的单体神庙建筑生动、鲜明地表现了古希腊建筑和谐、完美、崇高的风格，而且，以神庙为主体的建筑群体，也常常以更为宏伟的构图表现了古希腊建筑的风格特点。
（二）古罗马建筑
古罗马的建筑艺术是古希腊建筑艺术的继承和发展。这种“继承”不仅是从时间先后来说的，而且是从建筑艺术的根本风格来说的。这种根本风格的内容就是人的意识与人的尺度。不过，这种人的意识与人的尺度在古罗马建筑中又有了新的含义，正是这种新的含义，推动了古罗马建筑艺术在古希腊建筑艺术的基础上大踏步前进。如果说，古希腊人崇拜人是通过崇拜“神”来体现的话，那么，古罗马人对人的崇拜，则更倾向于对世俗的、现实的人的崇拜的直接表现。所表现的人的意识，也已从群体转向个体，偏重于对个人的颂扬和物质生活上的享受。正是在这样一种意识的左右下，古罗马的建筑不但借助更为先进的技术手段，发展了古希腊艺术的辉煌成就，而且也将古希腊建筑艺术风格的和谐、完美、崇高的特点，在新的社会、文化背景下，从“神殿”转入世俗，赋予这种风格以崭新的美学趣味和相应的形式特点。
（三）拜占庭建筑
拜占庭原是古希腊的一个城堡，公元395年，显赫一时的罗马帝国分裂为东西两个国家，西罗马的首都仍在当时的罗马，而东罗马则将首都迁至拜占庭，其国家也就顺其迁移被称为拜占庭帝国。拜占庭建筑就是诞生于这一时期的拜占庭帝国的一种建筑文化。
从历史发展的角度来看，拜占庭建筑是在继承古罗马建筑文化的基础上发展起来的，同时，由于地理关系，它又汲取了波斯、两河流域、叙利亚等东方文化，形成了自己的建筑风格，并对后来的俄罗斯的教堂建筑、伊斯兰教的清真寺建筑都产生了积极的影响。
拜占庭建筑的特点：
第一，屋顶造型，普遍使用“穹隆顶”。
第二，整体造型中心突出。在一般的拜占庭建筑中，建筑构图的中心，往往十分突出，那体量既高又大的圆穹顶，往往成为整座建筑的构图中心，围绕这一中心部件，周围又常常有序地设置一些与之协调的小部件。
第三，它创造了把穹顶支承在独立方柱上的结构方法和与之相应的集中式建筑形制。其典型做法是在方形平面的四边发券，在四个券之间砌筑以对角线为直径的穹顶，仿佛一个完整的穹顶在四边被发券切割而成，它的重量完全由四个券承担，从而使内部空间获得了极大的自由。
第四，在色彩的使用上，既注意变化，又注意统一，使建筑内部空间与外部立面显得灿烂夺目。
（四）中世纪哥特式建筑
公元5世纪，随着西罗马帝国的灭亡，欧洲进入了被史学家们称为“中世纪”的时期。此时的欧洲，意识文化与文学艺术一蹶不振，古希腊与古罗马文化的灿烂景观，已成了一个悠远的梦，消失于漫漫的长夜中，唯有宗教文化，特别是基督教文化一枝独秀，不仅成为中世纪精神的象征，也成为中世纪权力的象征。可是就在这块文化的沙漠里，却奇迹般地诞生了一种崭新的建筑文化——哥特式建筑文化，它那奇异、独特的形象，有如冲破天罗地网的雄鹰，不但展示了中世纪物质文化的成就，而且生机焕发地表露了中世纪精神文化的特征，将欧洲的建筑艺术水平提到了一个崭新的高度。从一定意义上讲，哥特式建筑不但是中世纪最伟大的艺术，而且是中世纪唯一具有永恒生命力的艺术。
（五）文艺复兴建筑
　 文艺复兴建筑是欧洲建筑史上继哥特式建筑之后出现的一种建筑风格。15世纪产生于意大利，后传播到欧洲其他地区。意大利文艺复兴建筑在文艺复兴建筑中占有最重要的位置。文艺复兴建筑最明显的特征是扬弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素。
文艺复兴时期的建筑师和艺术家们认为，哥特式建筑是基督教神权统治的象征，而古代希腊和罗马的建筑是非基督教的。他们认为这种古典建筑，特别是古典柱式构图体现着和谐与理性，并同人体美有相通之处，这些正符合文艺复兴运动的人文主义观念。但是意大利文艺复兴时代的建筑师绝不是食古不化的人。虽然有人(如帕拉第奥和维尼奥拉)在著作中为古典柱式制定出严格的规范，不过当时的建筑师，包括帕拉第奥和维尼奥拉本人在内并没有受规范的束缚。
他们一方面采用古典柱式，一方面又灵活变通，大胆创新，甚至将各个地区的建筑风格同古典柱式融合在一起。他们还将文艺复兴时期的许多科学技术上的成果，如力学上的成就、绘画中的透视规律、新的施工机具等运用到建筑创作实践中去。在文艺复兴时期，建筑类型、建筑形制、建筑形式都比以前增多了。建筑师在创作中既体现统一的时代风格，又十分重视表现自己的艺术个性。总之，文艺复兴建筑，特别是意大利文艺复兴建筑，呈现空前繁荣的景象，是世界建筑史上一个大发展和大提高的时期。
意大利以外地区的文艺复兴建筑的形成和延续呈现着复杂、曲折和参差不一的状况。建筑史学界对其他各国文艺复兴建筑的性质和延续时间并无一致的见解。尽管如此，建筑史学界仍然公认，以意大利为中心的文艺复兴建筑，对以后几百年的欧洲及其他许多地区的建筑风格都产生了广泛持久的影响。
二、外国古代建筑名作欣赏
1.胡夫金字塔（见图7-1-1）
图7-1-1胡夫金字塔
塔金字塔，阿拉伯文意为“方锥体”，它是一种方底、尖顶的石砌建筑物，是古代埃及埋葬国王、王后或王室其他成员的陵墓。它既不是金子做的，也不是我们通常所见的宝塔形，是由于它规模宏大，从四面看都呈等腰三角形，很像汉语中的“金”字，故中文形象地把它译为“金字塔”。
埃及迄今发现的金字塔共约80座，其中最大的是以高耸巍峨而居古代世界七大奇观之首的胡夫金字塔。在1889年巴黎埃菲尔铁塔落成前的4 000多年的漫长岁月中，胡夫金字塔一直是世界上最高的建筑物。
谈谈你眼中的金字塔。
问题讨论
胡夫金字塔的4个斜面正对东、南、西、北四方，误差不超过圆弧的3分，底边原长230米，由于塔外层石灰石脱落，现在底边减短为227米，倾角为51°52′。塔原高146．59米，因顶端剥落，现高136．5米，相当于一座40层摩天大楼，塔底面呈正方形。整个金字塔建筑在一块巨大的凸形岩石上，占地约52 900平方米，体积约260万立方米。它的四边正对着东南西北四个方向。塔身表面原有一层磨光的石灰岩贴面，如今已经剥落。入口在北面离地17米高处，通过长甬道与上、中、下三墓室相连，处于皇后墓室与法老墓室之间的甬道高8.5米，宽2.1米，法老墓室有两条通向塔外的通道，室内摆放着盛有木乃伊的石棺，地下墓室可能是存放殉葬品之处。这座金字塔以蔚蓝天空为背景，屹立在一望无际的黄色沙漠上，是千百万奴隶在极其原始的条件下劳动与智慧的结晶。
2.卡纳克神庙（见图7-1-2）
图7-1-2卡纳克神庙
　 卡纳克神庙是底比斯最为古老的庙宇，经很长时间陆续建造起来，由砖墙隔成三部分。其中中间的部分保存得最完好，也是面积最大的一部分，占地约有30公顷。在卡纳克神庙的周围有孔斯神庙和其他小神庙，每个宗教季节仪式从卡纳克神庙开始，到卢克索神庙结束。两者之间有一条一公里长的石板大道，两侧密排着圣羊像，路面夹杂着一些包着金箔或银箔的石板，闪闪发光。
