资源简介

苏少版八年级下册美术教案
1 第1课 生活的艺术——中国工艺美术
第一课时
教材分析
本课属于欣赏 评述学习领域。
中国工艺美术历史悠久，种类繁多，制品精巧，在世界工艺美术中独树一帜。那优美的彩陶、庄重的青铜器、绚丽的漆器、典雅的瓷器无不反映出历代能工巧匠卓越的创造智慧，闪烁着灿烂的艺术光彩，为世人所赞赏。 本课选取陶器、青铜器、漆器和瓷器为代表，从工艺制作、艺术特色、文化内涵等方面进行欣赏和分析，通过观察和探究这些工艺品的材料、造型和装饰，了解中国工艺美术的起源、历史沿革和发展，感受不同时期的艺术风格，领略中国工艺美术的成就。
一、教学目标 通过本课的教学，使学生对中国古代工艺美术成就有所了解，领会彩陶、青铜、漆器、瓷器等工艺美术作品独特的审美意蕴和中国传统文化的内在联系，对世界人类的物质文化与社会发展做出的重要贡献，提高审美趣味。
1.知识与技能：了解中国古代工艺美术产生的原因，了解工艺美术与人类生活的密切关系，理解工艺美术的艺术价值、历史价值、科学价值和文化价值。
2.方法与过程：围绕问题触发学生去思考，对器物由表及里地进行探究，不求答案的一致性和准确性，提高学生对工艺美术审美的情趣。
3.情感态度与价值观：通过学习，增强民族自信心和自豪感，增强民族文化的自觉性，提升个人的文化修养和艺术修养。
二、教学重点和难点
重点：了解中国古代工艺美术的主要类别、发展概况、突出成就，了解主要工艺品种的基本特点及时代风格。
教学难点：通过对彩陶、青铜、漆器、瓷器等工艺品的功能、造型、色彩、纹样等方面的讨论，领会其审美特点及文化内涵。
三、教学准备
收集各种中国古代工艺美术的代表作品及相关资料，预习中国古代工艺美术的相关知识、课件、课后的课堂知识检测表。
四、教学过程
1.导入
问题一：你们去过博物馆吗？这些是哪里的博物馆？
无锡博物馆，上海博物馆，中国国家博物馆。
师：博物馆里的内容很多，今天我们一起走进各地的博物馆去了解一下生活的艺术——中国古代工艺美术。
设计意图：以博物馆为主体线索，在参观博物馆的过程中，对古代彩陶、青铜、漆器、瓷器开展问题讨论，进行互动教学，让学生在观察交流中去探寻工艺美术表象背后的文化。最终理解为什么人类在生存与发展过程中从未忘记对美的追求。同时，让学生懂得博物馆是一个承载世界文明的地方，也是每个中学生经常要去的地方，她对于记录人类的历史，对文化的保护与传承有着极其重要的意义。
2.揭题（板书：“生活的艺术——中国古代工艺美术”） 师：中国古代工艺美术主要可以分成陶器、漆器、青铜器、瓷器、玉器和丝绸等等，这些工艺在世界上享有很高的声誉，这节课我们重点来欣赏陶器、漆器、青铜器和瓷器。
3.新授知识
第一部分：彩陶（板书）
彩陶的意义：中国原始社会的文化遗存最有代表性的是彩陶，彩陶的发明是人类旧石器时代向新石器时代迈进的重要标志。
彩陶的定义：彩陶是在打磨光滑的陶胚上，以天然矿物为彩料描绘图案，然后入窑烧制而成的一种陶器。烧成的器皿胎质坚硬，图案清晰美丽，呈红色图案的是用赤铁矿颜料，黑色的是用锰颜料。
赏析作品《双耳瓶》
在甘肃博物馆收藏着的彩陶器皿《双耳瓶》（课件）猜猜它是干什么用的？为什么瓶底做成尖底？为什么瓶口做的那么小？两侧的耳环又有什么作用？（师生共同讨论）
这是打水器皿，底尖便于入水，瓶口小不易让水泼出，两侧的双耳便于提携。
师：古人根据生活的需要创造了许多造型不同的陶器。它们都是干什么用的呢？（课件展示：钵、瓮、盆、鬹、瓶、杯）
A．器形特点：
这些器型各有各的特点，腹大便于储物；口小不易外溢；口大便于盛物；三足便于烧煮，等等。原始制陶的外形基本特征是圆形器，轮廓曲线连贯流畅，匀称优美，富有韵律，具有一种大气稳重、和谐宁静之美。
B．纹饰特点：
中国彩陶最具有特色的地方体现在它的纹饰上。
师生共讨论：为什么陶器上的纹饰都在腹部以上？
这与他们的生活有关，远古的人类席地而坐，视线成俯视状，自上而下，所以大口器皿的纹样大多装饰在内侧，小口器皿的纹样装饰在外面的上半部，这样不影响观赏，体现了古人尽善尽美的追求。
赏析作品《涡纹彩陶罐》 赏析作品《舞蹈盆》：从陶盆的纹饰中反映了早期人类的精神追求。
师生共同讨论：为什么古人喜欢将鱼纹和蛙纹画在许多陶罐上？
这是一种生殖崇拜，人们模仿它，崇拜它，希望获得与它一样的能力，把一种美好的愿望赋予其中。这种似蛙非蛙、似人非人的怪物，被称为“蛙神”。 很多考古学者认为，中华民族的图腾“龙”就是由“蛙”演变过来的。
师：现藏于山东博物馆的《黑陶高脚杯》你们发现颜色有何变化？
生：由红转黑。
黑陶的工艺介绍：这是古代的一种独特的陶器烧制工艺，采用了“封窑的技术”，当窑内达到一定温度，就灭火浇水封口，窑内会产生烟，这些烟中的碳分子渗透到陶体中，使杯身变成了黑色。出窑以后再打磨、抛光，就是变成我们现在看到的样子，非常漂亮。在这之前，我们看到的陶器都是泥条盘筑而成，这个高脚杯却使用了拉胚工艺技术，这是古代陶器工艺的一大进步，直到今天我们还在延用这种方法。现代人对此杯做出了这样的评价：黑如漆，薄如纸，明如镜，声如磬。此杯器型左右对称，高贵典雅，散发着一种深邃神秘的感觉。
总结：同学们，彩陶是新石器时代文化的标志，造型与装饰非常丰富，渗透着创造者对生活的理解和适应。远古彩陶不仅以其独特的造型风格和特定的艺术内涵成为后世人类文明的开端，同时也对后来华夏民族的思维形成、审美意识及文化产生了深远的影响。
第二部分：青铜（板书）
随着彩陶的发展，人们又发明了新材料和新工艺——青铜工艺。
在中国古代美术史上，夏商周的青铜艺术水平是最高的，流传下来的数量也最多。青铜文化艺术以其雄伟的造型，古朴的纹饰，丰富的铭文著称于世，是中国古代美术史上又一颗灿烂的明珠。

师：让我们走进湖北博物馆，听一段由青铜器演奏的音乐。（课件展示）刚才我们听到的那段大气磅礴的音乐是用世界上最大的青铜乐器“编钟”演奏的《国殇》，对它的了解我们在欣赏音乐的同时已经通过文字进行了解读。
青铜的种类和产生的意义：青铜器的造型非常丰富，除了乐器以外，还有兵器、食器、酒器、车马器等生活用具。青铜的出现，对提高社会生产力起到了划时代的作用，促进了社会的发展。
赏析作品《爵》
师：你们看，这是在河南偃师博物馆里馆藏的中国现存最早的青铜器《爵》，它是一个盛酒器，造型很特别，整个外型像个麻雀的形状，前面是雀嘴，后面是雀尾，收腹，细腰，三足的设计使器型非常稳定，底部可以点火，加热温酒，设计非常合理。
欣赏比较《司母戊方鼎》《毛公鼎》
师：这两件青铜器可能大家都非常熟悉，《司母戊方鼎》是目前发现的最重的青铜器，另一件是现藏于台北故宫博物馆里的《毛公鼎》，它们都是当时国家的重器，标志着使用者的等级和身份。但最主要的作用还是用来祭祀天地鬼神和祖先。中国的古代有严格的“列鼎制度”象征着国家统治的秩序。
不同之处：
器形：一方一圆、一刚一柔。
纹饰：一繁一简、一狰狞一素雅，纹饰非常精美，饕餮纹、人兽结合的纹饰是当时人们所崇拜的神灵，富有想象力。
铭文：一长一短。
在中国的青铜器上有个显著的特点就是要铸刻文字，也就是金文，这是与其他国家青铜器不同的地方（青铜器最早出现在公元前3800年西亚的两河流域）。《毛公鼎》是现在发现铭文最长的青铜器，鼎里面铸有497个字，具有很高的史料价值，是研究当时社会、政治、文化艺术很宝贵的历史资料。《毛公鼎》文字书写的完美布局，章法纵横宽松疏朗，错落有致顺乎自然而无做作，呈现出一派天真烂漫的艺术意趣。说明西周晚期的文字书写已具有纯熟书写技巧和表现手法的形式和规律。
赏析作品《牛形灯》
师：在古代，青铜器在生活中的应用是非常广泛的。这是藏于南京博物院的《牛形灯》。此灯分三个部分，均可拆卸。灯座是牛身，上面分灯盏，烟管。点火以后所产生的烟尘通过烟管导入灯座腹腔中的清水溶解，从而保证室内空气的清新。制作上巧用铜银纹饰，设计得非常合理、精美，体现了当时实用和艺术相结合的最高水平。
2 第1课 生活的艺术——中国工艺美术
第二课时
第三部分：漆器（板书）
与我们早期人类息息相关的另一种工艺美术器物，那就是漆器。漆器大多是用木胎和竹胎制作而成，也有用脱胎工艺制作的。
代表作品《漆器碗》
藏于浙江省博物馆《漆器碗》是在浙江余姚发现的河姆渡文化时期的漆碗。它的发现证明了我国是世界上最早使用漆器的国家，至今已有7000多年的历史了。该碗是中国现知最早的一件漆器，是追溯中国漆器最重要的实物资料。战国时期，是我国漆器工艺的第一个繁荣期，到了秦汉时期到达顶峰。
课件展示“各种漆器图片”
师：从战国时期到汉代，人们在漆器上主要用了什么颜色？ 生：红和黑。
红色和黑色对比强烈，在红与黑交织的画面上形成流动飞扬、变幻神奇的神话般的世界。同时也显得沉稳大气古朴，这样的颜色一直沿用至今，“中国红”一直是我们最常用的民族象征的色彩，上海世博会上中国馆的颜色就是用了这样的红。（课件展示）
师：能工巧匠们在漆器的过程中还创造了彩绘、磨光、镶嵌等工艺表现手法，提高了审美趣味。 赏析作品《金银平脱工艺古琴》
师：这是一件什么乐器？你在上面看到了用什么制作的花纹。（课件展示）
古琴上的花纹使用的，先涂上漆，把贝壳或金银片裁成各种形状，贴在琴的表面，再涂上生漆，使漆的高度是一种金银平脱工艺，也是唐代最华丽、最盛行的一种漆器。从图片上看，充分反映了中国漆器工艺和乐器制造工艺已经达到非常高的水准。
师：古琴是用梧桐木和杉木制造的，这种材质不容易变形，音色也非常好听。 师：古琴为什么要上漆？
生：防水，防蛀，防虫，抗酸碱。
师：琴漆的工艺非常讲究和图案一样平，再经过打磨，直到纹样和琴面一致，这就是金银平脱工艺。我们现在听到的背景音乐就是古琴演奏的《高山流水》知道这个典故吗？
生：……
第四部分：瓷器（板书）
中国古代工艺美术中最具有文化艺术特质的是瓷器。
定义：瓷器是土与火的艺术，是中国人民生活中的智慧结晶。我国是瓷器的发明国，中国的瓷器很早就流传到国外，因此也被称为“瓷国”。瓷器是由陶器发展而来。 欣赏作品《羊形烛台》