卡纳克神庙因其浩大的规模而扬名世界，它是地球上最大的用柱子支撑的寺庙。形象地说，卡纳克神庙的体量可以装下一个巴黎圣母院，占地超过半个曼哈顿城区。卡纳克神庙的大柱厅，约5 000多平方米，厅内树有134棵石柱，分16行排列，中央两排特别粗大，每根高达21米，直径3.57米，可容纳100个人在上面站立。柱头为开放的纸莎草花。庙内石柱有如原始森林，仅以中部与两旁屋面高差形成的高侧窗采光，被横梁和柱头分去一半后，光线渐次阴暗，形成了法老所需要的“王权神化”的神秘压抑的气氛。这些巨大的形象震撼人心，精神在物质的重量下感到压抑，而这些压抑之感正是崇拜的起始点，这也就是卡纳克神庙艺术构思的基点。
3.雅典卫城（见图7-1-3）
图7-1-3雅典卫城
雅典卫城遗址位于今雅典城西南，建造在海拔150米的石灰岩山冈上，是祭祀雅典守护神雅典娜的神圣地，建筑群建设的总负责人是雕刻家菲迪亚斯。卫城，原意是奴隶主统治者的圣地，古代在此建有神庙，同时又是城市防卫要塞。公元前5世纪，雅典奴隶主民主政治时期，雅典卫城遂成为国家的宗教活动中心，自希腊联合各城邦战胜波斯入侵后，更被视为国家的象征。每逢宗教节日或国家庆典，公民列队上山进行祭神活动。
在希腊古代遗址中，最为有名的当属均建造于雅典黄金时期的雅典卫城。作为古希腊建筑的代表作，雅典卫城达到了古希腊圣地建筑群、庙宇、柱式和雕刻的最高水平。这些古建筑无可非议的堪称人类遗产和建筑精品，在建筑学史上具有重要地位。迄今保存下来的大量的珍贵遗迹，集中展示了希腊的古代文明。
雅典卫城，是世界新七大奇迹之一，也称为雅典的阿克罗波利斯，希腊语为“阿克罗波利斯”，原意为“高处的城市”或“高丘上的城邦”，距今已有3 000年的历史。
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4.帕特农神庙（见图7-1-4）
图7-1-4帕特农神庙
　 在希腊首都雅典卫城坐落的古城堡中心，石灰岩的山冈上耸峙着一座巍峨的长方形建筑物，神庙矗立在卫城的最高点，这就是在世界艺术宝库中著名的帕特农神庙。这座神庙历经2 000多年的沧桑之变，如今庙顶已坍塌，雕像荡然无存，浮雕剥蚀严重，但从巍然屹立的柱廊中，还可以看出神庙当年的风姿。
帕特农神庙是供奉雅典娜女神的最大神殿，帕特农原意为贞女，是雅典娜的别名。此庙不仅规模宏伟，庙内还存放一尊黄金象牙镶嵌的全希腊最高大的雅典娜女神像。它从公元前447年开始兴建，9年后大庙封顶，又用6年之后各项雕刻也告完成,1687年毁于战争，今仅存残迹。
　　帕特农神庙的设计代表了全希腊建筑艺术的最高水平。从外貌看，它气宇非凡，光彩照人，细部加工也精细无比。它在继承传统的基础上又做了许多创新，事无巨细皆精益求精，由此成为古代建筑最伟大的典范之作。它采取八柱的多立克式，东西两面是8根柱子，南北两侧则是17根，东西宽31米，南北长70米。东西两立面（全庙的门面）山墙顶部距离地面19米，也就是说，其立面高与宽的比例为19∶31，接近希腊人喜爱的“黄金分割比”。柱高10.5米，柱底直径近2米，即其高宽比超过了5，比古风时期多利亚柱式通常采用的4∶1的高宽比大了不少，柱身也相应颀长秀挺了一些。这反映了多利亚柱式走向古代规范的总趋势。
5.罗马斗兽场（见图7-1-5）
图7-1-5罗马斗兽场
罗马斗兽场建于公元72—82年间，是古罗马文明的象征，遗址位于意大利首都罗马市中心，它在威尼斯广场的南面，古罗马市场附近。从外观上看，它呈正圆形；俯瞰时，它是椭圆形的。它占地面积约2万平方米，最大直径为188米，最小直径为156米，圆周长527米，围墙高57米。观众席大约有60排座位，逐排升起，分为五区。前面一区是荣誉席，最后两区是下层群众的席位，中间是骑士等地位比较高的公民坐的。荣誉席比“表演区”高5米多，下层观众席位和骑士席位之间也有6米多的高差，社会上层的安全措施很严密。最上一层观众席背靠着外立面的墙，观览条件很好。
斗兽场的看台用三层混凝土制的筒形拱上，每层80个拱，形成三圈不同高度的环形券廊（即拱券支撑起来的走廊），最上层则是50米高的实墙。看台逐层向后退，形成阶梯式坡度。每层的80个拱形成了80个开口，最上面两层则有80个窗洞，观众们入场时就按照自己座位的编号，首先找到自己应从哪个底层拱门入场，然后再沿着楼梯找到自己所在的区域，最后找到自己的位子。整个斗兽场最多可容纳9万人，却因入场设计周到而不会出现拥堵混乱，这种入场的设计即使是今天的大型体育场依然沿用。从功能、规模、技术和艺术风格各方面来看，它都当之无愧是古罗马建筑的代表作之一。
6.圣索菲亚大教堂（见图7-1-6）
图7-1-6圣索菲亚大教堂
拜占庭建筑最光辉的代表是君士坦丁堡的圣索菲亚大教堂，是东正教的中心教堂，是拜占庭帝国极盛时代的纪念碑。圣索菲亚大教堂是集中式的，东西长77米，南北长71米。布局属于以穹隆覆盖的巴西利卡式。
中央穹隆突出，四面体量相仿但有侧重，前面有一个大院子，正南入口有两道门庭，末端有半圆神龛。中央大穹隆，直径32.6米，穹顶离地54.8米，通过帆拱支撑在四个大柱墩上。其横推力由东西两个半穹顶及南北各两个大柱墩来平衡。内部空间丰富多变，穹隆之下，与柱之间，大小空间前后上下相互渗透，穹隆底部密排着一圈40个窗洞，光线射入时形成的幻影，使大穹隆显得轻巧凌空。教堂内部空间曲折多变，饰有金底的彩色玻璃镶嵌画。
7.比萨斜塔（见图7-1-7）
图7-1-7比萨斜塔
意大利比萨斜塔修建于1173年，由著名建筑师那诺·皮萨诺主持修建。它位于罗马市大教堂后面右侧，是比萨城的标志。开始时，塔高设计为100米左右，但动工五六年后，塔身从三层开始倾斜，直到完工还在持续倾斜，在其关闭之前，塔顶已南倾(即塔顶偏离垂直线)3.5米。
　 比萨斜塔毫无疑问是建筑史上的一座重要建筑。在发生严重的倾斜之前，它大胆的圆形建筑设计已经向世人展现了它的独创性。虽然在更早年代的意大利钟塔中，采用圆形地基的设计并不少见，但是，比萨斜塔被认为是独立于这些原型的。在更大程度上，它是在借鉴前人建筑经验的基础上，独立设计并对圆形建筑加以发展，形成了独特的比萨风格。比如，钟塔的圆形设计被认为是为了同一旁的大教堂建筑形成反射而相对应，因此有意地模仿教堂半圆形后殿的曲线设计。更重要的是，钟塔与广场上对圆形结构的强调是相一致的，尤其是在宏伟的、同样是圆形的洗礼堂奠基以后，整个广场更像是有意设计成耶路撒冷复活教堂的现代版本。这种设计正来源于经典的古代建筑。
钟塔的装饰格调继承了大教堂和洗礼堂的经典之作，墙面用大理石或石灰石砌成深浅两种白色带，半露方柱的拱门、拱廊中的雕刻大门、长菱形的花格平顶、拱廊上方的墙面对阳光的照射形成光亮面和遮阴面的强烈反差，给人以钟塔内的圆柱相当沉重的假象。大教堂、洗礼堂和钟塔之间形成了视觉上的连续性。
后来，由于基础不均匀沉降，塔身开始逐年倾斜。但由于结构的合理性和设计施工的高超技艺，塔体本身并未遭到破坏，并一直屹立至今。这就是享誉世界的比萨斜塔。
8.巴黎圣母院（见图7-1-8）
图7-1-8巴黎圣母院
巴黎圣母院是一座哥特式风格的教堂，是古老巴黎的象征。它矗立在塞纳河中西岱岛的东南端，位于整个巴黎城的中心。它的地位、历史价值无与伦比，是历史上最为辉煌的建筑之一。它的正面有一对钟塔，主入口的上部设有巨大的玫瑰窗。在中庭的上方有一个高达百米的尖塔。所有的柱子都挺拔修长，与上部尖尖的拱券连成一气。
中庭又窄又高又长。从外面仰望教堂，那高峻的形体加上顶部耸立的钟塔和尖塔，使人感到一种向蓝天升腾的雄姿。进入教堂的内部，无数的垂直线条引人仰望，数十米高的拱顶在幽暗的光线下隐隐约约，闪闪烁烁，加上宗教的遐想，似乎上面就是天堂。于是，教堂就成了“与上帝对话”的地方。它是欧洲建筑史上一个划时代的标志。圣母院坐东朝西，正面风格独特，结构严谨，看上去十分雄伟庄严。
它被壁柱纵向分隔为三大块，三条装饰带又将它横向划分为三部分，其中，最下面有3个内凹的门洞。门洞上方是所谓的“国王廊”，上有分别代表以色列和犹太国历代国王的28尊雕塑。“长廊”上面为中央部分，两侧为两个巨大的石质中棂窗子，中间一个玫瑰花形的大圆窗，其直径约10米。中央供奉着圣母圣婴，两边立着天使的塑像，两侧立的是亚当和夏娃的塑像。
　　巴黎圣母院是一座石头建筑，在世界建筑史上，被誉为一级由巨大的石头组成的交响乐。虽然这是一幢宗教建筑，但它闪烁着法国人民的智慧，反映了人们对美好生活的追求与向往。
9.泰姬陵（见图7-1-9）
图7-1-9泰姬陵
　　泰姬陵的构思和布局充分体现了伊斯兰建筑艺术庄严肃穆、气势宏伟的特点，整个建筑富于哲理，是一个完美无缺的艺术珍品。这座伊斯兰风格的建筑外形端庄宏伟，无懈可击，寝宫门窗及围屏都用白色大理石镂雕成菱形带花边的小格，墙上用翡翠、水晶、玛瑙、红绿宝石镶嵌着色彩艳丽的藤蔓花朵，体现出非凡的艺术成就。
泰姬陵建造于17世纪印度强大的莫卧儿王朝，是莫卧儿王朝的皇帝沙贾汉为妃嫔蒙泰姬·马哈尔所建的。当时，印度已经吸收了中世纪伊斯兰建筑的辉煌成果，并在几百年时间里进行了完善和发展。
10.吴哥窟（见图7-1-10）
图7-1-10 吴哥窟
吴哥窟又称吴哥寺，位于柬埔寨西北方，其原始意思为“毗湿奴的神殿”，中国古籍称为“桑香佛舍”，它是吴哥古迹中保存得最完好的庙宇。吴哥窟以建筑宏伟与浮雕细致闻名于世，也是世界上最大的庙宇。吴哥窟是高棉古典建筑艺术的高峰，它结合了高棉寺庙建筑学的两个基本的布局：祭坛和回廊。祭坛由三层长方形有回廊环绕须弥台组成，一层比一层高，象征印度神话中位于世界中心的须弥山。在祭坛顶部矗立着按五点梅花式排列的五座宝塔，象征须弥山的五座山峰。寺庙外围环绕一道护城河，象征环绕须弥山的咸海。
吴哥窟的整体布局，从空中可以一目了然：一道明亮如镜的长方形护城河，围绕一个长方形的满是郁郁葱葱树木的绿洲，绿洲有一道寺庙围墙环绕。绿洲正中的建筑乃是吴哥窟寺的印度教式的须弥山金字坛。吴哥窟寺坐东朝西，一道由正西往正东的长堤，横穿护城河，直通寺庙围墙西大门。过西大门，又一条较长的道路，穿过翠绿的草地，直达寺庙的西大门。在金字塔式的寺庙的最高层，可见矗立着五座宝塔，如骰子五点梅花，其中四个宝塔较小，排四隅，一个大宝塔巍然矗立正中，与印度金刚宝座式塔布局相似。但五塔的间距宽阔，宝塔与宝塔之间连接着游廊。此外，须弥山金刚坛的每一层都有回廊环绕，乃是吴哥窟建筑的特色。
台基、回廊、蹬道、宝塔构成吴哥窟错综复杂的建筑群。其布局规模宏大，比例匀称、设计简单庄严，细部装饰瑰丽精致。全部建筑用砂石砌成，石块之间无灰浆或其他黏合剂，靠石块表面形状的规整以及本身的重量彼此结合在一起。吴哥窟没有大的殿堂，石室门道均狭小阴暗，艺术装饰主要集中在建筑外部。
第二节
外国现代建筑艺术
一、外国现代建筑艺术概况
18世纪中期英国工业革命到现在是建筑史上划分的现代建筑的范围。现代建筑在很多方面虽然是承继于近代建筑艺术，但是同样也在许多方面迥异于近代的建筑艺术。主要体现在以下的3个方面。
　　首先是对建筑空间的重视。空间是建筑的主角，因为建筑就是利用一定的物质材料创造供人们进行个人活动的人为空间。建筑就是以它创造的空间满足人们生产和生活的需要。许多现代的优秀的建筑都不同程度地体现了重视内外空间的特点。
　 其次是外国现代建筑的外形灵活多样。这一方面是由于现代社会需要各种不同类型的建筑，如学校、医院、旅馆、商场、剧院、车站、飞机场、音乐厅等；另一方面，也是由于新材料、新结构的应用，以及新的艺术思潮的不断出现，导致大量新型建筑的出现。
谈谈你对外国现代建筑艺术的认识。　
问题讨论
最后是建筑装饰的简化。在西方古典建筑中，建筑装饰是占有相当重要地位的，柱式中的各种雕刻、卷涡、凹槽等都是构成古典建筑优美形象必不可少的艺术形式。随着资本主义工业化的发展，新技术新材料在建筑中的应用，20世纪初有许多的建筑师开始反对装饰，提出要对建筑进行“净化”，甚至认为“装饰就是罪恶”。现代建筑师认为应当从建筑的结构和材料本身去寻求建筑美观的表现要素，而不是靠附加的装饰。这些都使得现代建筑具有了一种独特的魅力，也是我们进行美术欣赏的基础和动力所在。
二、外国现代著名建筑欣赏
1.埃菲尔铁塔（见图7-2-1）
图7-2-1埃菲尔铁塔
埃菲尔铁塔是法国巴黎著名铁塔，坐落在塞纳河南岸马尔斯广场的北端。1887年1月26日动工，1889年5月15日竣工，距今已有100多年的历史了。埃菲尔铁塔有如巴黎圣母院、卢浮宫、凯旋门、香榭丽舍大街一样是巴黎的地标性建筑。如果说巴黎圣母院是古代巴黎的象征，那么，埃菲尔铁塔就是现代巴黎的标志。
1889年适逢法国大革命100周年纪念，法国政府决定隆重庆祝，在巴黎举行一次规模空前的世界博览会，以展示工业技术和文化方面的成就，并建造一座象征法国革命和巴黎的纪念碑。筹委会本来希望建造一所古典式的，有雕像、碑体、园林和庙堂的纪念性群体，但在700多件应征方案里，选中了桥梁工程师居斯塔·埃菲尔的设计：一座象征机器文明、在巴黎任何角落都能望见的巨塔。浪漫的巴黎人给铁塔取了一个美丽的名字——“云中牧女”。以设计人法国著名建筑工程师埃菲尔的名字命名，并在塔下为埃菲尔塑了一座半身铜像。