这是一件六朝时期的《羊形烛台》羊的表情温顺可爱，造型十分完整，它的顶部是用来插蜡烛的，既实用又美观。
赏析作品《邢窑白瓷穿带壶》
在上海博物馆馆藏的《邢窑白瓷穿带壶》，是在青瓷的基础上产生的白瓷，制作工艺进一步提高。白瓷的烧造成功为以后的彩绘打下了基础，在白瓷的基础上可以彩绘。青花、斗彩、粉彩、五彩的出现，大大丰富了瓷器的表现形式和手段，使瓷器更加美观。
宋代的五大名窑是最具有代表性的，每个窑都各有特色……
赏析作品《孩儿枕》
师：故宫博物院的藏品《孩儿枕》，你知道他是干什么用的？
此枕以儿童俯卧形成的弯曲下凹的背部为枕面，构思巧妙，既可作实用品，又是一件完美的雕塑艺术品。儿童形象刻画细腻传神，脸部饱满，宽额大耳，眉毛高挑，双目圆睁，鼻子小巧挺直，小嘴鼓凸，把稚气未脱的童子形象表现得淋漓尽致，惹人爱怜。
此枕通体施釉，质地乳白，釉面均匀，益发显示出造型的清纯可爱。这件富有情趣的艺术珍品神形兼备，不但反映出宋代定窑工匠高超的制瓷技能，而且也体现宋代社会对儿童非常重视，人们认为儿童象征着吉祥幸福，能降福驱灾。不仅具有很高的艺术价值，同时也是件吉祥之物。
在瓷器中我们最熟悉的就是青花瓷了，青花瓷的出现，突破了我国瓷器以单色釉为主的框框，把瓷器装饰推进到釉下彩绘的新时代，形成了鲜明的景德镇瓷器风格。洁白的胎质，青色的图像，具有素洁高贵而又绚丽的艺术效果，其绘画性非常强。
赏析作品《元代青花梅瓶》
基本造型：小口，短颈、丰肩，圆腹，敛腰、平底，线条流畅，非常柔美，各部分比例恰当好处。因为瓶口特别小，与梅之瘦骨相称，因此被称为“梅瓶”。目前元青花梅瓶世界上仅存三个，两个还在国外，这个现藏于南京市博物馆，为镇馆之宝。
装饰特点：从瓶口至底部共分六层，有五层都是运用了杂宝纹、缠枝牡丹纹、莲花纹进行了二方连续图案的装饰，主体部分描绘了《萧何月下追韩信》的故事。
师：你们了解这个故事吗？请解读三个人物表情。 生：韩信——落寞，艄公——悠闲，萧何——匆忙。
总结：这么多的内容在这个小小的瓶身上得到了完美的表现，非常精彩，整个花瓶装饰饱满，繁而不乱，白釉洁净润泽，青花用料浓淡相宜，富有层次感，是元代最珍贵的器物。
瓶子来历：它是在南京将军山沐英墓中挖掘到的，沐英是朱元璋的养子，他因为战功赫赫，被调往云南驻守，得到了当地百姓的爱戴，生性多疑的朱元璋在沐英死后，连夜把他的尸体运往南京，埋葬在将军山下。作为随葬品，梅瓶具有镇墓辟邪的作用。这样的梅瓶只有当时身份最高等级的人才能享用，所以非常珍贵。
赏析瓷罐《鬼谷子下山》
与它同时期的瓷罐《鬼谷子下山》（孙膑），此罐的拍卖创下了瓷器拍卖的最高价2.6个亿。相比较而言梅瓶的文物价值是更不可估量。
总结：每件文物都是一个故事，也是一段历史，都值得我们去探究和保护。
结束语：同学们，今天用了短短的一节课时间经历了新石器时期、夏商周时代、战国、秦汉时期、唐宋元明清上下五千年的历程，参观了各地的博物馆，了解了古代工艺美术发展的历史。
作业布置
1. 彩陶文化的意义：（ ）美术遗存的代表，从（ ）时代向（ ）时代迈进的重要标志。
2.“黑陶高脚杯”与其它的彩陶相比，最大的区别在哪里？（ ）
青铜艺术
1. “青铜爵”是发现最（ ）的青铜器。
2. “司母戊方鼎”是最（ ）的青铜器。
3. “曾侯乙墓编钟”是最（ ）的青铜器。
4. “毛公鼎”是（ ）最长的青铜器。
5. “青铜牛形灯”是（ ）最精巧的青铜器。
6. 青铜铸造是国家大事，它最主要的作用是（ ），象征（ ），也是等级尊贵的（ ），是一种礼器。
瓷器艺术
1. （ ）代是中国瓷器艺术的高峰时期，有（ ）（ ）（ ）（ ）（ ）五大名窑。
2. 《萧何月下追韩信》属于（ ）瓶，
3. 《鬼谷下山图》瓷罐是目前拍得的中国瓷器中最贵的，价值（ ）亿元。
4. 我国是（ ）的发明国，中国的（ ）很早就流传到国外，因此也被称为（ ）。
漆器艺术
1. （ ）是最早发现和利用漆液的国家。
2. 漆器的作用：（ ）（ ）（ ），不怕（ ），是生活中一种实用的器物。它采用（ ）（ ）（ ）等多种工艺手法。
3. 唐代最有名的漆器工艺是（ ），其中漆器工艺和古琴被评为（ ）遗产。
3 第2课 轻描重彩总相宜
第一课时
一、教学内容 美术课程标准提出美术是人类文化最早和最重要的载体之一，凝聚着浓郁的人文精神，作为中国传统的花鸟画，洋溢着特有的审美，可以增强学生对自然和生活的热爱及责任感。工笔花鸟画有其 独特的艺术绘制程式，讲究用笔用墨，笔墨不仅是视觉形式，更是 气韵、精神的载体。教材选材灵活，宋人花鸟，给教师提供了很好的教学视角。引导学生感受宋人花鸟画“以技进乎道”的高妙，感受画面空灵、至美的视觉遐想。
二、教学目标
认知目标：了解宋人花鸟画的表现语言、构图形式、造型特征、色彩运用及画面情趣的表达。
技能目标：临摹一幅宋代花鸟画小品，体验工笔花鸟画的表现 技法，感受画面的书卷气息。
情感目标：感受宋代花鸟画崇尚诗意的情趣，品味画面“笔工而意写”的意境、气韵。
三、教学重难点
教学重点：工笔花鸟画的绘画步骤及其艺术特征。 教学难点：工笔花鸟画诗意画面的构建。
四、教学准备 教学课件、熟宣、勾线笔、染色笔、颜料。
五、教学内容
（一）新课导入 摄影《夏荷》与宋人花鸟《出水芙蓉图》哪幅作品印象更深刻？导入课题“轻描重彩总相宜”。
（二）新授课程
1. 探讨交流 仔细品味《出水芙蓉图》，你看见了什么？发现了什么？ 在团形的画面中，画家截取一花一叶，并巧妙地组合，构图简洁而富有张力，自然生态下的荷花形象被画家赋予了一种超自然的美。
看见：荷花、莲蓬、花蕊、荷叶、花茎。
发现：作品的布局稳定、空灵，用笔精妙，用色沉着，精湛细密。荷花精微的晕染勾勒，夸张的莲蓬、花蕊的造型，借助立粉表现技法，舞动的荷叶，使小小的画面传达出一种空灵清虚的境界，揭示出自然界生生不息之情境。一花一叶，凝聚了画家对生命的关注，融入了画家的生命整体。
感受：画家在荷花中捕捉着一种感觉、一种情绪、一种境界，蕴含着宁静、平淡、和谐的诗意和超出具体细节刻画之上的一种“禅境”。
2.分析讨论
分组分析《鸡雏待饲图》《碧桃图》，从画面细节处谈一谈各自的感受。
《鸡雏待饲图》画面只画了两只小鸡，画家对鸡雏动态捕捉、神形的毕现，让我们想起儿时饲养的鸡雏，如闻啾啾的鸡叫，儿时的幸福温湿眼眶，整个画面在工整细腻中充满了浓浓的春意。
《碧桃图》透露出画家观察的睿智，画面洋溢着春天的生活气息，花朵的用心刻画，与画家观察体验生活并反复笔墨修炼紧密相联。
3.欣赏感悟
《百花图卷》（纵31.5 厘米、横1679.5厘米）。
观察：画卷在用笔、用墨和表现技法上的特征。
欣赏：故宫博物院馆藏，宋代佚名，是以白描为主，浓淡墨烘染为辅的巨幅长卷。图中绘有梅花、山茶、罂粟、牡丹、荷花等五十余种花卉，花间穿插、点缀禽鸟、草虫、蛱蝶、小鱼等，极富自然情趣。其间在枝杆、花叶正反翻转的形态及纹理、蜻蜓、鸟类、草虫的用笔都有微妙而精致的变化。配以墨色的烘染，生动传神。譬如荷叶的用线，是重线勾花头，极精致的淡细勾花脉，鸡冠花用点、蜻蜓翅上勾脉线，都一丝不苟而各有变化，故气韵别致。感悟：宋代画家力倡画面的“诗境”，使得画家由追求再现自然美升华到把花鸟与人、自然与人联系在一起。可以这样说，宋人的“写生”再现，起源于自然，又高于自然，花鸟鱼虫皆被赋予人格，展现人生的体验，生命的感悟。宋人册页花鸟画，尽管画幅不大，但表达得气势宏大、意境悠远，在意境上追求自然和生命的气韵，流露出人与自然的和谐统一。
4.探究分析
思考：宋人花鸟作品，画家在苦心“经营位置”时，背景为什么要留白？
宋人花鸟小品，无一例外地都没有背景，布白的经营在整个构图中起到了至关重要的作用。可以看到宫庭画院的画家们在构图上强化“独幅画感”，即画面的完整性。将画面留白处理极尽精妙，“计白当黑”，使画面遐想的空间更大。空白在画面中不但构建了空间问题，同时还把空白构建的空间关系纳入另一境界之中，也就是说，空白构建的空间不是虚无的空间，是虚与实的相互依存。
5.教师演示
如何临摹宋人花鸟画？需要做哪些准备？
工具介绍：熟宣、绢、墨、砚、染色用的羊毫笔、勾线用狼毫笔、水盂、颜料、调色盘等。
临摹经典工笔花卉步骤：勾线、渲染、罩色、刻画。
教师演示《出水芙蓉图》步骤，将步骤图一一展示。
勾线——先用铅笔在白纸上起稿，勾勒造型后，拷贝至熟宣或绢上，选择勾线笔勾线。根据画面需要，描绘花卉的线条淡些，叶、茎深些，使线稿有浓淡变化。
渲染——工笔画绘制中最重要的染色技巧。可以用两支毛笔，分多次进行，一支笔蘸墨或色，另一支笔蘸水，将墨色拖染开去，形成墨色由浓到淡的渐变效果。宋人花鸟画都经过层层渲染，色彩透明、厚重，质感和立体感强。
罩色——根据画面平涂一层淡色，使画面统一丰富，可以多次进行，要求用色透明，露出底色。细分为统染、罩染、提染等。
统染——在绘制工笔的过程中，根据画面明暗处理的需要，往往需要几片叶子、几片花瓣统一渲染，强调整体的明暗与色彩关系，称为统染。
罩染——在已经着色的画面上重新罩上一层色彩并局部渲染。 烘染——在所描绘的物体周围淡淡地渲染底色，用来衬托或掩映物体。
刻画——勾勒花瓣的花丝，堆出花蕊的厚度，点染花茎的小刺。细致描绘，丰富画面细节。
6.学生作业 作业内容：
临摹一幅宋人花鸟画册页，体会工笔花鸟画技法。
基本要求：了解工笔花鸟画的工具、材质，完成一幅花鸟画小品。
个性要求：完成一幅工笔花鸟画小品，并用其美化居室。
7. 展示评价 学生在班级展示自己的临摹作品，同学之间交流临摹宋人小品的学习体会，互评及教师点评作品。评价结果以简练的语言记录，并给予学生恰当反馈，以提高学生学习传统绘画的兴趣。
六、小结 在中国画家笔下，花鸟画反映了中国人与审美客体的联通关系，抓住自然生物与人的思想感情的某种联系加以强化的表现，所谓缘物寄情、托物言志。表现在绘画的技法中，则是中国花鸟画既以“写生”为基础，又不拘泥于单纯视觉的形似，甚至追求“不似之似”和“似与不似之间”的审美韵味，着重于通过表现对象的基本形象特征来传达一种主观化的审美神韵。
4 第2课 轻描重彩总相宜
第二课时
一、教学目标
认知目标：了解宋人花鸟画的表现语言、构图形式、造型特征、色彩运用及画面情趣的表达。
操作目标：写生荷花，体验工笔花鸟画创作过程，并通过临摹或同题材经典宋画《出水芙蓉》，感受工笔花鸟的艺术魅力，并通过欣赏与实践，更深刻地理解宋画的哲学思想和艺术魅力，加深艺术源于生活、高于生活的认识。
情意目标：感受宋代花鸟画崇尚诗意的情趣，通过对工笔花鸟艺术的特点、风格、规律美学思想等有基本了解，对中国丰富的文化底蕴及内涵，在认识上有一定提高，从而增强对民族文化的自信心和自豪感。
二、教学重难点
教学重点：工笔花鸟画的绘画步骤及其艺术特征。 教学难点：工笔花鸟画诗意画面的构建。
三、教学准备
教学课件、团扇、熟宣、勾线笔、羊毫笔、中国画颜色、水盂。
四、教学内容要点
熟宣：中国书画用纸，起初产于安徽的泾县（古属宣州），所以称之为宣纸。熟宣，是染有胶矾的生宣，具有着水后不渗化的特点，适用于工笔画。主要品种有素宣、玉版、蝉羽、冷金等。
勾线笔：多为狼毫勾线笔，用于中国工笔画创作时对作品的勾勒，以线条造型表达形象的准确性、力量感。
染笔：中国工笔画渲染时的用笔，多为羊毫。
工笔花鸟画：工笔花鸟画是运用中国特制的毛笔、国画颜料，在熟宣纸或矾绢上进行严谨精致花鸟画创作。工笔花鸟画不仅是“应物象形”，而是意象性的写实，追求气韵生动的意境和情趣。
没骨法：中国画术语，舍弃了墨笔勾勒，直接用彩色作画的技法称为“没骨法”。相传由南朝张僧繇创始，真正始于清朝恽寿平。这种画法打破了以往的“勾花点叶”法，以彩笔取代墨笔直接挥毫，从而产生了全新的画风。
兼工带写：中图画技法名。即一幅画中有笔法工整细致的部分，亦有较放纵写意的部分，用工、写二种笔法，表观出物象的形神。
宋人小品：小品画，通常指表现折枝、局部和寻常花鸟鱼虫的扇面、册页等小幅作品，画幅小中见大。其题材多样，内容丰富，张幅不大的画面上，画有山水楼阁、花鸟草虫、人物故事等内容。宋人小品花鸟画形制多为圆中见方的尺牍小幅，以内敛的结构和开合呼应的构图方式，营造格调优雅而隽永的意境。
六法论：南齐著名画家谢赫的“六法”即“气韵生动”“骨法用笔”“应物写形”“随类赋彩”“经营位置”“传移模写”，这是最完整、最系统的中国绘画、品画的标准。
赵佶：宋徽宗，北宋画家，书法家。在政期间，扩充画院，兴办画学，鉴藏古画，编纂《宣和画谱》，使得宋代宫廷画院人才济济，达到我国宫廷绘画最兴盛的时期。赵佶长于工笔花鸟画，代表作《芙蓉锦鸡图》。
陈之佛：号雪翁。擅长图案设计和书籍装帧，后转入中国画，长于工笔花鸟画，作品无论在构图、线条、设色方法都有独到之处，尤其对色彩的运用，艳而不俗、淡而有味，让人百看不厌。“观、写、摹、读”四字诀，则是陈之佛律己教人的金科玉律。
齐白石：名璜，号濒生，别号白石山人、借山翁、借山吟馆主者、三百石印富翁等，白石先生以写意蔬果见长，常常以经典的笔墨意趣传达中国画的艺术精神，向大众传达生命的智慧和生活的哲理，稍加留意你会发现，他的写意画中有描绘得十分工细的昆虫穿行其间，这样的描绘加强了作品的意趣。
教学过程
一、课前准备
教具：教学课件，熟宣、勾线笔、染笔、颜料、水盂。
、学具：熟宣、勾线笔、染笔、颜料等。 二、新课导入
师：上节课，我们通过仔细观察对“荷”进行了写生，同学们用手中的画笔描绘了荷花的风韵，效果非常不错。那么，我们的古人是怎样表现荷的呢？今天，我们将通过欣赏宋代艺术作品，一起来学习《轻描重彩总相宜》的工笔花鸟画。
三、新授课程
（一） 欣赏交流
工笔花鸟画是运用中国特制的毛笔、国画颜料，在熟宣纸或矾绢上进行严谨精致花鸟画创作。工笔画鸟画不仅是“应物象形”，而是意象性的写实，追求气韵生动的意境和情趣。
工笔画从画法上可分为白描、淡彩、重彩、没骨四种。工笔花鸟画要求表现对象的生命与特质，并借助联想与想象构筑充满感情的诗意画面。
工笔画花鸟画形成于唐，成熟于五代，兴盛于宋代。宋人花鸟画的发展是中国绘画史的高峰，师生一起赏析《出水芙蓉图》。
（二）分组讨论
第一组讨论《雏鸡待饲图》、第二组讨论崔白《双喜图》。
1. 作品在取材、取景上的感受。
2. 画面有什么地方吸引了你？
第三组讨论构图布局特点，并谈谈画家在苦心“经营位置”时，背景为什么要留白？
（三）教师演示《出水芙蓉图》步骤
1. 工笔画的工具材料介绍、工笔画知识点讲解。
（知识点：在中国画中，凡以花卉、花鸟、鱼虫等为描绘对象的画，称之为花鸟画。花鸟画中的画法中有“工笔”“写意”“兼工带写”三种。工笔花鸟画即用浓、淡墨勾勒对象，再深浅分层次着色；写意花鸟画即用简练概括的手法绘写对象；介于工笔和写意之间的就称为兼工带写。）
2. 演示线描
（1）工笔画的材料介绍、白描勾画。（介绍铁线描、游丝描等所谓“十八描”知识。）
运笔——起笔（起笔藏锋）笔欲右行，向左锋顿笔，然后右行。反之亦然。 行笔（行笔要稳）行笔要稳，速度要慢，对纸面压力要均匀。 收笔（收笔回锋）收笔向来的方向收回。“天往不回”。
（2）A. 勾线顺序——从上到下，从左到右。（荷花从尖端起笔，荷叶从柄起笔，从粗向细起笔。）
B. 表现结构前后关系——两线相遇，一线前压另一条线，即前压后。
C. 线条的浓密粗细——（介绍墨分五色——焦浓重淡轻。）淡墨细线勾花瓣，重墨粗线勾叶、茎、花萼。
（3）学生完成白描稿。
3. 演示晕染技法。
（1）分析莲花的色彩。（荷花——白到粉红，荷叶——浅绿到墨绿。）
（2）简单介绍几种颜色的调配方法：
A.花 粉红——曙红+酞白（少量酞白） 浅红——曙红+酞白（少量曙红）
B.枝、叶子 深绿——花青+藤黄（花青为主） 嫩绿——藤黄+花青（藤黄为主）
（2）学生观察教师演示步骤，观察渲染的技法要求（出示分步步骤图）。
A. 渲染打底 B. 分染 C. 平涂或罩染 D. 整理完成
（3）作业：
A. 临摹一幅宋人花鸟，体验描绘技法，感受画面的情意表达。
B. 选宋画局部进行工笔画临摹学习。
C. 部分同学可根据写生稿整理工笔花卉创作，体验创作乐趣。
（4）巡回指导。
指导学生用笔与染色要领，指示学生注意笔墨浓淡，干湿变化。
5 第3课笔情墨意抒胸臆
第1课时
一、教材分析
本课是继前一课学习的基础上安排的。本课主要以写意花鸟为主。教材版面分成两大部分。第一步分是古今艺术大师的经典花鸟范作和学生作品;第二部分是笔墨（包括用色）技法示范，与生活有机联系的美术活动。大师作品与学生作品与学生作品均淋漓尽致地体现了墨彩交融、水墨浑然一体的艺术特色。笔墨（彩）技法示范主要提示学生用笔用墨的变化，学习和尝试如何浓破淡，淡破浓，墨破色，色破墨，干破湿，湿破干的画法。教师可通过示范与比较，让学生去理解，并在作品中加以应用。教学启示可以开展各种有意义的活动，将民族文化与民间活动结合，使教学过程更生动活泼，以保持学生对中国画的长久兴趣。
二、教学目标
认知目标：通过欣赏花鸟画作品，理解笔墨的表现是为了达到“托物言志，借物喻人”。作品即“人品”体现。
技能目标：能够大胆地运用作画工具和方法，表达墨与彩的变化效果，尝试创作形象生动的花卉作品以表达自己的情感。
情感目标：进一步理解中国画的内涵美、意境美，感知一花一草皆有情，学会观察生活，引导学生在情感体验中提高想象力、创 造力。
三、教学重点: 通过作品分析，理解花鸟画的表现内容和表达方式。
把握泼墨，破色，墨色的浓淡变化，用笔的简练概括，水分的干湿与笔墨融合的作用。
四、教学难点：用中国花鸟画的表现形式去表达个人的志向和情怀。
五、课前准备：教具 花鸟画作品，作画工具、宣纸、毛笔、墨汁、毛毡等。
六、教学过程：
（一）新课导入：
出示郑板桥的作品（问：这是谁的作品），让学生了解郑板桥。
问：郑板桥为什么只画兰竹石呢？（讨论）
郑板桥其人：“扬州八怪”之一，江苏扬州兴化人，曾任山东淮坊县令，是一方清官，他关心百姓疾苦，因自然灾害时为百姓申请救济而触怒了上司，被罢了官，传统花鸟画中梅兰竹菊喻意是兰四时不谢，竹百节长青，虚心有节，菊傲骨含香，梅冲寒斗雪，石万古不败，正好和他倔强不驯的性格相吻合。
归纳：郑板桥把自己的情感寄托在兰竹石上，这不仅是他思想情感的宣泄，更是他人格的写照。
（二）、讲授新课：
1.所谓花鸟画，是以动植物为主要描绘对象的中国传统画科，下面我们来欣赏一段生活中的花鸟影片。(展示花鸟视频)
2.出示黄筌的《写生珍禽图》和朱耷的花鸟画进行对比。
3.写意画法能抒发作者内心的强烈感受，下面我们来欣赏《墨葡萄图》，一起来走进徐渭。
4.刚才我们欣赏了古代大师的作品，感受了他们作品的意境与内涵，下面我们一起来欣赏现代大师们的花鸟画作品，出示齐白石图片，让学生答出其生平，并欣赏齐白石部分作品。（提问）齐白石的作品在艺术风格和色彩运用上和古代画家作品又有什么不同？（提问）
教师归纳：画法工笔、写意兼备，开创了“兼工带写”法，色彩艳丽，使人感到了旺盛的生命力，表达了对社会主义的热爱和对新生活的向往。
5.从欣赏《荷花图》中分析写意花卉画的用笔用墨的基本方法。（教师讲解与示范相结合）。
写意花卉是用毛笔蘸上不同深浅的墨色或颜色在吸水性强的生宣上挥写出来的。这是中国画独有的表现手法，它最讲究用笔用墨的技法。
用笔：
中锋——笔尖垂直于纸面运行，可画圆润 浑厚的点和线（如画荷花的茎和花瓣的用笔）
侧锋——笔尖与笔腹同时运行于纸面，可画较粗的点、线、面（如画荷叶的用笔）
用墨：
干、湿、浓、淡、焦。
6.破墨法
农破淡 淡破浓 墨破色 色破墨
（三）、出示范画步骤图，讲述作画步骤。
教师分析荷叶、花、茎的形象特点，使学生有切实的体会。
绘画步骤：（教师示范过程，使学生了解画法）
1、用炭条或铅笔画出荷花的叶、花、茎的大致位置。
2、用浓墨画荷叶（侧锋蘸浓墨依照荷叶的结构，自左往右大笔挥写，使墨团符合荷叶的形态结构，又有浓淡变化）。
3、画荷茎（浓墨、中锋运笔）。
4、画荷花（墨色适中、中锋运笔、）。