埃菲尔铁塔是一个钢铁奇迹，塔身为钢架镂空结构，高324米，重10 000吨。有海拔57米、 115米和274米的三层平台可供游览，第四层平台海拔300米，设气象站。顶部架有天线，为巴黎电视中心。从地面到塔顶装有电梯和阶梯，1 711级阶梯。铁塔采用交错式结构，由四条与地面成75度角的、粗大的、带有混凝土水泥台基的铁柱支撑着高耸入云的塔身，内设四部水力升降机（现为电梯）。它使用了1 500多根巨型预制梁架、150万颗铆钉、12 000个钢铁铸件，总重7 000吨，由250个工人花了17个月建成，造价为740万金法郎，每隔7年油漆一次，每次用漆52吨。这一庞然大物显示了资本主义初期工业生产的强大威力，与其说是建筑，不如叫做装配更为恰当。在设计、分解、生产零件、组装到修整过程中，总结出一套科学、经济而有效的方法，同时也显示出法国人异想天开式的浪漫情趣、艺术品位、创新魄力和幽默感。 埃菲尔铁塔代表着当时欧洲正处于古典主义传统向现代主义过渡与转换的特定时期。近年来巴黎市政府对铁塔进行了大的维修。从1985年圣诞节起，铁塔改用碘钨灯照明，夜晚塔身呈现金黄色， 既节省电，也更加美观。
2.流水别墅（见图7-2-2）
图7-2-2流水别墅流
水别墅是现代建筑的杰作之一，它位于美国匹兹堡市郊区的熊溪河畔，由F.L.赖特设计。别墅主人为匹兹堡百货公司老板德国移民考夫曼，故又称考夫曼住宅。
别墅共三层，面积约380平方米，以两层（主入口层）的起居室为中心，其余房间向左右铺展开来，别墅外形强调块体组合，使建筑带有明显的雕塑感。两层巨大的平台高低错落，一层平台向左右延伸，二层平台向前方挑出，几片高耸的片石墙交错着插在平台之间，很有力度。
溪水由平台下怡然流出，建筑与溪水、山石、树木自然地结合在一起，像是由地下生长出来似的。别墅的室内空间处理也堪称典范，室内空间自由延伸，相互穿插；内外空间互相交融，浑然一体。流水别墅在空间的处理、体量的组合及与环境的结合上均取得了极大的成功，为有机建筑理论作了确切的注释，在现代建筑历史上占有重要地位。
3.波士顿汉考克大厦（见图7-2-3）
图7-2-3波士顿汉考克大厦
汉考克大厦由华人设计师贝聿铭设计。贝聿铭生在广东，在上海接受中等教育，1935年赴美接受高等教育，以后长期在美国从事建筑设计，作品多次获奖，如华盛顿国家美术馆东馆等。
作为一位华人建筑师，他从未忽视同中国历史、文化的联系。在建筑创作上，他反对把中国古代建筑的某些结构部分生硬地附加在现代建筑上，主张寻求恰当的途径来表达中国建筑的传统本质，而不是肤浅地因袭过去的形式。20世纪80年代初，他为北京设计的香山饭店，就是上述观点的艺术实践。他设计的波士顿汉考克大厦，共63层，高241米，是波士顿最高的建筑。它的外墙全部用浅蓝色的镜面玻璃，大厦宛如一面巨大的明镜，耸立在城市的中心，阳光在镜面上折射反照，时移景异，变幻无穷，呈现出一派奇妙的景观。这是现代建筑成功地应用玻璃墙的一个范例。
4.萨伏伊别墅（见图7-2-4）
图7-2-4萨伏伊别墅
萨伏伊别墅是现代主义建筑的经典作品之一，位于巴黎近郊的普瓦西，由现代建筑大师勒·柯布西耶于1928年设计，1930年建成。萨伏伊别墅是勒·柯布西耶纯粹主义的杰作，甚至是勒·柯布西耶的作品中最能体现其建筑观点的作品之一。别墅在设计之初，柯布西耶原本的意图是用这种简约的、工业化的方法去建造大量低造价的平民住宅，没想到老百姓还没来得及接受，却让有亿万家产的年轻的萨伏伊女士相中，于是成就了一件伟大的作品，它所表现出的现代建筑原则影响了半个多世纪的建筑走向。
萨伏伊别墅是一个完美的功能美学作品，其基地是位于普瓦西的一片开阔地带，中心略微隆起。地段为12英亩，宅基为矩形，长约22.5米，宽为20米，共3层。底层（柱托的架空层）三面透空，由支柱架起，内有门厅、车库和仆人用房，是由弧形玻璃窗所包围的开敞结构。二层有起居室、卧室、厨房、餐室、屋顶花园和一个半开敞的休息空间。三层为主卧室和屋顶花园，各层之间以螺旋形的楼梯和折形的坡道相连，建筑室内外都没有装饰线脚，用了一些曲线形墙体以增加变化。
　　萨伏伊别墅在设计上与以往的欧洲住宅大异其趣。轮廓简单，像一个白色的方盒子被细柱支起。水平长窗平阔舒展，外墙光洁，无任何装饰，但光影变化丰富。别墅虽然外形简单，但内部空间复杂，如同一个内部精巧镂空的几何体，又好像一架复杂的机器。该建筑采用了钢筋混凝土框架结构，平面和空间布局自由，空间相互穿插，内外彼此贯通，它外观轻巧，空间通透，装修简洁，与造型沉重、空间封闭、装修烦琐的古典豪宅形成了强烈对比。萨伏伊别墅和它的设计思想至今仍激励和影响着无数的建筑师，成为他们设计的源泉，因为它体现了建筑的最本质的特点——一种富有生命力的创造。
5.蓬皮杜艺术与文化中心（见图7-2-5）
图7-2-5蓬皮杜艺术与文化中心
蓬皮杜指法国国立乔治·蓬皮杜艺术与文化中心，位于巴黎博堡大街和历史遗址沼泽区的边缘。该中心由蓬皮杜总统委办，故以其名命名。巴黎的“国立蓬皮杜文化中心”位于著名的拉丁区北侧、塞纳河右岸，是根据法国已故总统蓬皮杜的创意而建立的。它是一座新型的、现代化的知识、艺术与生活相结合的宝库。人们在这里可以通过现代化的技术和手段，吸收知识，欣赏艺术，丰富生活。
蓬皮杜中心建筑物最大的特色，就是外露的钢骨结构以及复杂的管线。建筑兴建后，引起极端的争议，由于一反巴黎的传统风格建筑，许多巴黎市民无法接受，但也有艺文人士大力支持。有人戏称它是“市中心的炼油厂”，这种建筑风格被称为“高技派”风格。 这些外露复杂的管线，其颜色是有规则的。空调管路是蓝色、水管是绿色、电力管路是黄色而自动扶梯是红色。
　“国立蓬皮杜文化中心”不仅内部设计、装修、设备、展品等新颖、独特、具有现代化水平，它的外部结构也同样独到、别致，颇具现代化风韵。这座博物馆一反传统的建筑艺术，将所有柱子、楼梯及以前从不为人所见的管道等一律请出室外，以便腾出空间，便于内部使用。整座大厦看上去犹如一座被五颜六色的管道和钢筋缠绕起来的庞大的化学工厂厂房，在那一条条巨形透明的圆筒管道中，自动电梯忙碌地将参观者迎来送往。当初这座备受非难的“庞大怪物”，今朝已为巴黎人开始接受并渐渐地喜爱起来。如果说卢浮博物馆代表着法兰西的古代文明，那么“国立蓬皮杜文化中心”便是现代化巴黎的象征。
6.悉尼歌剧院（见图7-2-6）
图7-2-6 悉尼歌剧院
悉尼歌剧院位于澳洲悉尼，是20世纪最具特色的建筑之一，也是世界著名的表演艺术中心，已成为悉尼市的标志性建筑。该歌剧院于1973年正式落成，2007年6月28日被联合国教科文组织评为世界文化遗产，该剧院设计者为丹麦设计师约恩·乌松。悉尼歌剧院坐落在悉尼港的便利朗角，其特有的帆造型，加上悉尼港湾大桥，与周围景物相映成趣。