5、落款。
七、作业要求：
1.能运用几种国画的表现方法(如用墨、用色、造型、构图、题字等)来完成作业。
2.能表达画题的意境。
3.注意构图，画面要求完整，包括落款题字。
6 第4课 水墨交融写青山
第一课时
教材分析
中国山水画是以山川自然景观为主要描写对象的中国画，形成于魏晋南北朝时期，但尚未从人物画中完全分离。隋唐时开始独立，五代、北宋时趋于成熟，成为中国画的重要画科。传统上按画法风格分为青绿山水、金碧山水、水墨山水、浅绛山水、小青绿山水、没骨山水等。
中国山水画是中国文化的重要组成部分，是中国传统绘画题材之一。对传统山水画的学习进一步强化了民族文化，符合课标的要求。教材通过感受古人的“笔墨”、追寻大师的意境等版面分割，引导学生参与文化的传承和交流，适合初中学生的身心发展水平。学生通过尝试山水画的笔墨语言，明了传统不是凝滞不变，而是不断发展前进的。
1. 教学路径
看：山水画以毛笔、水墨、宣纸为工具，以山川景色为描绘对象，融入中华民族文化思想，大胆而自由地打破时空限制，赋予了山水画深厚的文化内涵和内在生命力。游山玩水的文化意识，以山为德、水为性的内在修行意识，咫尺天涯的视错觉意识，中国山水画的天人合一之境，一直是山水画演绎的中轴主线。
学：了解毛笔的笔性及其表现方法。掌握树、石的程式化语言，体悟古人的“笔墨情趣”。以“皴”为美的山水画是人们面对自然时，通过观察而形成的一种极富创意的视觉笔墨，笔墨即为美，即为空间，在经典作品中探寻画家们的传承、整合、创新的发展之路。学习用墨，谨记惜墨、泼墨技法。
实践：融合自己掌握的笔墨语言，临摹或创作一幅以大自然为主体的山水画。
创新：合作画常常是画家们切磋技艺、交流情感、记录友谊的“风雅之事”。尝试以小组为单位，合作创作一幅山水画作品，体验集体的智慧，享受创造的乐趣。
教学内容
一、教学目标
认知目标：感受山水画生动变化的笔墨意趣，了解山水画的程式化语言及独特的艺术特色。
技能目标：了解山水画的程式美，笔墨的表现方法及一般的构图法则。尝试与他人合作或个人创作一幅山水画。
情感目标：引导学生欣赏中国山水画，体悟山水画意境，培养学生对祖国传统文化的认识和兴趣，提高审美情趣。
二、教学重难点
教学重点：山水画的程式化表现及其艺术特色。
教学难点：山水画作品意境的表达。
三、教学准备
教学课件、宣纸、画笔、查阅相关历史资料。
四、教学要点
中国“文房四宝”。
毛笔：选料讲究，工艺精细，品种繁多，粗的有碗口大，细的如绣花针。按原料分为羊毫、狼毫、兼毫、紫毫四大类。从书画效果上要求笔“齐、锐、圆、健”。“齐”指笔头饱满浓厚，吐墨均匀；“锐”指笔锋锐尖不开叉，利于钩捺；“圆”指笔锋圆转，挥扫自如；“健”指笔锋有弹力而显书画者笔力。
墨：墨锭，以徽墨较著名。为了便捷，现代也以墨汁替代，如“一得阁”“曹素功”等。
纸：宣纸。具有“韧而能润、光而不滑、洁白稠密、纹理纯净、搓折无损、润墨性强”等特点，并有独特的渗透、润滑性能，作画骨神兼备，最能体现中国画的艺术风格。所谓“墨分五色”，即一笔落成，深浅浓淡，纹理可见，墨韵清晰，层次分明，这是书画家利用宣纸的润墨性，控制了水墨比例，运笔疾徐有致而达到的一种艺术效果。宣纸同时还耐老化、不变色、少虫蛀、寿命长，故有“纸中之王、千年寿纸”的美誉。
砚：最著名的是广东肇庆的端砚、安徽的歙砚、山东鲁砚、江西龙尾砚、山西澄泥砚。砚台讲究质细地腻、润泽净纯、晶莹平滑、纹理清晰、易发墨而不吸水。
笔法：皴、擦、点、染。
用笔方式：中锋、侧锋、逆顺、顿挫、疾徐、转折。
墨法：浓、淡、干、 湿、枯、焦。
用墨方式：浓墨、淡墨、破墨、积墨、宿墨、泼墨。
皴法：皴法是山水画为表现山石的质感所创造出的行之有效的表现程式，是艺术家审美意象的一种外化，其秉承“天人合一”的哲学思想，也是画家思想、情感的表达。皴法的运用，意不在本身，而是表达画家审美意象的一个载体，是画家内心情感的审美追求。
披麻皴——常用来表现土质山或质地疏松的岩石。代表作品有黄公望《富春山居图》，由参差松软的条形墨线组成，用笔灵活，皴擦并用，注意浓淡干湿的丰富变化。
斧劈皴——常用中锋勾勒山石轮廓，以侧锋横向之笔画出石质肌理，再用淡墨渲染。代表作品有马远《踏歌图》，运笔多顿挫曲折，有如刀砍斧劈，故称为斧劈皴，这种皴法宜于表现质地坚硬、棱角分明的岩石。笔线细劲的称小斧劈，笔线粗阔的称大斧劈。
雨点皴——常用中锋稍间以侧锋点出，亦叫豆瓣披，为长点形的短促笔触，表现山石的苍劲厚重。代表作品有范宽《雪山萧寺图》，具有“峰峦浑厚，势状雄健”的独特风格。
折带皴——这种皴法用侧锋卧笔向右行，再转折横刮，向左行可逆锋向前，再转折向，画出的墨线如“折带”故以名之。代表作品有“元四家”之一倪瓒的《渔庄秋霁图》，用笔变中锋为侧锋，折带皴画山石，枯笔干墨，淡雅峻秀，意境荒寒空寂，风格萧散超逸，极具艺术魅力。
中国画的构图又称章法或布局。中国画的画面构图透视关系是多点的，没有固定的一个视点，中国画这种散点的、移动的透视关系给画面提供了“可行、可望、可游、可居”的自由空间。宋代的郭熙在《林泉高致》中，对三远法下过这样的定义：“山有三远：自山下而仰山巅谓之高远；自山前而窥山后谓之深远；自近山而望远山谓之平远。”三远法，就是一种散点透视法，以仰视、俯视、平视等不同的视点来描绘画中的景物，打破了一般绘画以一个视点，即焦点透视观察景物的局限。
山水画意境：是山水画创作在审美意识上的双重构建，其意境既不是客观物象的简单描摹，也不是主观意念的精神表现，而是运用“情与景汇，意与象通”构成意境空间，是主﹑客观世界的统一，是画家通过“外师造化，中得心源”的高度和谐的体现。
《芥子园画传》中国清代绘画技法图谱，又称《芥子园画谱》，为沈心友请诸多画家编绘而成。画谱系统地介绍了中国画的基本技法，浅显明了，非常适合初学者习用。画谱问世300 余年，许多成名的艺术家当初入门学习绘画，都将这本书作为研习范本。其中第一集山水图谱于康熙十八年以木版彩色套印成书，并以沈心友的岳父李渔的别墅“芥子园”为书命名，内容分画学浅说、设色、树谱、山石谱、人物屋宇谱、名家山水画谱等部分。
赵孟：字子昂，号松雪道人, 元代著名画家。赵孟绘画取材广泛，善画山水、人物、花鸟各科。在笔墨技法上，兼善工笔与写意，呈多种面貌，着重表现文人隐逸的审美情趣。赵孟正式提出“师古”的主张，并与“不求形似”的士大夫绘画主张相结合，融以“师法自然”的过硬技巧，确立了元代绘画艺术思维的审美标准。
石涛：清初四僧之一。又号苦瓜和尚、大涤子等。擅画花卉、蔬果、兰竹，兼工人物，尤善山水。其画力主“搜尽奇峰打草稿”“借古以开今”“我用我法”，一反当时仿古之风，其画构图新奇，笔墨雄健纵恣，淋漓酣畅，表现手法富于变化，又能独特、和谐地统一为自己的风格特色。吴冠中先生认为，石涛是中国现代美术的起点，另一方面，他又是中国传统画论的集大成者，游走在现代和传统之间。
张大千：20 世纪中国画坛最具传奇色彩的国画大师，无论是绘画、书法、篆刻、诗词都无所不通，特别在山水画方面卓有成就。张大千的艺术生涯和绘画风格，经历“师古”“师自然”“师心”三个阶段。他师古而不拟古，在继承传统的基础上发展了泼墨，创造了泼彩、泼彩墨艺术。
7 第4课 水墨交融写青山
第二课时
一、新课导入
自然山水与中国的山水画有什么关系？
山水画——以表现山川景色为主体的绘画。不但表现丰富多彩的自然美，而且体现了中国画家的自然观和审美意识，画家们从自然中提炼出生动变化的笔触墨韵营造画境。中国的山水画不仅描绘了自然山水，而且寄托了画家个人的情感和理想，强调了画家的主观感受。
二、新授课程
1. 情景交融，古人的笔墨
分析探讨：
《秀石疏林图》传递怎样的意境？画中树木、石头的笔、墨有哪些变化？
石块用笔方折、爽利——侧锋；树干线条浑圆饱满——中锋。
“石分三面、树分四枝”形象地概括了中国山水画中树、石的造型方法。
思考分析：
中国山水画中有哪些表现程式？
程式的本意是法式、规程，它含有规范化的涵义。中国画家在表现自然时，注重景物的总体精神和特征，在长期深入观察和积累中，对树木、山石形成了独特鲜明的表现程式。背景空白，突出了笔墨情趣。
欣赏感悟：
人们常说“诗中有画，画中有诗”，你能体会到中国山水画家追求的境界吗？
中国画的中心——笔墨，中国画讲究墨的浓淡，淡要淡得厚，淡得有韵味，不能淡薄；浓不能浓得有火气、燥气。笔墨就是构成，有意识地将笔墨的安排作为构成来思考。由于笔墨的偶然性和现场发挥并不完全依画家的旨意和预期，所以在作画过程中还要随机应变，灵活处理。
2. 追寻表达，大师的意境
中国山水画的空间分割讲究造境。中国画三远的布局章法，可以用尺幅之纸表现万里江河、万仞高山。自近而望其远曰平远，平远之致冲融；自下而仰其巅曰高远，高远之势突兀；自前而窥其后曰深远，深远之意重叠。
《寒江独钓图》画面表现的是什么内容，你能联想到一首诗吗？
作者表现了怎样的情感？大面积的留白表示什么意思？
作品描绘了诗一般的意境。“千山鸟飞绝，万径人踪灭，孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪。”作品描绘了一叶孤舟漂泊在无垠的水际，只有一位老者，身穿蓑衣，头戴斗笠，在独自垂钓。大面积的留白给人以想象的空间，像水天相连，像茫茫白雪，像雾气迷茫，充分表现了寒冷的感觉。
体会：意境之美，中国山水画情与景交融的独特审美内涵。中国的山水画不仅描绘了自然山水，而且寄托了画家个人的情感和理想，同时也表达了画家的主观感受。
《山水》画面意境：清幽静谧。石涛运用线的粗细、刚柔、浓淡、疏密等形态组合的变化构成近山远水，岸柳板桥，不受客观世界中光线、色彩、透视的制约，形成画面节奏，从而传递画家的情绪、感受和富有生命力的内心世界。
教师示范：示范树木与山石的技法。
古代画家画树叶时创造的各种点叶法：菊花点、胡椒点、介子点、松叶点等。
古代画家画山石时创造的各种皴法：是表现山石﹑峰峦纹理的画法，有披麻皴﹑雨点皴﹑斧劈皴等。
在教师的指导下练习各种笔法、墨色、墨法，谈谈对用笔、用墨的感受，并试着对同学的笔墨造型进行分析，判断它们各使用了哪些笔法、墨法。
3. 合作临摹，创造的乐趣
作业要求：
融合自己掌握的笔墨语言，临摹或创作一幅以大自然为主体的山水画。
展示评价：
学生展示自己的临摹作品，同学之间交流学习体会，互评及教师点评作品。
8 第5课 园林 探幽
第一课时
教材分析
本课属于综合 探索领域。园林艺术浓缩了中国文化的精华，苏州园林成为中国私家园林的代表，其中蕴涵了建筑、园艺、风俗以及“诗情画意”的中国古代人文精神。苏州园林试图在有限的内部空间里完美地再现外部世界的空间和结构。园内庭台楼榭、游廊小径蜿蜒其间，内外空间相互渗透，得以流畅、流通、流动。透过格子窗，广阔的自然风光被浓缩成微型景观。题词铭记无处不在，为园林平添了浓郁的人文气息。涓涓清流脚下而过，倒映出园中的景物，虚实交错，把观赏者从可触摸的真实世界带入无限的梦幻空间。可谓“不出城郭而获山水之怡, 身居闹市而有灵泉之致”。
教学中探求苏州园林的“精、巧、灵、雅、意、美”是课程的重心，建筑技巧和造园手法则是支撑园林精髓的基石。
1. 教学路径
欣赏——以图片和视频形式赏析江南园林。感受江南园林中所蕴含的中国文化中的人文情怀和“写意山水”的审美要素。
了解——了解江南园林和私家园林的特质和江南园林的发生、发展。对比江南私家园林和皇家园林的差异。江南园林典型特质的形成原因和江南园林中各种建筑、审美、文化元素的组成。了解江南园林中最有代表性的园林。
体验——体验和感受江南园林，居住条件与生活环境的“宅园合一、可赏、可游、可居”这一形态特质。体验古代江南园林中“花木寓意、叠石寄情”的人物思想特质，体会园林中题咏、匾额、楹联等文化元素的精神内容。
应用——以江南园林中的一个点进行深入探究，寻根溯源。假山、池塘与中国画中的山水写意；漏窗、花格与中国古代的人文精神；回廊、曲桥与中国文化中蕴含品质等。对比他们之间的差异和联系，寻求江南园林中的审美真谛。
创造——以江南园林诸多审美元素中的一点展开，深入解读从造园到中国绘画，所体现出的中国古代人文精神。将这些元素重新组合，形成新的视觉作品。
2.课时安排：
第一课时以江南园林中的审美节点展开，探求以点及面地层层深入。以江南园林中的一个点进入，如漏窗、假山、回廊等，以点及面展现园林中的“精、细、巧、雅”。
第二课时从江南园林中的中国绘画的审美再造谈起，将造园中的布局、营造和中国绘画中的写意、情境相对应，建立对江南园林中审美元素的认知。
第三课时从造园者和居住者的角度进入，探寻江南园林中深层的文化内涵和人文精神，体验江南园林中的“意和美”。
教学内容
一、教学目标
认知目标：从苏州园林的造园元素中体验江南园林的艺术品质，了解园林的基本建造技巧和建造法则。
技能目标：能够从审美的角度对苏州园林有新的认识。
情感目标：体验江南园林中所蕴含的人文气息和精神风貌。
二、教学重难点
对苏州园林多重艺术风貌的理解。
三、教学准备
相关的园林、苏州园林、皇家园林、西方园林的各类图片资料。其中以苏州园林的图片资料为主，包括漏窗、题咏、砖雕、植物、花窗的局部图片。
四、教学内容要点
1. 江南私家园林主要的建筑特色：江南独特的人文背景和地理条件造就了私家园林，从公元前6世纪发展到鼎盛成熟的明清。时间与人文环境孕育了大批园林艺术家，也使江南私家园林的建筑独具匠心，丰富多样，形成以山水为中心，粉墙黛瓦、曲径通幽、一步一景的咫尺之内再造乾坤的整体建筑特色。
2. 江南园林中的重要建筑元素与园林意境的创造：在江南园林中最主要的建筑有厅、堂、楼台、榭、轩、斋、廊、舫等，同时有墙、洞门、空窗、漏窗、铺地等建筑小品。这些建筑构成不仅具有居住功能，更重要的是具有艺术化的游赏空间。于是建筑元素就有了营造园林意境的重要功能。依据“意在笔先”的原则，江南园林在造园上就有了以入门避曲空间、以山水变换空间、用建筑分合空间、以植物呈现空间等表现形式，形成了开合有致，虚空交替，入门宛如世外桃源，咫尺间山高水远的视觉语言。
3. 江南园林中的传统画意：江南园林中布局构筑建立在中国传统绘画的创作原则上，南北朝时期山水画、山水诗文盛行，社会风气和人文风气对造园活动产生了深刻的影响。唐、宋以后文人画深入社会，也深深影响到江南园林的造园活动。从园林的布局、造景到匾额、楹联都具有了写意的中国传统绘画意境，使园林由“诗情画意”成为无声的诗、立体的画，同时画家文人对造园的介入更强化了园林中山水写意的人文气息。
4. 江南园林中的主题和精神意味：江南园林的造园理念中，充满着老庄的思想。这些“自然、无为”的隐逸之风成为当时社会的普遍现象，江南园林从发展脉络上看，其园林的主题正是体现了这种“隐于市”的隐逸主题。园林中建筑景观的设计和题名也具有隐逸的主题，更以楹联的形式来作进一步的诠释。造园者、参与者、园主等人所具有的隐逸精神形态，因其极强的人文特质而得到社会的普遍承认。江南园林的造园有了返璞归真，回归自然的追求，达到了“虽由人作、宛自天开”的最高境界。
5. 江南园林的艺术特质：江南古典园林实现了住宅与园林在形式上的完美结合，在满足居住、休憩、游赏需要的同时，将对自然的精神追求最大化地移植到园林中，使园林具有了堆山、叠峰、凿池等模拟缩写。巧用借景，突破空间局限，丰富景色；衬托相映、虚实对比、虚远具体、空灵实在，形成园中景物的虚幻与层次。曲径通幽、随形而变、依势而曲的景致变化，使园林空间更为丰富。
9 第5课 园林 探幽
第二课时
教学方法
一、探索与查阅
查阅和了解江南私家园林中著名园林的艺术特色，比较皇家园林，了解江南园林中的布局、建筑、山水、植物等重要造园元素的特点。了解不同时期江南园林造园时的社会风尚和人文环境，体验这些因素对江南园林的影响。
二、交流与探讨
寻找例证。将江南园林所蕴含的人文情境的场景和中国山水画作对比，体会江南园林中缩景模拟的山水写意，从小景、小品、窗格、题咏、花草植物中寻找应对江南园林建筑中的人文思想，体会江南园林中的深层意味。
三、创意与制作
江南园林是从画中走出来的，所以江南园林的景致随处都是可以入画的，以线描、速写的形式记录园林的一角，配以自己对园林认识的文字，完成对园林的初步认知。寻找园林中最具有特点的景致、物件，由点展开，呈现园林的人文风貌，制作和绘画相结合，形成大型活动式场景，完成江南园林的再创造。
教学内容
一、教学目标
1. 完成园林中漏窗的创作草图。
2. 充分认识园林中漏窗的图案元素。
3. 漏窗与造园艺术的关系。
4. 完成漏窗的雕刻制作。
二、教学要点
1. 漏窗在园林（苏州园林）中主要出现在什么建筑上？
2. 漏窗的形式和内容各有哪些？
3. 比较有漏窗的建筑和没有漏窗的建筑在艺术上视觉上的不同。
4. 漏窗上的图案内容和园林中中国古代文人精神有怎样的联系？
5. 列举苏州园林中的漏窗图片并建议讨论说明。
三、创作思考
1. 要求学生了解和欣赏漏窗并设计一幅漏窗草图。
2. 示范并解读设计制作要点。
3. 漏窗规格：40 厘米×40 厘米、30 厘米×30 厘米、20 厘米×20 厘米。学生创意草图。
4. 展示“琴、棋、书、画”漏窗，要求学生欣赏并思考：①这组漏窗在苏州的哪座园林？②造园的人想告诉我们什么？
5. 漏窗和园林建筑相结合会产生怎样的视觉效果？
四、课后延展
1. 今天我们欣赏了这么多的漏窗，都来自什么建筑群呢？
2. 课后思考漏窗在园林中的作用。
10 第5课 园林 探幽
第三课时
一、教学目标
1. 园林中建筑与园艺植物、山水的韵律与写意。
2.中国画中水墨与写意的艺术表现形式。
3. 基本完成与漏窗相结合的整体装置的创作。
二、教学要点
1. 为什么苏州园林又被称作是“山水园林”？
2. 山水在中国绘画中有哪些表现形式？
3. 为什么山水画的形式会表现在苏州园林的园林建筑设计中？（精神因素和客观因素）
4. 造园者又是通过哪些造园元素将中国绘画的形式表现在园林建筑中的呢？
5. 苏州园林的建筑特色是什么？具体表现在哪些方面？
6. 苏州园林中反映人文情怀的建筑和场景是借怎样的形式表达出来的？
7. 叠山理水、题咏扁额，不同的园林会有哪些不同的造园主题，背后的个体人文情怀又有什么不同？如拙政园、狮子林的造园主题。
8. 是什么样的客观原因形成了苏州园林中各自独特的园林特质呢？画家、文人参与设计吗？
9. 从园林的建筑到园艺，苏州园林中的一砖一瓦、一草一木都具有怎样的象征意味和人文内涵？
10. 园林的主人又都是些怎样的人呢？
三、创作思考
1. 叠山、理水、种树、植花，因势利导的园林建筑中有着怎样的中国写意绘画的神韵，怎样通过一个局部用绘画的方式表现出来呢？
2. 植物的选择在苏州园林中有何意义，人文的情怀和国画写意表现有怎样的联系？
3. 中国写意绘画中“墨色”是如何应用的？
4. 要求找出透过漏窗所看见的一个片段，运用水墨写意的方式，画一幅山水花鸟的局部写意作品。
5. 写意的核心精神价值和人文价值是什么？
四、课后延展
1. 如果说江南园林是一幅风雅的写意，那么皇家园林又是什么呢？
2. 在写意而风雅的江南园林背后蕴涵着怎样的人文特质和风俗画卷？
3. 设计和建造园林的人，和那些曾经的园林主人对园林会寄托着怎样的情怀？
11 第六课 美丽的书
第一课时
书籍不是一般商品，而是一种文化载体，因而一本好的书不仅要从内容上吸引读者，同时成书的形式还要有趣，这就要求书籍设计者应具有良好的立意和构思，使书籍设计从形式到内容形成完美的艺术整体。书籍设计是一种立体的思考行为，从书籍封面、封底和书脊，再到内页，如果单独去看都是平面的，但随着人们的翻阅，视觉的流动，这些平面则组合成一本立体的书籍，带给人以美的感受。
1. 教学路径