悉尼歌剧院的外观为三组巨大的壳片，耸立在南北长186米、东西最宽处为97米的现浇钢筋混凝土结构的基座上。第一组壳片在地段西侧,四对壳片成串排列,三对朝北,一对朝南,内部是大音乐厅。第二组在地段东侧，与第一组大致平行,形式相同而规模略小，内部是歌剧厅。第三组在它们的西南方，规模最小，由两对壳片组成,里面是餐厅。其他房间都巧妙地布置在基座内。整个建筑群的入口在南端,有宽97米的大台阶。车辆入口和停车场设在大台阶下面。悉尼歌剧院坐落在悉尼港湾，三面临水，环境开阔，以特色的建筑设计闻名于世，它的外形像三个三角形翘首于河边，屋顶是白色的形状犹如贝壳，因而有“翘首遐观的恬静修女”之美称。
　　
悉尼歌剧院设备完善,使用效果优良,是一座成功的音乐、戏剧演出建筑。那些濒临水面的巨大的白色壳片群，像是海上的船帆,又如一簇簇盛开的花朵,在蓝天、碧海、绿树的映衬下，婀娜多姿,轻盈皎洁。这座建筑已被视为世界的经典建筑载入史册。悉尼歌剧院不仅是悉尼艺术文化的殿堂，更是悉尼的灵魂，是公认的20世纪世界十大奇迹之一，是悉尼最容易被认出的建筑。
友情提示
1.查阅资料了解哥特式建筑与宗教之间的关系，并与同学进行讨论。
2.调查你所在学校附近的建筑，了解哪些建筑受到了外国建筑风格的影响。
活动体验
知识拓展
“蓬皮杜文化艺术中心”由“工业创造中心”“公共参考图书馆”“国家现代艺术博物馆”“音乐?声学协调研究所”四大部分组成，供成人参观、学习，并从事研究。与此同时，“中心”还专门设置了两个儿童乐园。一个是藏有2万册儿童书画的“儿童图书馆”，里面的书桌、书架等一切设施都是根据儿童的兴趣和需要设置的；另一个是“儿童工作室”，4~12岁的孩子都可以到这里来学习绘画、舞蹈、演戏、做手工等。工作室有专门负责组织和辅导孩子们的工作人员，以培养孩子们的兴趣和智力、帮助孩子们提高想象力和创造力。在“工业创造中心”中，主要通过各种展览会和图书资料向观众介绍有关市政建设、生活环境及各种工艺产品的发明和创造情况，同时还向观众提供各种日常消费品的资料与咨询。
“公共参考图书馆”完全不是传统意义上的那种旧式图书馆，它拥有当代书籍30万卷，期刊2 400种，幻灯片20万张，微缩胶卷15 000个，唱片1万张及各种电影、录像、地图、磁带等。馆内设施一律开放，读者可随意翻阅开架图书，也可以通过录像机随意选看介绍各国文学艺术、科技、民俗等情况的电影、录像；音乐爱好者可以戴上耳机自由欣赏自己挑选的唱片。馆内到处都设有放大阅读机和复印机，读者可随时用以查阅微缩胶卷和复制资料。该馆还附设有语言学习室，共有40个小房间和40种语言的有关教材、资料，人们在此可以听录音、看教材，选学各种语言。 　
“国家现代艺术博物馆”也与那些旧的艺术博物馆不同，集中突出了“现代”二字，专门介绍20世纪以来的西方各种造型艺术。包括立体派、抽象派、超现实主义派、结构派、概念艺术及流行艺术等各种流派的2 000幅作品。馆内藏品的陈列方法也是现代的：一条主要线路按时间顺序排列着各个流派艺术的代表作，周围分设许多小展室，分别介绍某流派某作家的作品，使观众既可以了解现代西方艺术的概貌，又可以对某一感兴趣的流派或作家进行深入的研究。馆内还设有可以升降移动的板架，挂有那些未展出的作品，一按动电钮，这些自动板架便可将那些观众所需而未展出的藏品展示在人们面前。 　
“音乐、声学协调研究所”为避免噪声干扰修建于大厦旁边的地下，其主要功能是让音乐工作者能够利用现代的设备和技术来从事创造。此外，它还从事研制新乐器和各种音响设备的工作。(共24张PPT)
美术欣赏
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8
第
单元
外国艺术设计赏析
艺
术
设
计
设计艺术是随着工业化的发展，逐步从手工艺品中分离出来的。随着工业化的发展，设计艺术也取得了长足的进步，逐步在社会生活的各个方面影响着人们的生活。同时，现代艺术的范围也在不断地拓展其影响范围，已经由原本的审美领域逐步扩展到生活领域，一个明显的例子就是家居生活越来越体现出现代艺术设计的影响。作为工业化进程最为发达的欧美国家是外国现代艺术设计的中心，代表了世界艺术设计的最高水平，对全世界的生活产生了深远的影响。
单元导读
目标透视
　　1. 掌握西方艺术设计的发展脉络，并熟悉具有代表性的外国艺术设计作品。
2. 了解艺术设计的功能性、技术性和审美性之间的联系。
情感寄语
19世纪，英国工业家亨利·泰特把收藏的艺术品捐赠给国家，并兴建一幢馆藏艺术品的建筑。20世纪，塞缪尔·考托尔德捐赠了收藏的法国印象派画作，还设立了考托尔德学院。21世纪，68岁的英国艺术交易商安东尼·多菲把价值1.25亿英镑的毕生所藏捐赠给泰特现代美术馆和苏格兰国立美术馆，是英国百年来最大单笔捐赠。
你是否能理解艺术品的价值呢？请列举一些你所熟悉的中外闻名的艺术品。
第一节
外国现代艺术设计
一、外国现代艺术设计概况
“设计”一词的含义非常的宽泛，对设计的定义也是众说纷纭。从原始的陶器到现代的汽车，都有设计的影子存在。就词义来说，设计主要包括设想、规划、计划、构思等意思，它既可以作为动词，也可以作为名词。广义上讲，设计包括自然科学和人文科学的各种设计，如工程设计和艺术设计；从狭义上讲设计主要侧重于艺术设计。这里主要是指艺术设计。18世纪末的工业革命是设计史上重要的分水岭。此前，所有的产品主要由手工制作，因此设计和生成是一体的；而工业革命之后，产品则主要由机械制造，这就需要对产品的生产有精心的策划和安排，于是现代意义上的设计诞生了，产生了一批又一批杰出的设计师。现代艺术设计是在工业化背景下产生的，是物质材料、工艺技术、艺术手段和审美理想的结合。现代艺术设计所创造的产品越来越深入我们的生活，影响到我们生活的方方面面，实现了日常生活的审美化。
　　现代艺术设计具有功能性、技术性、审美性等基本属性。第一，艺术设
计必须有助于产品更为完美地实现其功能目的，如产品的安全性、适用性；第二，艺术设计还要与现代科技成果紧密结合，使新技术真正转变为人类所需要的物质产品；第三，艺术设计必须通过产品的造型、色彩、结构、材质、纹饰等方面的艺术处理，以满足人们的审美需求。设计与艺术有着密不可分的联系。英国工艺美术运动主张艺术家参与设计，提倡艺术与工艺相结合；新艺术运动、现代主义设计都排斥艺术在设计中的重要地位。在西方现代艺术设计史中，许多艺术家同时又是设计师，也有很多艺术家与设计师联合设计作品。现代主义艺术设计的兴起与发展正是一大批艺术家、设计师们共同努力的结果。例如英国工艺美术运动领袖莫里斯，既是一位画家，又是一位伟大的设计师；再如抽象派画家康定斯基同时也参与了俄国“构成主义”运动，并曾在包豪斯任教。这些都说明艺术家与设计师们促进了艺术与设计的融合，因此艺术与设计的关系密切。