看：甲骨装、简策、卷轴装、经折装、蝴蝶装、包背装、线装等等，不仅构成了瑰丽多姿的书籍形态发展史，在某种意义上，也是中华文明的一个象征。书籍设计的基本要求是整体设计，内容与形式统一。书籍形态是包含“造型”和“动态”的二重构造，造型是书的物质形式，以美观、方便、实用构成书籍直观的造型，形成一种形式美感；动态是书的阅读性构造，往往以丰富易懂的信息、有趣的创意、合理的阅读流程以及图文互补的形式，构成书籍内容的流动之美。
学：书籍设计不仅仅是为书装扮一件漂亮的外衣，更重要的是设计师以文本为基础的再创作，进行由表及里的整体思考，从内容到形态、从封面到正文运用独到的设计语言，有效组织信息，努力编排出一本令读者读来有趣、受之有益的纸媒阅读载体，甚至可以成为艺术品，传承后人。需要整合书籍设计要素，注重内容与形式的关系，从书的外衣到书籍形态，从外到内进行整体设计，努力掌握整体设计的方法。
做：通过自己的阅读、理解，尝试为自己喜爱的一本书重新设计封面、封底与书脊，使书变得有趣，具有鲜明的特征。
创新：选用不同的材料，如布、纸、线等，展示创意设计，动手制作一本有创意的书。
教学内容
一、教学目标
认知目标：认识书籍的文化价值和艺术价值，学习书籍设计的基本知识。 技能目标：为自己喜爱的一本书重新设计封面、封底与书脊。
情感目标：感悟书籍设计的艺术美，树立创意为先的设计观念。
二、教学重难点
教学重点：使学生通过封面、封底、书脊的设计表达出书的内涵，恰当地使用图形、色彩、文字等视觉要素以及构成关系。教学难点：书籍设计中内容与形式的高度一致性和相互映衬关系。
三、教学准备
各类书籍图片、A4 纸、画笔、颜料、教学课件。 四、教学要点
1. 书的形态：书是人类文化和社会文明的产物。最早的书是两河流域文明时期刻在湿泥板上的埃及楔形文字书。中国人发明造纸术前，书写的材料是竹简、木牍、丝帛。造纸术、印刷术的发明对书的形成、传播起到了巨大的推动作用。书籍形态设计的第一语言就是视觉传达，需要给读者传达一种最直接、最简单的感官喜好。书籍形态的多元探索，要求以独特的设计语言呈现多元化的书籍形态，让读者参与到更丰富的阅读体验中，以培养学生的创新精神。
2. 书的要素：一本书的形式构成，包括开本、纸张、页码、封面、印刷、装订等，它们构成了一本书基本的物质形式和外观状态。特别是书的开本大小、页数的多少和封面设计是影响书籍外观视觉样式的重要因素。书不一定是矩形的，可以根据内容尝试多样设计，而精装书籍，就像穿着盛装的人，显得富丽堂皇。
3. 书的封面：封面集中地体现书籍的主题精神，它既是书的保护层，又是书的面孔。在琳琅满目的书海中，书的封面起着一个无声的推销员作用，在一定程度上直接影响着人们的购书欲。图形、色彩和文字是封面设计的三要素，一般包括书名、编著者名、出版社、介绍文字、定价和条形码等文字和符号，以及体现书籍内容、性质、体裁的装饰形象、色彩和构图。现今，书籍已不单纯是文字的载体，也不仅仅提供阅读的功能，它已成为全方位展示设计者美学追求，满足人们多元化需要的艺术作品。
4. 书的装帧方法：古籍书有经折装、蝴蝶装、卷轴装、包背装、线装、旋风装等。现代书装帧方式有精装、平装。有人用建筑艺术比喻书籍装帧，建筑艺术是空间的、静态的艺术，然而通过布局可以产生韵律，造成一种流动的感觉。书籍装帧也是如此，通过封面、环衬、扉页，步步接近正文，产生律动美。
5. 楔形文字：公元前3100 年之前苏美尔人开始使用的一种文字，它是至今为止被发现的最古老的文字之一，也是两河流域最主要的文化成就。苏美尔人用削成三角形尖头的芦苇秆或骨棒、木棒当笔，在潮湿的黏土制作的泥板上写字，字形自然形成楔形。
6. 东巴文：是目前世界上唯一仍然“活着”的象形文字，兼备表意和表音的成分。
7. 竹简：战国至魏晋时代的书写材料。是削制成的狭长竹片（也有木片），竹片称简，木片称牍，统称为简。
8. 线装书：线装书出现在包背装盛行的明朝中叶，是我国装订技术史上第一次将零散的页张集中起来，用订线方式穿联成册的装订书。
9. 圈装书：圈装书运用了专门的工具、材料，可以自己装订。
10. 插图：插图也称为插画，插在文字中间用以说明文字内容的图画，有趣的插图可以增强作品的感染力和书刊版式的活泼性。插图在中国有着悠久的历史，创于唐，盛于宋、元，到了明代，插图的数量十分惊人。教学过程与方法
一、分析讨论
评判一本最美的书的标准是什么？一本好书必须具备哪些要素？优秀的书籍设计应该是怎样的？通过层层设问，引导学生主动探究美丽的书。
二、欣赏感悟
书的形态千变万化，美丽的书籍封面如何设计？需要哪些元素？运用问题探究法引导学生探究纸质文化的魅力，探究从平面纸张——翻阅——视觉的流动——立体的空间转变构成，形成设计意识。
三、实践探究
动手制作手工书，通过个人的创意和简单的技术，认识、体验书籍装帧。可以通过封面、环衬、扉页、目录、版权页、页码和书眉、版式设计、文学插图等完善一本书的装帧。可以选择身边的多种材料，探究书籍的形式，表达个性风格。教学中采用师生互动型的教学方法，以学生为主体，充分发挥学生的主观能动性。运用小组讨论法，通过设问，引导学生大胆发表自己对书籍设计的看法；运用问题探究法，深化讨论的问题，培养学生发现问题、思索问题、解决问题的意识，通过对书籍内容的熟悉及创意要求，对自己喜爱的书重新设计，可以较好地完成教学目标。
12 第六课 美丽的书
第二课时
一、教材分析
本课属于设计 应用学习领域。书籍不是一般商品，而是一种文化载体，因而一本好的书不仅要从内容上吸引读者，同时成书的形式还要有趣，这就要求书籍设计者应具有良好的立意和构思，使书籍设计从形式到内容形成完美的艺术整体。书籍设计是一种立体的思考行为，从书籍封面、封底和书脊，再到内页，如果单独去看都是平面的，但随着人们的翻阅，视觉的流动，这些平面则组合成一本立体的书籍，带给人以美的感受。本课从书的整体形态到书的构成要素、书的封面、书的结构，步步为营，启发学生自主思考、激发想象，引导学生创造属于自己的个性书籍。学生则可以通过参与书籍设计，融入到书的丰富多彩的美妙世界之中，形成“形式与内容高度统一”的设计思想，提高创意能力和动手能力。
二、教学目标
认知目标：认识书籍的文化价值和艺术价值，学习书籍设计的基本知识。
技能目标：为自己喜爱的一本书重新设计封面、封底与书脊。
情感目标：感悟书籍设计的艺术美，树立创意为先的设计观念。
三、教学重难点
教学重点：使学生通过封面、封底、书脊的设计表达出书的内涵，恰当地使用图形、色彩、文字等视觉要素以及构成关系。教学难点：书籍设计中内容与形式的高度一致性和相互映衬关系。
四、课前准备
教具：多媒体课件、A4 纸、画笔等。
学具：彩纸、画笔、颜料等。
五、教学过程
（一）新课导入
讨论：每当我们拿起一本书时，是否会仔细地品味书的包装是否漂亮、触感是否舒服、内文编排是否合理有效？是否具有美感？这种印象使我们喜欢上了美丽的图书。
揭示课题：“美丽的书”。
（二）新授课程
1. 分析讨论
评判一本最美的书的标准是什么？
每年在德国莱比锡举办的“世界最美的书”评选活动，代表了当今世界图书装帧设计界的最高荣誉，反映了世界书籍艺术的最高水平。莱比锡提出的评判标准值得借鉴：第一是设计和文本内容的完美结合；第二要有创造性；第三，它是给人以阅读享受的，一定是在印刷和制作方面有最精致、独到的地方。
2. 欣赏感悟
书籍设计重在对文化的理解。引导学生分析《朱熹千字文》一书，探究书的要素。观察：翻开《朱熹千字文》，遒劲、粗犷的字迹仿佛从纸上立起来，镶嵌入一个古老的石碑，似乎让人感觉到当年篆刻人手上的力度。
分析：构成这本书基本的形式要素，古朴的形式和外观气息的要素正是一本书必备的。
思考：一本书必须具备哪些要素呢？
3. 探究分析
一本好的书籍设计应该是怎样的？
书的内在精神的形象化体现，让读者阅读起来方便、易懂、有趣，并使其成为生活的一部分，就是好的书籍设计。书籍是一个带有情感的事物，其形式充分体现了纸文化的魅力。其不仅仅是文字信息的传达，在翻页阅读的过程中，所形成的一种动态的阅读体验，也是非常有趣和有益的。
4. 探讨交流
观察：《小蓝和小黄》封面由黄色、白色、黑色大块面分割而成，环衬由黄、蓝圆圈相隔而成，非常形象地点题，突出书的主题。
分析：这本认识色彩的图画书由色彩、文字、构图构成愉悦、轻松的风格，非常吸引小朋友阅读。
思考：一本书的封面又该如何设计呢？
交流：一本书的封面就是书的外衣，它既保护了书籍，又是书籍的脸面，让我们快速地了解此书的内容。
构图——封面艺术的构图，从内容到形式再到内容相互作用的反复渗透，巧妙结合，凸显设计者的审美意趣。
书名——一目了然，有先声夺人之势。
色彩——封面色彩要富有装饰性，简洁强烈，给读者以视觉、心理上的冲击。
艺术手法——写意、比拟、象形、象征、变形等手法进行艺术处理，揭示书稿主题。
空白——空白是一种特殊艺术手法，画面中空白是意象的空间，给读者留下联想与思索的余地。
小组分析朱赢椿的《蚁呓》、教材P27 页的《奇斯马的侦探故事》等。
《蚁呓》这本书是尝试从设计到内容具有自主性和实验性价值的书籍，设计者想借此传达一种特别的书籍理念：阅读的乐趣不是被动接受，而是主动参与。书中大量留白为读者提供了丰富的想象和创作空间，向读者发出一个诚挚的邀请：这是一本需要与读者共同补充、创造和书写的图书。
5. 学生作业
作业内容：
为自己最喜爱的一本书设计封面、书脊、封底。
基本要求：
合理运用材料，完成一本书的装帧设计。
个性要求：
为自己的作品集进行装帧设计，将民族性和科学性有机结合。
6. 展示评价
学生展示自己设计制作的书籍，与小组成员分享设计的过程及设计思路，同学互评及教师点评。
课后反思：学生通过学习本课知识。对美丽的书有了更深的了解，同时激发学生创作设计的欲望。通过作业展评，课堂互动，效果很好。
13 第7课 张贴的画
第一课时
教材分析
本课属于设计 应用学习领域。张贴的画，按其字义，揭示了招贴画的意义、作用和特征。招贴画简洁、鲜明、明确，对学生有很强的吸引力。通过接触招贴画，让学生设计制作一些主题明确的校园招贴画，可以促使学生保持浓厚的学习兴趣和创作欲望，并增强学校、班级的凝聚力。教材从招贴画的概念、意义、构成、分类、主题及张贴的环境介入，引导学生关注招贴画，培养设计意识。引导学生把构思、创意通过视觉表达方式形成招贴画，以提高视觉表达能力、思维创新能力及动手操作能力。