　　艺术设计种类多种多样，按照不同的分类标准可分成不同的类型。按照性质可以分成平面设计、立体设计和空间设计三大类；按照应用领域可分为建筑设计、工业设计和商业设计；按照对象可以分为建筑设计、室内与环境设计、产品设计、平面设计、广告设计、服装设计等类型。
1.红房子（见图8-1-1）
二、外国现代艺术设计名作欣赏
图8-1-1红房子 莫里斯
19世纪末，在英国著名的社会活动家莫里斯的“美术家与工匠结合才能设计制造出有美学质量的为群众享用的工艺品”的主张影响下，英国出现了许多类似的工艺品生产机构。1888年英国一批艺术家与技师组成了“英国工艺美术展览协会”，定期举办国际性展览会，并出版了《艺术工作室》杂志。莫里斯的工艺美术思想广泛传播并影响欧美各国，这就是所谓的英国工艺美术运动。他在1859—1861年为自己营建的住宅——红房子，是工艺美术运动的代表建筑。
红房子位于英国肯特郡，是莫里斯为结婚而建的私人住宅。红房子平面布局根据需要布置成L形，使用不对称形状，大胆抛弃了传统建筑贴面装饰特征，外墙处理不加装饰材料，直接使用当地红砖，甚至不加粉刷，表现出材料本身的自然属性，营造出一种“田园牧歌”情调。其造型简朴，外表敦实，内部舒适，把材料、功能和造型很好地结合起来。
莫里斯的理论与实践在英国产生了很大影响，一些年轻的艺术家和建筑师，如沃赛、马克穆多和阿什比等人，纷纷效仿，进行设计的革新，从而引发了“工艺美术运动”的产生。莫里斯虽然不是建筑师，但他的工艺美术思想广泛传播并影响美国和欧洲大陆各国，从而演变出许多建筑流派。
“工艺美术运动”首先提出了“美与技术结合”的原则，主张美术家从事设计，反对“纯艺术”。另外，还强调设计应“师承自然”、
忠实于材料和适应使用目的，并创造出了一些朴
素而适用的作品，为全世界的设计革新运动做出
了杰出的贡献。
图8-1-2米拉公寓 高迪
2.米拉公寓（见图8-1-2）
米拉公寓是高迪的重要代表作品，坐落在西班牙巴塞罗那的帕塞奥·德格拉西亚大街上，又名“采石场”，它以怪异的造型而闻名于世。
3.巴塞罗那椅（见图8-1-3）
巴塞罗那椅是由设计师密斯在1929年巴塞罗那世界博览会上，为了欢迎西班牙国王和王后而设计的，同著名的德国馆相协调。这件体量超大的椅子也明确显示出高贵而庄重的身份。当年的世博会德国馆是密斯的代表作，但由于建筑的设计意念独特，竟没有合适的家具与其搭衬，因此他不得不专门设计了巴塞罗那椅来迎接国王和王后。
著名的“巴塞罗那椅”是现代家具设计的经典之作，为多家博物馆收藏。它由成弧形交叉状的不锈钢构架支撑真皮皮垫，非常优美而且功能化。两块长方形皮垫组成坐面（坐垫）及靠背。这把椅子当时是全手工磨制，外形美观，功能实用。巴塞罗那椅的设计在当时引起轰动，地位类似于现在的概念产品。时至今日，巴塞罗那椅已经发展成一种创作风格。
图8-1-3巴塞罗那椅 密斯·凡·德罗
4.WG24台灯（见图8-1-4）
根据文献记载唐代流传下来的理论著作，计有20多种，重要的著作如张彦远的《历代名画记》、李嗣真的《后画品》、彦棕的《后画录》、裴孝源的《贞观公私画史》、朱景玄的《唐代名画录》等。其中以《历代名画记》价值最大，是我国绘画理论的一本重要著作。
图8-1-4WG24台灯
威廉·华根菲尔德
威廉·华根菲尔德是德国现代著名设计师，“包豪斯”学派的重要成员，尤以设计金工产品、玻璃制品与瓷器见长。
这盏台灯由不锈钢管与乳白色玻璃组成，造型简洁明快、结构单纯明晰，一扫此前灯具设计中纤巧烦琐之风，具有鲜明的时代美感。不仅如此，该设计充分发挥了各种新型材料的性能，各部分设计结构逻辑明确，非常重视产品的实用性与功能性。从他早年的设计开始，华根菲尔德就坚持与工业大生产合作，通过与一些公司的合作来了解、参与生产的整个流程大，从而在设计中加强工业化、标准化的特征。他以自己的设计实践为“包
豪斯”校训“艺术与技术的新统一”做了生动的说明，他由此成为设计与批量大生产方式紧密结合的先驱之一。正由于以上原因，他的设计作品不但在当时广受欢迎，而且具有较为长久的生命力，很多设计在完成后的几十年中仍为各厂家大量生产。例如，该灯具就在1980年由不来梅的泰克诺鲁门公司重新投入生产。
5.郁金香椅（见图8-1-5）
艾罗·沙里宁是美国战后最重要的建筑师与家具设计师之一，是美国有机家具设计的重要
代表。他生于芬兰，13岁移民美国，父亲是著名建筑师、纽约克兰布鲁克艺术学院的院长。沙里宁早年就读于耶鲁大学建筑学院，后在从事建筑设计的同时兼顾家具设计。1941年，他与依姆斯合作的双向曲面胶合板椅荣获纽约现代艺术博物馆举办的有机设计展一等奖，从而奠定了他在现代家具有机设计中的领导地位。
沙里宁的家具设计强调设计思想、材料、结构还有功能之间的高度统一。在强调材料、工艺与使用功能的合理性外，沙里宁更注重以现代艺术语汇创造与环境协调一致并且自身保持整体统
图8-1-5郁金香椅 艾罗·沙里宁
一的新型家具。1946年设计的“胎式椅”，以玻璃纤维板作主要材料，被称为世界上最舒适的椅子之一。此后，他进一步探索椅身、椅腿整合一致的更好的有机形式。
1956年设计的郁金香椅（又称花托式椅）就是其意图的完美体现。该组家具包括扶手椅、无扶手椅、凳子与桌子，铸铝基座外包塑料外壳，椅身、桌面采用预应力模压玻璃纤维板，上覆以红色软泡沫坐垫。该家具功能卓越，由于
注重人体工学的研究，椅面就座舒适，圆足的造型也不会压伤地面。不仅如此，整个设计造型优雅流畅、色彩纯净明快，形式上具有浑然一体的整体性与协调感。该系列家具一经推出即大受欢迎，经美国最大的家具生产集团诺尔公司生产后畅销世界。
6.可口可乐零售机（见图8-1-6）
你怎样看待以上介绍的现代艺术设计名作？
雷蒙德·洛威（1893—1986），是美国第一代
职业工业设计师中的佼佼者，是美国工业设计的
重要奠基人之一。他一生中完成了数以千计的设
计项目，内容涉及工业产品设计、包装设计、平
面设计与企业形象设计等诸多方面，对美国人民
生活方式的革新做出了重大的贡献。早在20世纪
30年代，可口可乐公司就委托他重新设计了“可
口可乐”的系列产品。他修改、简化了可口可乐
的原有标志，确定了以流线型字体、红白两色作
为可口可乐的正式形象。洛威除可口可乐标志，
玻璃瓶的设计外，1947年还为可口可乐设计了饮料零售机，该设计外形整体雅洁、流畅、端庄，顶部的把手处外罩向内凹陷，以提高抓握功能，红色的外壳上饰以醒目的白色，视觉效果颇为强烈。
图8-1-6可口可乐零售机
雷蒙德·洛威
一、外国现代艺术设计概况
第二节
外国后现代艺术设计
　 20世纪初形成的现代主义设计思想一直笼罩着世界设计领域，直到20世纪60年代，人们开始对现代主义单调乏味、毫不人性化的设计风格感到厌倦。于是，部分设计师开始大胆探索追求更加人性化、个性化、自由化的表现形式，在这种历史背景下后现代主义设计随之诞生。相对现代设计，后现代主义设计至少具有以下几个特征。
　　1.隐喻的和装饰的设计
　　装饰几乎是后现代设计的一个最为典型的特征，这是后现代主义反对现代主义、国际风格的最有力的武器，主张采用装饰手法来达到视觉上的丰富，提倡满足心理需求而不仅仅是单调的功能主义中心。后现代主义对现代主义全然屏弃的古典主义异常关注，他们不搞纯粹的复古主义，而是将各种历史主义的动机和设计中的一些手法和细节作为一种隐喻的词汇，采用折中主义的处理手法，开创了装饰主义的新阶段。后现代主义的装饰风格体现了对于文化的极大的包容性，这里既包括传统文化，也包含现行的通俗文化：古代希腊、罗马、中世纪的哥特式艺术、文艺复兴、巴洛克、洛可可以及20世纪的新艺术运动、装饰艺术运动、波普艺术、卡通艺术等任何一种艺术风格。运用的手法更是不拘一格：借用、变形、夸张、综合甚至是戏谑或嘲讽。汉斯·霍莱因设计的玛丽莲·梦露沙发就综合了古罗马、波普艺术和装饰艺术运动的风格特征。
2．想象的和情感的设计
　　 后现代设计将诗意重新带回我们的生活。仓右四郎的金属沙发有一个非常浪漫的名字——“月亮真高啊”，镂空的金属框架在灯光的掩映下让人想起婆娑树影背后的一轮明月。后现代主义者认为，设计并不只是解决功能问题，还应该考虑到人的情感问题。安德勒·伯兰兹将许多非设计师者的所知道的东西上升为理论。1987年，他设计了一系列名为“家养动物”的家具，把西欧人对意识的兴趣与北美人对某些宠物的兴趣融为一体。这些设计是非常有亲和力的，即不是设计适应人，也不是人适应设计，而是两者亲切、自由的对话。
3．仪式化的特征
　　 后现代设计中，这种仪式化特征主要是针对过分强调功能而使生活变成了一种机器运转般毫无感彩的动作而引发的一种设计倾向。吃饭不仅仅是一个吞咽的过程，更是一种气氛：环境、餐具、食物的颜色和味道，包括进餐的动作，都是仪式的一部分，它让我们感受过程、感受存在的意义以及人与物的交流、对话。选择一件设计不但是为了用，而且是为了寻找自我的象征性。安德勒·伯兰兹出版了一本名为《家养动物》的小册子，他认为我们现在的住宅几乎无法居住，因为我们要在那里度过更多的时光；我们需要重新考虑一下我们可以从周围环境得到的仪式的、神话创作的以及不可思议的特征。安德勒·伯兰兹的话是十分隐晦的，但是他至少说明房子仅仅用来居住是远远不够的。这种观点导致了后现代主义设计的仪式化特征。消费者对设计的选择与使用过程更多地体现一种信仰，并以此将自己与其他人区分开，归属到特定的社会团体中。
4．轻松的生活 　　
后现代主义设计的通俗化特征将轻松愉快带入日常生活，使每天的行动不再像举行宗教仪式般严肃刻板。现代主义是设计的理想主义，而后现代则强调人们生活在“现在”，后现代设计也自然而然地表现出物质的特征。享乐主义高于一切，快乐是最重要的原则，“好的生活比好的形式更重要”。与严肃冷漠的现代主义“黑匣子”相比，后现代设计中大量运用夸张的色彩和造型，甚至是卡通形象，唤起我们关于童年的美好记忆，让我们和我们的孩子一起再次感受童贞和无拘无束的快乐。这种设计表面上看起来好像是一种简单的借用，或者是奇思怪想的任意组合，没有章法，不考虑实用，是设计师的一些很主观的设计。但透过这种现象，也可以看到这样做给现代主义或人们目前的生活带来了一些有价值的东西。从这方面来看，后现代设计将人们从简单、机械的枯燥生活中解救出来，重新回到真实的生活中，使人这一概念变得更加感性和人化，而不是机器。
5．有爱心的设计
这句话其实也可以说成是另外的功能主义，是对现代主义所倡导的功能主义的一个丰富和超越，即将理性的、逻辑的功能发展为既有生理的功能，又有心理的功能的新功能主义。斯图普创造了一个短语，叫“没有缘由的困难”，即人们可以将东西放在他喜欢用的地方而不是应该放的地方。比如，把电话放在办公桌附近的窗前，接电话时可以顺便看看窗外的风景，放松一下心情，虽然这有点不方便。但是，从另外一个角度讲，这实质上是对人的一种更加体贴的设计：人不是一个工作的机器，而是一个有工作能力，但同时需要生活、需要关怀和体贴的有智商的情感动物。
因此，像现代主义大师勒·柯布西埃所讲的“住房是居住的机器”延伸出去的话，椅子是坐的机器，桌子是工作的机器，植物是开花结果的机器，人体是意志控制的机器；如此类推，我们就生活在一个机器世界中了。在某一个时段这些话可能有它特定的含义，但是实际上，它抹杀了人性的光辉。因此，如果真正的讲究功能，就要切实地从人的真正的需求出发，充分考虑到人所有的需求，才是真正意义上的功能主义。
6．卖点的设计
　　后现代设计并非设计师孤独的尝试。市场
给了他们最有力的支持，同时设计师的名望也
是利润的来源。当20世纪六七十年代波普、朋克文化、迷幻药文化以及女性主义兴起时，市场就敏锐地感觉到了这个潜力巨大的市场，设计师也应这群新人类标新立异的生活方式而大胆地进行各种后现代主义尝试，文化的多元化，生活方式的多元化，新材料、新技术的出现，使设计突破功能主义的束缚而自由的发展。市场与设计师相互依赖，甚至设计师个人的学术性、主观性、观念性的尝试也一样可以成为商家的卖点。后现代主义几乎成了一个市场推销员，“制造者不仅仅将其视为因抄袭、打折等竞争泛滥而日趋饱和的市场上表现独特而有吸引力的手段，而且是可以另起炉灶的方法”。
问题讨论
简述后现代主义设计的特征。
二、外国后现代艺术设计名作欣赏
1.JOE 057沙发（见图8-2-1）
一个笨重的皮沙发，至少能坐两人，它形如一个巨大的棒球手套，用Joe来命名（为了赞颂棒球冠军Joe Di Maggio），孟菲斯小组的设计师表达了他们对美国大众文化及集体想象加以神化的伟大人物
的敬佩。把一个运动装束变成家具，这显然是
对它的位移及语义的重新确定，在它的转型中
可以看到一些美国波普艺术的影响。Joe相当
幽默，符合人体构造，并暗示出身体不同部位
的多种功能，毫无疑问，它体现了20世纪60年
代末的文化氛围，以及为了能更自由地创造而
对约定俗成的形式和传统规则质疑的普遍愿望。
图8-2-1 JOE 057沙发
孟菲斯小组
2.新奥尔良意大利广场（见图8-2-2）
新奥尔良市意大利广场是美国后现代主义的代表人物之一查尔斯·摩尔的代表作，也是后现代主义建筑设计的代表性作品之一。新奥尔良广场的布局非常的具有意大利风情，一系列弧形的墙面，高高低低地排列着，好像舞台的布景。这些作品的中央是一个高大的拱门，拱门背后还有一个小的拱门，拱门两侧是弧形的廊子，