1. 教学路径
看：招贴是我们视觉文化的一部分，作为在生活中常见的大众艺术，它改变着我们的环境，述说着我们的时代。招贴的表达是视觉性的，易为人理解，具备了视觉设计的绝大多数基本要素，设计表现技法比其他媒介更广、更全面，更适合作为基础学习的内容。招贴画的特点：鲜明醒目的色彩，概括有力的图形，巧妙奇特的创意，富有号召力的文字，从一个特殊的角度表现了丰富的社会生活。
学：招贴画是日常生活中比较常见的美术作品，其通过图形与文字的巧妙组合给人强烈的视觉感受，优秀的招贴画作品不仅能对所宣传的主题起到广而告之的社会效益，成功的招贴画还应该是有趣、有力、易懂的，这样才能以生动、具体、直观的方式进行信息的表达和传播。
做：尝试用绘画、剪贴、摄影等多种手法为校园集体活动设计一张招贴画，体验招贴的设计过程和制作特点。
创新：设计的本质就是创新，“新”并非全都无中生有，而往往是在我们熟悉的现实基础上发掘“新意”，予旧事物以全新的价值。创造性运用图形、色彩、文字等综合元素，使画面具有视觉冲击力，同时考虑张贴的环境，突出校园文化。
教学内容
一、教学目标
认知目标：认识和了解招贴画的特点和作用，分析招贴画的构成形式及基本创作方法，体会招贴画的艺术美感。
技能目标：尝试运用文字、图形及色彩为班级、学校或某项活动进行招贴画设计，体验招贴画的设计过程和制作特点。
情感目标：感受招贴画设计的形式美，逐渐使艺术学习活动融入自己的生活。
二、教学重难点 教学重点：招贴画的构成形式及基本创作方法。教学难点：招贴画设计的创意及设计品位的提高。
三、教学准备 名画图片、牛皮纸、画笔、颜料、教学课件。
四、教学要点
1.招贴画：又称为“海报”或“宣传画”。按其字义解释，“招”指招引注意，“贴”是张贴，即“为招引注意而进行张贴”，英文为“poster”，是户外广告的主要形式，具有很强的信息传达作用。
2.招贴画的分类：最初主要用于商品广告，称为“商业海报”，之后出现了其他用途的招贴画，如文化招贴、体育招贴、公益招贴等。
3.招贴画的构成：图形、文字、色彩。海报在特定的位置张贴，属于平面媒体的一种，借助形与色来强化传达信息。通常人们看海报的时间很短暂，大约在二至五秒内便想获知海报的内容，所以图形明朗、文字简洁、色彩鲜明，形成海报醒目、准确、审美等特征。
4.招贴画的创作：其步骤有审题、选取形象、组合构图、色彩设计、选取制作方法、制作。
5.张贴环境 ：根据招贴画的内容选择张贴的环境。无论什么类型的海报，都希望广而告知，所以海报一定要张贴在人流密集的地方，如城市的商业街区、交通要道或公路两旁。现代城市对海报的张贴有着严格的法规，必须认真执行。当今海报“张贴”已经发生了很大变化，多媒体、电视、互联网等都是“张贴”的现代方式，在“张贴”过程中，必须严格制定计划，科学、经济地进行“媒体发布”。
14 第7课 张贴的画
第二课时
一、课前准备
教具：各类招贴画作品、课件、画笔。 学具：画纸、画笔、各类图片等。
二、教学设计
（一）新课导入
当你在城市的街道闲逛、在地铁站等车、在参观博物馆时，你会发现招贴画无处不在。而那些最好的招贴画设计总是让我们驻足停留，招贴画所传达的信息清晰明了，离开后脑海里还会常常想着它们。
思考：我们身边熟悉的招贴画，哪一幅令你印象深刻，为什么？它的颜色、图形、信息、文字又是怎样表现的？ 揭示课题：“张贴的画”。
（二）新授课程
1.分析探讨
分析招贴画《中国民间剪纸》《湿地保护》作品，思考：招贴画的概念及意义是什么？
小结：招贴画是广告的一种表现形式，是向公众传播思想观念、介绍商品、报道服务内容和文化体育信息的一种艺术化的宣传方式，又称为宣传画、海报和广告。
探究：招贴画的构成及分类？
讨论：招贴画的构成内容包含图形、文字、色彩等，分为公共招贴和商业招贴。公共招贴，是以社会公益性问题为题材；商业招贴，是以促销商品、满足消费者需要的内容为题材。
2.欣赏感悟
思考：一幅设计精美的招贴画凭借什么吸引着我们？分析招贴画《我爱黄河 我爱国旗 我爱长江》。
分析：设计师在设计招贴画时对图片的选择可以说是成败的关键。图片的作用是简化信息，避免过于复杂的构图。图片能够使难以用文字表达的内容清晰地呈现。
观察：黄色代表黄河，表现了中华民族的灿烂文明；红色是鲜艳的国旗，表现了革命战争的艰苦岁月；蓝色代表长江，表现了建设祖国的激情。
交流：招贴画《我爱黄河 我爱国旗 我爱长江》运用象征手法、纪念碑的艺术形式，主题鲜明的招贴组画设计，吸引了观者的目光，较好传达了准确的信息，具有很强的视觉吸引力、独特的艺术表现形式等艺术特征。
小结：招贴画设计的艺术元素。
创意——招贴画设计的核心。紧扣主题、新颖绝妙、意境深远是创意的追求。
构图——符合形式美法则，疏密有致，均衡搭配，合理运用空白等。
色彩——平面作品中的灵魂，为意境服务，烘托主题。
文字设计——字体要与主题贴切；用语力求精练传神。
创作方法——摄影、黏土、手绘、剪贴等。
创意手法——合理夸张法、以小见大法、运用联想法、富于幽默法、借用比喻法等，利用各种平面元素，在平面材质上，努力凸显视觉空间，产生强烈视觉效果，令人拍案叫绝。
3.教师演示
如何设计一张具有感染力的招贴画，使观看的人能够直接接触最重要的信息？演示招贴画的创作步骤：审题——选取形象——组合构图——色彩设计——制作方法——完成张贴。
小结：一幅招贴画必须有特定的信息主体，并通过艺术设计的方式进行创意表现，以生动、具体、直观的方式进行信息的表达和传播。招贴的信息构成有创意画面、准确信息、鲜明色彩等，为了吸引人们的注意力，在设计思想方面往往采用一些不同寻常的创意和策略。
4.分析小结
思考：如何通过各种不同的创作手法设计出一张引人注目的招贴画呢？ 分析教材中《麦当劳错在哪》《反对战争》招贴画，启发学生的创意。
小结：常用的招贴画创新思维方式有打破定势思维法，定势思维是人们按习惯的固定思路去考虑问题，形成先入为主的成见。逆向思维法，抛开问题所提供的条件和习惯的思路导向，有意识地从常规思维的反方向去思考问题。招贴画中图形创意往往采用“原形置换”的逆向思维方式，制造悬念，有意将我们的预想阻断，令人惊异甚至是震撼，然而仔细品味不但不悖情理，反而感到趣味盎然。
5.学生作业 作业内容：
选择一项校园主题活动，进行海报的创意设计。
注意合理运用构图、表现手法、材质、文字、色彩等，明确表达主题。
创作要求：
（1）分析海报的主题及张贴的地点，寻找海报中适用的图片。
（2）决定海报的设计主题，确定目标对象、色彩及材质的运用。
（3）选择作品的表现形式，使作品能够准确传达有关信息。
（4）确定海报构图的焦点，信息的主次及文字排版。
基本要求：创作手法不限，主题醒目，信息准确。
个性要求：创造性运用图形、色彩、文字等综合元素，使画面具有视觉冲击力。
15 第8课 一目了然
本课属于设计 应用学习领域，包含公共标志和信息图表两大内容。教材则立足于生活，从生活中的图形符号切入，引导学生主动探究公共标志的含义、特点及设计要素，探究图表的作用、构成要素、设计方法，其内容适合初二年级学生进行尝试与体验，利于学生形成初步的设计意识。创意设计则从学生身边事物入手，深入感受标志、图表对生活的影响。利用图形符号开展有目的的校园综合活动，可以培养学生勤于观察、善于发现、严于计划的良好学习习惯，可以提高学生的动手制作能力，提升基本的美术素养。
一、教学路径
看：21 世纪是读图时代，因为标志、图表是最常用的视觉语言，更多的介入信息交流，成为现代社会人与人之间交流沟通的重要形式。与文字符号相比，标志、图表更简洁、生动、直观。标志、图表是需要设计的，因为这些视觉符号具有准确性、可读性、艺术性等信息特征和视觉特征，因此很多的标志、图表都由艺术家参与设计。
学：公共标志的设计包含图形、色彩、文字等要素。而图表的设计、制作同样包含很多知识，既有理性的数据统计分析，又有感性的视觉审美，整个学习过程是艺术与科学的交融、科学与生活的沟通，图表设计可以是平面设计与立体制作相结合，利用多种材料（如扣子、贝壳等）和多种方式（如剪、贴等），设计出具有鲜明个性的图表，以优美的作品使学生体验成功的愉悦。
做：感受生活，了解图形符号传递信息的方式，学会从实用美观的视角出发，构思、设计创意独特的校园环境标志、班级课程表、日历等，提升校园文化。
创新：应用计算机或手工绘制班级标志，充分利用身边的易得材料合作完成校园文化系列作品，发挥各自的创新意识和创造能力。
教学内容
一、教学目标
认知目标：通过赏析公共标志、图表，认识和了解图形符号的分类及各自的特征、设计要点。
技能目标：通过为班级、学校活动设计标志、图表，让学生体验图形符号的设计过程和制作特点。
情感目标：通过对同学设计的标志、图表进行恰当评价，认识和体会图形符号的不同功能和艺术美感。
二、教学重难点
教学重点：标志、图表设计的基本方法。
教学难点：图形符号设计的形式美与精神内涵的统一体现。
三、教学准备
各类标志、图表、画笔、颜料、教学课件。
四、教学要点
1.公共标志的功能：指示、公告、指令、警示、禁止。
2.公共标志设计特点：可识别性、普遍性、公益性、约束性、多样性、持久性。
3.公共标志设计形式 ：具象形式、意象形式、抽象形式。
（1）具象形式是基本忠实于客观物象的自然形态，经过提炼、概括和变化，突出与夸张其本质特征，作为标志图形。这种形式具有易识别的特点。交通标志中的警示标志，孩子、老人都能明白。
（2）意象形式是以某种物象的形态为基本意念，以装饰的、抽象的图形或文字符号来表现的形式。如中国民航的标志图形就是以凤凰形态为意念，以抽象图形来表现的。这种形式往往有更高的艺术格调和现代感。