仿佛张开双臂欢迎着人们的到来。建筑
作品广泛地采用了后现代主义代表的
“拼贴”手法，将各种古典柱式加以引
用和变形，比如将作品的柱子、柱头、
拱门、额枋各部分都漆上光亮的颜色，
赭色、黄色或者橙红色，还有些柱子或
柱头是用闪亮的不锈钢包裹起来的。喷
泉的水在层层叠叠的广场地面上倾泻奔
流着，发出汩汩的响声，额枋底下有时
也有水流喷射而出，形成一个个流动的水柱。最滑稽的是，据说摩尔将自己的头像放到柱子上做喷水口的装饰。
似乎这一切还热闹不够，到了晚上，这些建筑又亮起了蓝色或橙色的霓虹灯，同时喷泉停止了喷射，所有的水全部流入中央的水池。水池中有一个由卵石、板石和大理石砌成的岛屿，岛屿的形状很明显，就是一幅意大利地图。
3.面包圈花园（见图8-2-3）
施瓦茨1979年著名设计师玛莎·施瓦茨为自己家设计了面包圈花园。该花园坐落在波士顿一个叫Back Bay的地区，在那里每条狭长街道两边排列的都是可爱
图8-2-2新奥尔良意大利广场 摩尔
的低层砖房，它们集中了过去各个历史时期的建筑风格，而且每栋建筑前都带有一个临街的、开敞式的庭院。面包圈花园是个小尺
度的宅前庭院，用地范围22英尺×22英尺，面朝北方。
花园空间被高度为 16英寸的绿篱分割成意大利式的同
心矩形构图，两个矩形之间铺着宽度为30英尺宽的紫
色沙砾，上面排列着96个不受气候影响的面包圈。小
的矩形内以5×6的行列式种植着30株月季。场地中还
保留了象征历史意义的两棵紫杉、一棵日本枫树、铁
栏杆和石头边界。
　在设计中，施瓦茨想创造的是一种“既幽默又有
艺术严肃性”的场所感。这个设计的最大特点就是把
象征傲慢和高贵的几何形式和象征家庭式温馨和民主
的面包圈并置在一个空间里所产生的矛盾；以及黄色
的面包圈和紫色的沙砾所产生的强烈视觉对比。这个迷你型的庭院以具有历史风格的花篱、紫色的沙砾以及隐喻Back Bay地区像兵营式排列的邻里文脉的面包圈，构成了后现代主义思想缩影。这个花园为人们开启了一扇小尺度景观设计的新视野——就是把传统的、有限的景观想象和新概念结合起来，创造出新景观，从而使这个迷你型的花园在学术性及艺术文脉两方面成为新设计的导向。
图8-2-3 面包圈花园
4.玛丽莲·梦露沙发（见图8-2-4）
汉斯·霍莱因是奥地利当代著名的建筑师与设计师，擅长室内设计、环境展示设计，此外，他还做了很多产品设计，玛丽莲·梦露沙发是其代表性作品。其造型采用了欧洲中世纪的古典式躺椅风格，靠背的唇形设计有一点波普艺术的风格，丰满流畅的曲线、粉红的色彩暗示了好莱坞红极一时的性感明星玛丽莲·梦露的妩媚体态，木质座架的凹凸立面又显示了“装饰艺术运动”的风格的影响。此沙发的确给人一种“温柔乡”的感觉，风格上的折中性、装饰性以及隐喻性使之成为后现代主义设计的经典之作。
图8-2-4 玛丽莲·梦露沙发
汉斯·霍莱因
图8-2-5鸣唱水壶
米歇尔·格雷夫斯
5.鸣唱水壶（见图8-2-5）
　 “微建筑风格”是后现代主义设计的重要分支，该流派的主要特点在于将后现代主义建筑的风格、结构、造型与细节移用于日用工业产品的设计之中，一方面强调后现代古典主义的建筑造型，主张以全新的方式运用于古典主义建筑的风格与结构；另一方面又提倡后现代的装饰主义，偏爱几何风格的图案造型与艳丽通俗的色彩。大多数的后现代主义建筑师都设计过该风格的产品，如美国的格雷夫斯、文图里，意大利的罗西，德国的公司格斯和日本的矾崎新等。美国的阿莱西公司以生产厨房用具见长，20世纪80年代该公司
邀请众多驰名世界的后现代主义建筑师为其设计产
品，这些产品成为微建筑风格的最佳范例，其中由
美国设计师米歇尔·格雷夫斯设计的“鸣唱”水壶
就是其最经典、最成功的作品。
格雷夫斯很早就开始试图改革国际现代主义过于沉重、单调、冷漠的建筑风格，而代之以丰富的装饰、华丽的色彩和历史风格的折中表现，其设计的波特兰公共服务中心是后现代主义最经典的作品。在为阿莱西公司设计的水壶中，他沿用了其建筑设计的理论与风格。水壶不锈钢的壶体采用现代主义风格的圆锥形，
友情提示：
格雷夫斯是后现代主义建筑风格的奠基人之一，同时也是后现代古典主义设计的杰出代表。
1.观察在日常生活中所使用的生活器具体现出现代艺术设计的影响，以及表现出哪些现代艺术设计的风格。
2.组织同学分组讨论，就艺术设计和日常生活之间的联系发表各自的意见，并写一份500字的小报告。
知识拓展
孟菲斯设计小组是家具设计、书架设计的后现代设
计的流派之一，发起者是意大利设计师索得萨斯。1981
年，他召集一群不满30岁的青年设计师在米兰成立了“孟菲斯”设计组织。孟菲斯没有固定的宗旨，他们的本意就是反对一切固有观念。它树立了一种新的产品内涵，即产品是一种自觉的信息载体。在风格上，孟菲斯表现出各种极富个性的情趣和天真、滑稽、怪诞和离奇等。
壶盖则是罗马式穹顶的简化，壶嘴设计上别出心裁地运用了一只逼真的塑料鸟形汽笛，从而成功地将古典与现代的审美趣味融为一体，创造出亦庄亦谐、亦古亦今的独特形象。该水壶一经推出便颇受市场欢迎，一年中销出了40 000余把。
　20世纪70年代后期，在意大利发展形成的在设计界探索装饰艺术的新的设计群体结成了“阿尔奇米亚”工作室，他们反对单调、冷峻的现代主义，提倡装饰、追求装饰艺术与设计功能的和谐一致，强调手工艺方法的作品创造。以现代艺术和民间艺术为参考，积极开展创作活动和评论宣传活动。代表人物是意大利的门迪尼、索特萨斯等人。他们摸索变更设计语言，创造了许多形式怪诞、颇具象征意义的家具装饰品、艺术品和日用品，引起社会瞩目并产生影响。“阿尔奇米亚”工作室的目标是：对传统提出挑战，不相信设计计划完整性的神秘；寻求“表现特性”为设计新意；将世界过去的流派再循环；恢复色彩和装饰的生命力；把设计研究重点放在人与周围事物的相关性上。
“阿尔奇米亚”的设计风格独特，常常出人意料，具有戏剧性效果；造型丰富，独具匠心，大胆运用色彩和图案装饰。但是，他们的作品因为都是手工制作，所以数量有限，未能得到发展。(共1张PPT)
参 考 文 献
［1］ 李松.中国美术·先秦至两汉. 北京： 中国人民大学出版社，2010.
［2］ 彭吉象.艺术概论.北京：北京大学出版社，2006.
［3］ 易镜荣.美术欣赏.北京：清华大学出版社，2006.
［4］ 宋玉成.外国美术史. 重庆：重庆大学出版社，2007.
［5］ 赵道飞，陆阳秋.美育与艺术鉴赏.南京：东南大学出版社，2007.
［6］ 贺志朴，姜敏.艺术教育学.北京：人民出版社，2001.
［7］ 左庄伟，徐泳霞.美术鉴赏.南京：江苏美术出版社，
参考文献

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