（3）抽象形式是以完全抽象的几何图形、文字或符号来表现的形式。这种图形往往具有深邃的抽象含义、象征意味或神秘感，这种形式往往具有更强烈的现代感和符号感，易于记忆。如“耐克”就是一个简单的钩，在喧嚣的都市，简练而动感十足的小钩无处不在，时时刻刻吸引着年轻人的目光，激起他们参与运动的热情。
4.从组成元素来看，标志可以分为纯文字、纯图像、图像与文字结合型三种。
（1）纯文字的标志设计主要在于点、线、面、体等造型要素的设计，可以产生强烈的视觉效果；
（2）纯图型的标志设计是在实物图形的基础上经过简化、概括、夸张等手法设计而成的；
（3）图像与文字结合的标志设计最为常见，结合了前两者的长处，色彩搭配明确，具有行业特征和时代性。
5.图表：泛指可直观展示统计信息属性，直观生动的图形结构，通过图示、表格来表示某种事物的现象或某种思维的抽象观念，属于视觉传达设计范畴。
图表的分类：条形图、柱状图、折线图和饼状图是图表中四种最常用的基本类型。图表类型还包括散点图、面积图、圆环图、雷达图等，也可以通过图表间的相互叠加形成复合图表类型，不同类型的图表则具有不同的构成要素。
图表特征：图表设计有着自身的表达特性，尤其对时间、空间、抽象思维的表达，具有文字符号无法取代的传达效果。首先具有表达的准确性，对所示事物的内容、性质或数量等表达准确无误；第二是信息表达的可读性，即在图表认读识别中通俗易懂，尤其是用于大众传达的图表；第三是图表设计的艺术性，图表是通过视觉的传递来完成，必须考虑到人们的欣赏习惯和审美情趣。
图表设计：
当我们要以图形符号形式展示统计信息时，需要思考表现什么—主题特征、何处——空间属性、何时——时间属性、程度——数量特征、如何——变化特征等。
图形创意设计还可以作为形象思维训练得很好的内容和方式。一个设计师要提高自己的创造力和形象思维能力，必须经过较长时间，并用各种方法进行图形创意设计训练，掌握图形设计语言的状态和意义，使自己的设计语言得到丰富及其运用能力得以提高，才能设计出优秀的艺术作品。
16 第9课 历史的画卷——外国历史画、宗教画
第一课时
本课内容为欧洲历史画、宗教画。理论家们把历史画看作是最重要的绘画题材。在相当长的时间里，它是艺术家们追求艺术表现的重要领域，并让它成为人类文明史上很重要、很直观的文化遗产。使它承载着人类凝重的历史，教材分别以“记录历史，宗教故事、历史故事，对现实的记录，庄严与华丽的证明”四个小标题作了方向性的指引。
历史画的题材往往是主题性的，内容独特，意义重大。其本身常常具有“成教化，助人伦”的社会功能，欣赏中要借此挖掘思想内涵，要让学生了解历史画的更多知识，相关的绘画表现形式，艺术家的思想感情，要利用多方面的资源，以“理性入手，感性提升”的思路，引导学生通过欣赏、感受、分析与讨论，提高鉴赏历史画、宗教画的能力。
第一课时：了解历史画、宗教画的欣赏方法，从记录历史，宗教故事、历史故事两部分内容的经典名作中获得审美享受。
第二课时：理解历史画欣赏的特殊视角，从对现实的记录，庄严与华丽的证明两部分的经典名作中，理解历史画欣赏的表现形式、语言、风格，并能深入具体地了解、分析作品。
教学内容
一、教学目标
认知目标：初步了解外国历史画的概况，对其作用、创作方法、自身发展、表现形式和表现语言有所认识。
技能目标：体验和发现外国历史画的艺术个性和艺术魅力，初步了解他们的社会、历史价值。初步学会运用历史画的基本欣赏方法赏析具体的作品，提高语言表达能力和丰富想象力。
情感目标：引导学生在广泛的文化背景中体验外国绘画作品的艺术美，提高学生的审美能力，启发学生尊重、理解和接纳人类的文化遗产。
二、教学重难点
教学重点：外国历史、宗教绘画作品的概况及艺术特点。
教学难点：理解历史画欣赏的特殊视角和画家在作品中倾注的感情。
三、教学准备
教师准备：历史画、宗教画相关图片及资料，制作多媒体课件。
学生准备：查找相关文字、图片资料，可制作课件用于课堂交流。
四、历史画的赏析方法和要点
1.了解历史史实。
2.探讨绘画技巧。
3.感悟画家情感。
五、教学过程和方法记录历史
示例作品：《阿克琉斯与埃阿斯玩骰子》
1.基本信息：《阿克琉斯与埃阿斯玩骰子》是“黑绘风格”的代表作。“黑绘风格”出现于公元前6世纪初，止于公元前5 世纪。它是利用其他颜色的点染，在烧成后陶土红赭色底子上显出黑色的图案。其形象有如剪影，外部轮廓十分突出，细部用线表现，是强烈的大效果与微妙的细节处理的有机结合，从而达到装饰醒目且耐人寻味的境界。雅典是盛产这种优美而“时髦”的陶瓶的艺术中心。
2.历史史实：此瓶画所描绘的题材，已经不是东方纹样，而是荷马史诗中提到的两个英雄——阿喀琉斯和埃阿斯在出征特洛伊途中遇到风暴，在帐篷里玩骰子的情节。两位英雄盔甲不解，长矛依肩却兴致勃勃地玩耍，洋溢着浓厚的生活情趣。
3.绘画技巧：绘画形式没有完全摆脱埃及艺术的影响。这两个人仍旧严格地用侧面像表现，眼睛看起来还仿佛是正面。但是身体已经不再是埃及样式了，手和臂也没有那么生硬。最值得注意的是画家已经敢于只画出阿喀琉斯左手的一小部分，把其余部分隐藏到肩膀的后面。
4.画家情感：古风时期的希腊画家开始信赖自己的眼睛从特定的角度观察到情况，特别是绘画中敢于运用短缩法来表现特定的视觉感受。整个画面极富装饰情趣。
5.教法建议：感悟欣赏，让学生了解埃及的正面律。
示例作品：《伊苏之战》
1.基本信息：伊苏之战（镶嵌壁画）雕塑、石刻，作者比洛克申，系希腊伊苏之战壁画的摹本，此画高约248厘米，长约517 厘米。
2.历史史实：公元前333年，马其顿王亚历山大与波斯王大流士三世进行了一次关键性激战，地点在西里西亚(即在小亚细亚)的伊苏城附近。这次战役在马其顿方面，动用军队仅3~4万人，而波斯的军队则超过12万人。亚历山大善于用兵，地势也有利，结果波斯军队损兵折将，伤其大半，一时溃不成军，大流士竟从战场上只身逃脱，他的家眷也尽皆被俘。
3.绘画技巧：构图庞大，人物众多，激烈的战争场面处理得非常细致：右侧是溃败的波斯军，大流士三世见到大势已去，急命车夫催赶战车，仓惶逃跑，脸上露出慌张的神色。画的左侧，因受岁月侵蚀，部分马赛克已经剥落，图像不清。那里刻画了亚历山大及其骑兵们的威武雄姿，马其顿身披甲胄，率先闯入波斯军阵，正用长矛往大流士方向直刺过去，其余军士直奔溃军方向，力图杀尽敌人。
4. 画家情感：战斗双方的胜负局势已跃然画上，戏剧性的冲突与对立构成了全画的基调。
5. 教法建议：仔细观察画面，画中有许多生动的细节：负伤倒下的马，踢腿溃跑的脱缰之马，骑士的长矛，马其顿王的脸容，背景的战场气氛组成了画面的节奏美，画家表现激烈战争场面的技巧炉火纯青。
17 第9课 历史的画卷——外国历史画、宗教画
第二课时
宗教故事、历史故事 示例作品：《最后的晚餐》
1.基本信息：作者列奥纳多·达·芬奇（1452-1519）意大利文艺复兴时期的文化名人，和米开朗琪罗、拉斐尔并称文艺复兴三杰，他不仅是天才的画家、雕塑家、建筑师、诗人、哲学家和音乐家，而且是位很有成就的解剖学家、数学家、物理学家、天文学家、地理学家和工程师等等。
2.历史史实：题材取自《圣经》故事。犹大向官府告密，耶稣在即将被捕前，与十二门徒共进晚餐，席间耶稣镇定地说出了有人出卖他的消息，达·芬奇此作就是耶稣说出这一句话时的情景。
3.绘画技巧：构图时，他将画面展现于饭厅一端的整块墙面，厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结，使观者有身临其境之感。达·芬奇是这样来构思这一题材的，他对称地设计了两边六个门徒的形体动作：沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗户里，通过窗户，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。围着耶稣的这六个门徒，处于故事发生的中心。
4.画家情感：此画体现画家的人文主义精神。
5.教法建议：社会学式鉴赏。人文主义精神的核心是提倡人性，反对神性，主张人生的目的是追求现实生活中的幸福，倡导个性解放，反对愚昧迷信的神学思想，认为人是现实生活的创造者和主人，肯定人的价值和尊严。
示例作品：《圣母像》
1.基本信息：拉斐尔（1483-1520）意大利画家、建筑师。与达·芬奇和米开朗基罗合称“文艺复兴三杰”。拉斐尔的画以“秀美”著称，画作中的人物清秀，场景祥和。他的性情平和、文雅，和他的画作一样。
2.历史史实：拉斐尔借助宗教主题表现现实与理想相结合的完美女性形象，以颂扬人性中的至善、至美。
3.绘画技巧：画面中的人物画得令人赞叹不已，圣母侧头俯视着两个孩子，她的表情使人难以忘怀。拉斐尔潜心研究各画派大师的艺术特点，并认真领悟，博采众长，尤其是达·芬奇的构图技法和米开朗基罗的人体表现及雄强风格，最后形成了其独具古典精神的秀美、圆润、柔和的风格。尤其是画面的平衡，背景
的描绘，圣母玛利亚的端庄、文雅，均为前辈画家作品中所罕见。
4.画家情感：拉斐尔创作了大量的圣母像，显露出其非凡的天才。他的一系列圣母画像，都以母性的温情和青春健美而体现了人文主义思想。
5.教法建议：合作学习，共同感悟和探讨拉斐尔圣母像的秀美、圆润、柔和的风格。示例作品：《亚历山大的胜利》
1.基本信息：阿尔布雷希特·阿尔特多菲，德国画家。
2.历史史实：公元前331年10月1日，在亚历山大东征之战中，马其顿王亚历山大的军队(4万名步兵，7000名骑兵)与波斯王科多曼·大流士三世的军队主力(约8万名步兵，近15000名骑兵，200辆战车，15只战象) 在高加米拉进行了一场决定性会战。
3.绘画技巧：阿尔特多菲尔是德国绘画史上最著名的大师之一。其画以线条准确和色彩丰富著称。在这幅《亚历山大的胜利》之前，没有任何历史绘画试图描绘出这种看起来无限数量的士兵。
4.画家情感：阿尔特多菲尔在这幅画中

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